Picasso plavo. Pablo Picasso. Briljantan umjetnik i njegove poznate slike. “Djevojka na lopti” - ravnoteža između života i smrti

„Plavi period“ je možda prva faza u Pikasovom stvaralaštvu, u odnosu na koju se može govoriti o individualnosti majstora, uprkos još uvek zvučnim notama uticaja. Njegov prvi kreativni uzlet bio je izazvan dugom depresijom: u februaru 1901. u Madridu Picasso je saznao za smrt svog bliskog prijatelja Carlosa Casagemasa. Umjetnik je 5. maja 1901. godine po drugi put u životu došao u Pariz, gdje ga je sve podsjećalo na Kasagemasa, s kojim je nedavno otkrio francusku prijestolnicu. Pablo se smjestio u sobu u kojoj je Carlos proveo svoje posljednje dane, započeo aferu sa Germaine, zbog koje je njegov prijatelj izvršio samoubistvo, te komunicirao sa istim krugom ljudi. Može se zamisliti u kakav složen čvor za njega su se upleli gorčina gubitka, osjećaj krivice, osjećaj blizine smrti... Sve je to na mnogo načina poslužilo kao „đubre“ iz kojeg je nastao „plavi period“ rastao. Pikaso je kasnije rekao: „Bio sam uronjen u to Plava boja, kada sam shvatio da je Casagemas mrtav."

Međutim, u junu 1901., na prvoj pariškoj izložbi Picassa, koju je otvorio Vollard, još uvijek nije bilo “plave” specifičnosti: 64 predstavljena djela bila su svijetla, senzualna i na njima je bio primjetan utjecaj impresionista. „Plavi period“ postepeno je došao na svoje: u radovima su se pojavile prilično krute konture figura, majstor je prestao da teži „trodimenzionalnosti“ slika i počeo se udaljavati od klasične perspektive. Postepeno, njegova paleta postaje sve manje raznolika, a akcenti plave boje postaju sve jači i jači. Početak samog „plavog perioda“ smatra se „Portretom Jaimea Sabartesa“ koji je nastao iste 1901. godine. Sam Sabartes je o ovom radu rekao: "Gledajući sebe na platnu, shvatio sam šta je tačno inspirisalo mog prijatelja - to je bio čitav spektar moje usamljenosti, gledano spolja."

Ključne riječi za ovaj period Pikasovog stvaralaštva su zaista “usamljenost”, “bol”, “strah”, “krivica”, primjer za to je majstorov “Autoportret”, nastao nekoliko dana prije odlaska u Barselonu. Januara 1902. vraća se u Španiju, ali neće moći da ostane – španski krug mu je premali, Pariz mu je previše privlačan, ponovo će otići u Francusku i tamo provesti nekoliko očajnih meseci. Radovi se nisu prodavali, život je bio veoma težak.

Morao se ponovo vratiti u Barselonu i posljednji put ostati duže od godinu dana. Glavni grad Katalonije dočekao je Picassa sa velikom napetošću, okružen siromaštvom i nepravdom sa svih strana. Društveno vrenje koje je zahvatilo Evropu na prijelazu stoljeća zahvatilo je i Španiju. To je vjerovatno uticalo i na razmišljanja i raspoloženja umjetnika, koji je izuzetno vrijedno i plodno radio u svom zavičaju. Ovdje su nastala remek-djela "plavog perioda" kao što su "Datum (dvije sestre)", "Tragedija", "Stari Jevrejin s dječakom". Kazagemasov lik se ponovo pojavljuje na slici „Život“: naslikan je preko dela „Poslednji trenuci“, izloženog na Svetskoj izložbi u Parizu 1900. godine i koje je postalo povod za prvo putovanje Pikasa i Kazagemasa u prestonicu Francuska. U periodima besparice, umjetnik je više puta slikao slike, ali u ovom slučaju je možda i ovo „varvarstvo“ imalo neko simbolično značenje – kao znak oproštaja od stare umjetnosti i od Carlosa, koji je također zauvijek ostao u prošlost.

U proleće 1904. ukazala se prilika da ponovo odem u Pariz, a Pikaso nije oklevao. U Parizu su ga čekale nove senzacije, novi ljudi, interesovanja i novi period - "ružičasti" period, koji je počeo u jesen 1904.

Teško da postoji osoba na planeti kojoj nije poznato ime Pablo Picasso. Osnivač kubizma i umetnik mnogih stilova uticao je na likovnu umetnost ne samo Evrope, već i celog sveta u 20. veku.

Umjetnik Pablo Picasso: djetinjstvo i godine studija

Jedan od najsjajnijih rođen je u Malagi, u kući na Trgu Merced, 1881. godine, 25. oktobra. Sada postoji muzej i fond nazvan po P. Picassu. Slijedeći špansku tradiciju na krštenju, roditelji su dječaku dali prilično dugo ime, koje je alternacija imena svetaca i najbližih i najcjenjenijih rođaka u porodici. Na kraju krajeva, poznat je po svom prvom i posljednjem. Pablo je odlučio da uzme majčino prezime, smatrajući da je njegov otac previše jednostavan. Dječakov talenat i strast za crtanjem pojavili su se od samog početka. rano djetinjstvo. Prve i veoma vredne lekcije naučio mu je otac, koji je takođe bio umetnik. Zvao se Jose Ruiz. Svoju prvu ozbiljnu sliku naslikao je sa osam godina - “Pikador”. Možemo sa sigurnošću reći da je s njom započeo rad Pabla Picassa. Otac budućeg umjetnika dobio je ponudu da radi kao učitelj u La Coruñi 1891. godine, a porodica se ubrzo preselila u sjevernu Španiju. Tamo je Pablo studirao godinu dana u lokalnoj umjetničkoj školi. Tada se porodica preselila u jedan od najljepših gradova - Barselonu. Mladi Pikaso je tada imao 14 godina i premlad da bi studirao u La Lonji (školi likovnih umetnosti). Međutim, njegov otac je uspio osigurati da mu se dopusti polaganje prijemnih ispita na takmičarskoj osnovi, što je on sjajno i učinio. Nakon još četiri godine, roditelji su odlučili da ga upišu u najbolju naprednu umjetničku školu u to vrijeme - „San Fernando“ u Madridu. Studiranje na akademiji mladom talentu brzo je dosadilo; u njenim klasičnim kanonima i pravilima osjećao se skučeno, pa čak i dosadno. Stoga je više vremena posvetio muzeju Prado i proučavanju njegovih zbirki, a godinu dana kasnije vratio se u Barselonu. Rani period njegovog stvaralaštva obuhvata slike naslikane 1986. godine: „Autoportret“ Pikasa, „Prva pričest“ (predstavlja umetnikovu sestru Lolu), „Portret majke“ (na slici ispod).

Tokom boravka u Madridu, napravio je svoje prvo putovanje na kojem je proučavao sve muzeje i slike najvećih majstora. Kasnije će više puta dolaziti u ovaj centar svjetske umjetnosti, a 1904. godine će se trajno preseliti.

"Plavi" period

Ovaj vremenski period se može posmatrati kao da se upravo u to vreme njegova individualnost, još uvek podložna spoljnom uticaju, počinje manifestovati u Picassovom delu. Poznata je činjenica: talenat kreativnih ljudi najjasnije se očituje u teškim životnim situacijama. Upravo to se desilo sa Pablom Pikasom, čija su dela danas poznata širom sveta. Polijetanje je izazvano i dogodilo se nakon duge depresije uzrokovane smrću bliskog prijatelja Carlosa Casagemasa. Godine 1901., na izložbi koju je organizirao Vollard, predstavljena su 64 umjetnikova djela, ali su tada još uvijek bila puna senzualnosti i sjaja, jasno se osjećao utjecaj impresionista. „Plavi“ period njegovog stvaralaštva postepeno je ulazio u svoja prava, manifestujući se krutim konturama figura i gubitkom trodimenzionalnosti slike, odstupanjem od klasičnih zakona umjetničke perspektive. Paleta boja na njegovim platnima postaje sve monotonija, s naglaskom na plavoj boji. Početkom perioda može se smatrati „Portret Jaimea Sabartesa” i Pikasov autoportret, naslikan 1901. godine.

Slike "plavog" perioda

Ključne riječi za majstora u ovom periodu bile su usamljenost, strah, krivica, bol. Godine 1902. ponovo se vratio u Barselonu, ali nije mogao da ostane tamo. Napeta situacija u glavnom gradu Katalonije, siromaštvo na sve strane i socijalna nepravda rezultiraju narodnim nemirima, koji su postepeno zahvatili ne samo cijelu Španiju, već i Evropu. Vjerovatno je ovakvo stanje uticalo i na umjetnika, koji ove godine plodno i izuzetno vrijedno radi. U domovini su nastala remek-dela „plavog” perioda: „Dve sestre (Datum)”, „Stari Jevrejin sa dečakom”, „Tragedija” (fotografija platna iznad), „Život”, gde je slika pokojni Kasagemas se ponovo pojavljuje. Godine 1901. naslikana je i slika “Pijač apsinta”. U njemu se prati uticaj tadašnje popularne fascinacije „poročnim“ likovima, karakterističnim za francusku umetnost. Tema apsinta pojavljuje se na mnogim slikama. Pikasovo delo je, između ostalog, puno drame. Posebno je upečatljiva ženina hipertrofirana ruka, kojom kao da pokušava da se odbrani. Trenutno se u Ermitažu čuva “Ljubavnik absinta”, koji je tamo stigao iz privatne i vrlo impresivne zbirke Pikasovih djela (51 rad) S. I. Ščukina nakon revolucije.

Čim mu se ukaže prilika da ponovo ode u Španiju, odlučuje da je iskoristi i napušta Španiju u proleće 1904. Tamo će se susresti sa novim interesovanjima, senzacijama i utiscima, što će dovesti do nove faze u njegovom stvaralaštvu.

"Pink" period

U Picassovom stvaralaštvu ova faza je trajala relativno dugo - od 1904. (jesen) do kraja 1906. - i nije bila sasvim homogena. Većina slika tog perioda obilježena je svijetlim rasponom boja, pojavom oker, biserno sivih, crveno-ružičastih tonova. Karakteristična je pojava i naknadna dominacija novih tema za umjetnikov rad - glumaca, cirkuskih izvođača i akrobata, sportaša. Naravno, ogromnu većinu materijala dao mu je cirkus Medrano, koji se tih godina nalazio u podnožju Monmartra. Svetla pozorišna postavka, kostimi, ponašanje, raznovrsnost tipova kao da su vratili P. Picassa u svet, doduše preobraženih, ali stvarnih formi i volumena, prirodnog prostora. Slike na njegovim slikama ponovo su postale senzualne i ispunjene životom i sjajem, za razliku od likova "plave" faze kreativnosti.

Pablo Picasso: djela "ružičastog" perioda

Slike koje su označile početak novog perioda prvi put su bile izložene krajem zime 1905. godine u Galeriji Serurrier - to su “Sjedeći akt” i “Glumac”. Jedno od priznatih remek-djela "ružičastog" perioda je "Porodica komičara" (na slici iznad). Platno ima impresivne dimenzije - više od dva metra u visinu i širinu. Likovi cirkuskih izvođača prikazani su na pozadini plavog neba; općenito je prihvaćeno da je harlekin s desne strane sam Picasso. Svi likovi su statični i među njima nema unutrašnje bliskosti, svaki je okovan unutrašnjom usamljenošću - tema čitavog "ružičastog" perioda. Osim toga, vrijedno je napomenuti i sljedeća djela Pabla Picassa: “Žena u košulji”, “Toalet”, “Dječak koji vodi konja”, “Akrobati. Majka i sin“, „Devojka sa kozom“. Sve one demonstriraju gledaocu ljepotu i spokoj, rijetke za umjetnikove slike. Novi podsticaj kreativnosti dogodio se krajem 1906. godine, kada je Picasso putovao Španijom i završio u malom selu na Pirinejima.

Afrički period kreativnosti

P. Picasso se prvi put susreo sa arhaičnom afričkom umjetnošću na tematskoj izložbi u muzeju Trocadero. Impresionirali su ga paganski idoli primitivnog oblika, egzotične maske i figurice koje su oličavale veliku snagu prirode i bile su distancirane od najsitnijih detalja. Umjetnikova ideologija se poklopila s ovom snažnom porukom, pa je kao rezultat počeo pojednostavljivati ​​svoje junake, čineći ih kamenim idolima, monumentalnim i oštrim. Međutim, prvi rad u smjeru ovog stila pojavio se davne 1906. godine - ovo je portret pisca Pabla Picassa, koji je sliku prepravljao 80 puta i već je potpuno izgubio vjeru u mogućnost utjelovljenja njezine slike u klasičnom stilu. . Ovaj trenutak se s pravom može nazvati prijelaznim od slijeđenja prirode ka deformaciji oblika. Pogledajte samo slike kao što su "Gola žena", "Ples s velom", "Drijada", "Prijateljstvo", "Poprsje mornara", "Autoportret".

Ali možda najupečatljiviji primjer afričke faze Picassovog rada je slika "Les Demoiselles d'Avignon" (na slici iznad), na kojoj je majstor radio oko godinu dana. Ona je krunisala ovu fazu kreativni put umjetnika i u velikoj mjeri odredio sudbinu umjetnosti u cjelini. Slika je prvi put objavljena samo trideset godina nakon što je naslikana i postala je otvorena vrata u svijet avangarde. Boemski krug Pariza bukvalno se podijelio na dva tabora: "za" i "protiv". Slika se trenutno čuva u Muzeju moderne umjetnosti u New Yorku.

Kubizam u Pikasovom delu

Problem jedinstvenosti i tačnosti slike ostao je na prvom mjestu u evropskoj likovnoj umjetnosti sve do trenutka kada je kubizam provalio u nju. Mnogi smatraju da je poticaj za njegov razvoj pitanje koje se pojavilo među umjetnicima: "Zašto crtati?" Početkom 20. vijeka pouzdana slika onoga što vidite mogao se naučiti gotovo svakome, a fotografija je doslovno bila za petama fotografije koja je prijetila da potpuno istisne sve ostalo. Vizuelne slike postaju ne samo uvjerljive, već i dostupne i lako replicirane. Kubizam Pabla Picassa u ovom slučaju odražava individualnost stvaraoca, napuštajući uvjerljivu sliku vanjskog svijeta i otvarajući potpuno nove mogućnosti i granice percepcije.

Rani radovi uključuju: “Lonac, čaša i knjiga”, “Kupanje”, “Buket cvijeća u sivom vrču”, “Hljeb i činija voća na stolu” itd. Na platnima se jasno vidi kako se mijenja umjetnikov stil i poprima sve apstraktnije crte krajem perioda (1918-1919). Na primjer, "Harlequin", "Tri muzičara", "Mrtva priroda s gitarom" (na slici iznad). Asocijacija publike na majstorovo djelo s apstrakcionizmom nije nimalo odgovarala Picassu; važna mu je bila vrlo emotivna poruka slika, njihovo skriveno značenje. Na kraju, stil kubizma koji je sam stvorio postupno je prestao inspirirati i zanimati umjetnika, otvarajući put novim trendovima u kreativnosti.

Klasični period

Druga decenija 20. veka bila je prilično teška za Pikasa. Tako je 1911. godinu obilježila priča o ukradenim figuricama iz Luvra, koje umjetnika nisu prikazale u najboljem svjetlu. Godine 1914. postalo je jasno da, čak i nakon toliko godina života u zemlji, Picasso nije bio spreman da se bori za Francusku u Prvom svjetskom ratu, koji ga je odvojio od mnogih njegovih prijatelja. I sljedeće godine umro je njegov voljeni Marcel Humbert.

Na povratak realističnijeg Pabla Pikasa u njegovo delo, čija su dela ponovo bila ispunjena čitljivošću, figurativnošću i umetničkom logikom, uticali su i brojni spoljni faktori. Uključujući putovanje u Rim, gdje je postao prožet drevnom umjetnošću, kao i komunikaciju s baletskom trupom Djagiljeva i upoznavanje s balerinom Olgom Khokhlovom, koja je ubrzo postala umjetnikova druga supruga. Njen portret iz 1917. godine, koji je na neki način bio eksperimentalne prirode, može se smatrati početkom novog perioda. Ruski balet Pablo Picasso ne samo da je inspirisao stvaranje novih remek-djela, već je i dao svog voljenog i dugo očekivanog sina. Najviše poznata dela period: „Olga Hohlova“ (na slici iznad), „Pjero“, „Mrtva priroda sa vrčem i jabukama“, „Uspavani seljaci“, „Majka i dete“, „Žene trče na plaži“, „Tri gracije“.

Nadrealizam

Podjela kreativnosti nije ništa drugo do želja da se ona razvrsta u police i ugura u određeni (stilski, vremenski) okvir. Međutim, ovakav pristup radu Pabla Picassa, koji krasi najbolje muzeje i galerije na svijetu, može se nazvati vrlo uvjetnim. Ako pratimo hronologiju, onda period kada je umjetnik bio blizak nadrealizmu pada na godine 1925-1932. Uopšte nije iznenađujuće da je u svakoj fazi majstorovog rada majstora kista posjećivala muza, a kada je O. Khokhlova poželjela da se prepozna na njegovim platnima, okrenula se neoklasicizmu. Međutim, kreativni ljudi su prevrtljivi, a ubrzo je u Picassov život ušla mlada i vrlo lijepa Maria Teresa Walter, koja je u trenutku njihovog poznanstva imala samo 17 godina. Bila je predodređena za ulogu ljubavnice, a 1930. godine umjetnik je kupio dvorac u Normandiji, koji je za nju postao dom, a njemu radionica. Marija Tereza bila je veran pratilac, postojano je podnosila kreativno i ljubavno bacanje kreatora, održavajući prijateljsku prepisku sve do smrti Pabla Pikasa. Djela iz perioda nadrealizma: “Ples”, “Žena u stolici” (na slici ispod), “Kupačica”, “Akt na plaži”, “San” itd.

Period Drugog svetskog rata

Pikasove simpatije tokom rata u Španiji 1937. pripadale su republikancima. Kada su iste godine italijanski i nemački avioni uništili Guerniku – politički i Kulturni centar Baskija – Pablo Pikaso je za samo dva meseca na ogromnom istoimenom platnu prikazao grad koji leži u ruševinama. Doslovno ga je obuzeo užas od prijetnje koja je visila nad cijelom Evropom, što nije moglo a da ne utiče na njegovu kreativnost. Emocije nisu bile direktno izražene, već su bile oličene u tonu, njegovoj sumornosti, gorčini i sarkazmu.

Nakon što su ratovi zamrli i svijet je došao u relativnu ravnotežu, obnavljajući sve što je bilo uništeno, Pikasovo djelo je također dobilo sretnije i svjetlije boje. Njegova platna, naslikana 1945-1955, imaju mediteranski okus, vrlo su atmosferska i dijelom idealistička. Istovremeno se počeo baviti keramikom, stvarajući mnoge ukrasne vrčeve, posuđe, tanjure i figurice (fotografija prikazana iznad). Radovi koji su nastali u posljednjih 15 godina njegovog života su stilski i kvalitetno vrlo neujednačeni.

Jedan od najvećih umetnika dvadesetog veka, Pablo Pikaso, preminuo je u 91. godini u svojoj vili u Francuskoj. Sahranjen je u blizini dvorca Vovenart koji mu je pripadao.

Picassove slike iz plavog perioda su kvintesencija bola, usamljenosti i destruktivne depresije. Paradoksalno, glavni događaji ovog perioda odvijali su se u gradu ljubavi i prestonici umetnosti - Parizu. Zašto su se ovi tužni, tmurni tonovi pojavili na samom početku Picassove životne i kreativne karijere? Koji događaji su zauvek promenili umetnikov život?

Vidjeti Pariz i ne umrijeti

Uoči svog devetnaestog rođendana, Picasso je otišao u Pariz sa svojim prijateljem umjetnikom Carlosom Casagemasom. Mladi nisu znali ni riječ francuskog, ali ih to nije spriječilo da se brzo upoznaju s lokalnim Kataloncima i pronađu smještaj za iznajmljivanje. Sve su dane provodili u kafićima, u Luvru, na Svjetskoj izložbi, u bordelima i kabareima. Međutim, trebalo je i dosta rada. U jednom od svojih pisama, Casagemas piše: „Kad god ima svjetlosti – mislim na solarnu, nema bijega od umjetne svjetlosti 24 sata – mi smo u ateljeu, crtamo.”

Prva posjeta Parizu dala je dvoje mladih ljudi... žene. Picasso je iskoristio sav svoj šarm i magnetizam da bi imao afere sa damama - a ni jezična barijera ni opšta nestabilnost nisu ga mogli spriječiti u tome. Mladi su najčešće provodili vrijeme u društvu svojih manekenki. Jedna od njih - Odette - postala je Picassova djevojka. Druga je Francuskinja španskih korijena, Germaine Gargallo - Casagemas. I iako je Germaine bila udata, neodoljiva žudnja za slobodom i avanturom neprestano ju je uplitala u veze s novim muškarcima.

"Umjetnici Kazagemas i Pikaso u poteru za dve devojke", 1900

Casagemas i Picasso su bili bliski prijatelji, ali potpuno suprotni po karakteru. Impulsivan, nesiguran, sumnjajući u svoju muškost, Karlosu je bilo teško kada Germaine nije obraćala pažnju na njega ili flertovala sa drugima. Kako bi smirio svoje ljubomorno srce i odvratio se od loših misli, opteretio se poslom: „Od sljedeće sedmice, odnosno od sutra, ispunićemo svoje živote mirom, spokojem, radom i svime što donosi duševni i tjelesnu snagu. . Ovu odluku smo doneli nakon zvaničnog sastanka sa damama.”

Prvi pokrovitelj

Petrus Manache, koga su Picassa upoznali njegovi prijatelji koji govore španski, bio je poznati pariski kolekcionar i trgovac umjetninama. Manash je bio fasciniran Pikasovim radovima i predložio je dogovor: sto pedeset franaka mesečno za sve slike koje je umetnik uspeo da stvori za to vreme, kao i njegovo, Manaševo, lično pokroviteljstvo. Pablo se složio. S jedne strane, prijedlog je Picassu dao jedinstvenu priliku da pobjegne iz siromaštva u kojem je oduvijek bio. Da bi se razumjela velikodušnost Manashove ponude, treba reći da je, na primjer, iznajmljivanje radionice koštalo 15 franaka mjesečno, a dva franka dnevno bila su dovoljna za dnevne potrebe.

S druge strane, ubrzo je ta ovisnost o Petrusovom novcu počela da šteti Picassovom ponosu: tvrdoglavi, razmaženi dječak, koji nikada nikome ništa nije dugovao, pao je u ropstvo koje ga je jako opterećivalo. Čak i na daljinu - kada je Picasso odlučio da se na neko vrijeme vrati u svoju domovinu, Španiju - Manash ga je pokušavao kontrolirati i stalno je zahtijevao nove slike.

I vratio se kući prilično brzo. Bliže Božiću, Picasso i Casagemas su shvatili da im nedostaju njihovi rođaci. Bili su umorni od Pariza - sa svim njegovim svjetlima, bukom, jarkim reklamnim posterima, beskrajnim zabavama i bordelima. Mladi su odlučili da se vrate u Barselonu. Ali, jednom u glavnom gradu Katalonije, brzo su shvatili: ovdje ih čeka samo siromaštvo, neopravdane nade u slavu i iste beskrajne javne kuće. Casagemas se izgubio pred očima od čežnje za ljubavnicom koju je ostavio u Francuskoj. Uzalud se Picasso nadao da će lokalni plesači uspjeti odvratiti njegovog prijatelja od misli o fatalnoj Germaine. Ubrzo je Carlos objavio da se vraća u Pariz.

Uronite u tamu

U februaru 1901. Pikaso je dobio pismo koje će mu uništiti stari život. Izvještava da je Carlos Casagemas, njegov najbliži prijatelj i kreativni saradnik, umro.

17. februara - prije polaska u Barcelonu - Carlos je održao oproštajnu večeru u restoranu Hipodrom. Kako se kasnije ispostavilo, Casagemas se unaprijed pripremio za ovaj događaj i znao je da će mu večera biti posljednja u životu. Mladić, opsjednut strašću za Germaine, ponio je sa sobom napunjen revolver i, vičući: "Izvoli!" - pucao u svoju omraženu ljubavnicu. Međutim, promašio je. Drugi metak sa riječima "A ovo je za mene!" - poslao mu je u glavu. Germaine nije povrijeđena, ali Carlos Casagemas je preminuo u bolnici nekoliko sati kasnije.

Mladićeva majka nije mogla da se nosi sa ovom viješću. Picassu je trebalo nekoliko mjeseci da shvati šta se dogodilo. Njegov prvi rad nakon tragedije bio je portret Carlosa Casagemasa za osmrtnicu objavljenu u lokalnim novinama.

Iz knjige “Picasso” Henrija Gidela: “Progonjen opsesivnim sjećanjima na Kasagemasa, koja su mu se stalno pojavljivala u sjećanju kao prijekor, pokušao je iz sebe izbaciti ovu bol. Picasso je koristio nekoliko mjeseci Najbolji način samoodbrana je njena umjetnost. A kako bi se potpuno izliječio, odlučio je da dramu od 17. februara reprodukuje... u svom njenom užasu. Predstavlja mladića prekrivenog pokrovom, a sveća koja gori u blizini obasjava njegovo smrtno blijedo lice. Na desnoj slepoočnici je tamna mrlja, mjesto gdje je metak probio. Ova slika je naslikana - i to ne slučajno - u maniru Van Gogha, koji je izvršio samoubistvo na sličan način."

"Kazagemasova smrt", 1901

Od tog trenutka Picasso je pao u strašnu depresiju, koja ga je počela izjedati iznutra. U pokušaju da zaboravi, bacio se na posao, odlučivši da kreativnošću savlada tugu. Sada je cilj morao opravdati sva sredstva - i ubrzo je Picasso odlučio da se vrati u Pariz. Nagodio se sa sopstvenim egom i ponovo otišao kod Manaša, koji se, zauzvrat, radovao povratku svog štićenika. Za Picassa je čak iznajmio i atelje pokojnog Casagemasa, koji se nalazi pored nesretnog restorana Hipodrom.

U istoj radionici Picasso je naslikao portret svog pokrovitelja, na kojem ovaj snažan i samouvjeren čovjek podsjeća na matadora, “spreman da jurne u bitku sa divljim bikom, unaprijed prihvatajući svaki ishod borbe”.

"Petrus Manaš", 1901

Međutim, ubrzo se vrlo iskusni Manash suočio s vrlo neugodnim otkrićem: Picasso je bio mnogo složeniji i nepredvidiviji nego što je mislio. Umjesto svijetlih, veselih platna koje je čekao, umjetnik je stvorio sumorne, pesimistične slike ispunjene bolom i patnjom u neočekivanoj plavo-plavoj shemi boja.

"Plavi period"

Sve ovo vrijeme Picasso je razmišljao samo o gubitku svog prijatelja. Bol od gubitka nije nestao, već je samo dobio novi zamah. Na slikama su živeli iscrpljeni ljudi, bolesni bogalji i usamljeni lutajući umetnici. Svako djelo ovog vremena napisano je prodornim plavim tonovima i prenosi beskrajni osjećaj usamljenosti likova. Čini se da svi čekaju čovjeka koji više nikada neće doći. Umjetnikov vlastiti autoportret ovog perioda oštro se razlikuje od prethodnih: suština ove slike je praznina, sumor i beznađe.

"Autoportret", 1901

Možda je Picasso namjerno uronio u patnju, prožet inspiracijom Plavog perioda. Slika "Pogreb Casagemasa" - najveća po veličini među onima nastalim u Parizu - zauzimala je značajan dio njegovog ateljea i istovremeno služila kao platno. Crtao je svog mrtvog prijatelja iznova i iznova, kao da pokušava da oseti njegov umirući bol i patnju.

"Germaine", 1902

U međuvremenu se život nastavio. Njihov zajednički prijatelj sa Carlosom - Manolo - postao je Germainein ljubavnik. A ubrzo je i sam Picasso postao jedan. Za što? Više nećemo moći saznati. Možda je veza sa ovom ženom bila još jedan pokušaj da se preživi bol preminulog prijatelja, želja da se razumije. Senka Germaine, koja se na kraju udala za Manola, bila je sa Pikasom celog života. Književnica Gertrude Stein je o umjetnici rekla: "On je osoba koja se stalno treba prazniti, a za to mu je potreban snažan poticaj za aktivnost, za potpuno pražnjenje."

"Dvije sestre", 1902

Slika “Dvije sestre” prikazuje prostitutku i časnu sestru (drugo tumačenje sugerira da je riječ o prostitutki i njenoj majci). Umjetnik je ovim radom pokazao svoj odnos prema ženama: sve su one, po njegovom mišljenju, podijeljene na svece i bludnice. Picasso je nastavio provoditi vrijeme u bordelima i kabareima, ali je čvrsto zatvorio svoje srce i nije se zaista zbližio sa ženama duže od jedne noći.

"Ljubavnici", 1904

Pisac Palau i Fabre dotakao se ove teme u svojoj knjizi “Život Pikasa, 1881–1907” kada je opisao sliku “Ljubavnici”: “... dva crva, isprepletena i isprepletena... Pikaso, koji krije svoje lice , zakopavajući se u žensko telo verovatno već nešto krije od sebe – nešto što ne želi da vidi u celini, o čemu se trudi da ne razmišlja.”

Tokom ovih godina Picasso je stvorio mnoga grafička djela u kojima se rodio njegov novi, jedinstveni stil: skice u jednoj kontinuiranoj liniji, bez kidanja olovke. Slike izgledaju nedovršeno, ali čak i one prenose fizičku i duhovnu muku umjetnika u ovom teškom vremenu.

"Život", 1903

"Život" je centralno djelo Plavog perioda, ispunjeno dvosmislenim simbolima. Na lijevoj strani je idealizirana slika Casagemasa uz koju se drži gola žena. Desno je žena s djetetom koja s prijekorom gleda mladića: možda je ovo Casagemasova majka. U pozadini su dva platna: na vrhu - zagrljeni par, slika ljubavi; na dnu - žena koja čuči, oličenje bola i usamljenosti.

Glavni motiv svih djela Plavog perioda je usamljenost i neminovnost ljudske patnje; muka siromašnih, bolesnih, starih i sakatih. Realnost postojanja pala je kao nepodnošljiv teret na dotad bezbrižnog Picassa: razmišljanja o značenju onoga što se događalo njemu i njegovim najmilijima (njihove nevolje i tuge) oličena su u slikama ovog perioda - najmračnijeg perioda u umjetnikovom životu. rad.

Otkrivanje remek-djela plavog perioda

Djela s tako dubokim i istovremeno teškim značenjem bilo je gotovo nemoguće prodati. Jednog dana, Picasso je smotao sve svoje radove i jednostavno ih poklonio svom prijatelju Ramonu Pichotu. I učinio je pravu stvar: odgovoran drug uspio je spasiti zavežljaj i zahvaljujući njemu danas možemo vidjeti Picassova remek-djela tog perioda.

„Da je paket izgubljen, ne bi bilo plavog perioda, jer je sve što sam tada slikao bilo tu.” Pablo Picasso

Nešto kasnije (1905. godine) Picasso je upoznao pisca i pjesnika Guillaumea Apollinairea, a dva dana kasnije mu je pokazao djela Plavog perioda. Apoliner, koji nikada ranije nije video ništa slično, postao je svojevrsni prevodilac Pikasovog vizuelnog jezika na ljudski jezik koji razumemo. Šta reći: čak je i sam umjetnik, za koga su njegove vlastite slike bile nešto intuitivno i podsvjesno, mogao protumačiti njihovo značenje. Apollinaireovi članci su divan primjer kako tekst umjetničkog platna postaje punopravno književno djelo.

“Ova djeca, koja nisu dobila naklonost, sve razumiju. Ove žene, koje niko ne voli, ne zaboravljaju ništa. Čini se da se kriju u sjeni nekog drevnog hrama. Nestaju u zoru, utješeni tišinom. Obula ih je ledena izmaglica. Ovi stari ljudi imaju pravo, bez poniženja, da traže milostinju...” napisao je Apoliner. „...Kažu da u Pikasovim delima postoji osećaj preranog razočaranja. Ali vjerujem da je u stvarnosti sve upravo suprotno. Picasso je fasciniran onim što vidi, a pravi talenat omogućava njegovoj mašti da pomiješa oduševljenje i gađenje, nisko i uzvišeno. S druge strane Picassovog naturalizma, njegove nježne pažnje prema detaljima, leži misticizam svojstven čak i najudaljenijim Špancima od religije... Tanki, odrpani akrobati, okruženi blistavim oreolom, pravi su sinovi čovječanstva: nestalni, podmukli , spretan, siromašan, varljiv.” .

Foto: Getty Images Rusija, RIA Novosti

Pablo Picasso je rođen 25. oktobra 1881. godine u Malagi, Španija, u porodici umjetnika Joséa Ruiza Blaska. Budući umjetnik je rano počeo pokazivati ​​svoj talenat. Već u dobi od 7 godina dječak je dodavao neke detalje očevim slikama (prvi takav rad bila su stopala golubova). U dobi od 8 godina, naslikana je prva ozbiljna slika u ulju pod nazivom “Picador”.

"Pikador" 1889

Sa 13 godina Pablo Picasso je postao student na Akademiji likovnih umjetnosti u Barseloni - Pablo je tako dobro polagao prijemne ispite da ga je komisija primila na akademiju uprkos njegovoj mladosti.

Godine 1897. Picasso je otišao u Madrid da upiše Kraljevsku akademiju likovnih umjetnosti u San Fernandu. Ali Pablo je tamo studirao ne više od godinu dana - bilo je previše dosadno i skučeno za mlade talente na akademiji sa svojim klasične tradicije. U Madridu je mladića više fascinirao užurbani život metropole. Pablo je također posvetio puno vremena proučavanju djela umjetnika kao što su Diego Vilasquez, Francisco Goya i El Greco, koji su ostavili veliki utisak na umjetnika.

Tih godina umjetnik je prvo posjetio Pariz, koji se tada smatrao prijestolnicom umjetnosti. U ovom gradu je živio mjesecima, posjećujući razne muzeje kako bi proučavao radove majstora slikarstva: Van Gogha, Gauguina, Delacroixa i mnogih drugih. Picasso će u budućnosti često posjećivati ​​Pariz, a kasnije će ga ovaj grad toliko očarati da će Picasso odlučiti da se tamo konačno preseli (1904.).

Najpoznatija djela Pabla Picassa, koja je on napisao u ranom periodu (prije 1900.)

"Portret majke" 1896

"Znanje i dobročinstvo" 1897

"Prva pričest" 1896

"Autoportret" 1896

"Matador Luis Migel Domingen" 1897

"Španski par ispred hotela" 1900

„Bosa devojka. Fragment" 1895

"Čovek na obali bare" 1897

"Čovek u šeširu" 1895

"Bulevar Kliši" 1901

"Portret umetnikovog oca" 1895

Sljedeće razdoblje u stvaralaštvu Pabla Picassa naziva se „plavo“. Godine 1901 - 1904 U Picassovoj paleti su preovladavale hladne boje - uglavnom plava i njene nijanse. U to vrijeme Picasso je pokrenuo teme starosti, siromaštvo, siromaštvo, melanholija i tuga bili su karakteristično raspoloženje slika ovog perioda. Umjetnik je prikazao ljudsku patnju, crtanje slijepih, prosjaka, alkoholičara i prostitutki itd. — bili su glavni likovi „plavog“ perioda.

Djela "plavog" perioda (1901-1904)

"Doručak slijepca" 1903

"Majka i dijete" 1903

"Pijač absinta" 1901

"Peglač" 1904

“Prosjak starac s dječakom” 1903

"Život" 1903

“Dvije sestre (datum)” 1902

"Plava soba (kupatilo)" 1901

"Gurman" 1901

"Sjedeća žena u kapuljači" 1902

U "ružičastom" periodu (1904 - 1906) glavna tema Umjetnički rad uključivao je cirkus i njegove likove - akrobate i komičare. Preovlađivale su jarke, vesele boje. Omiljeni lik ovog perioda može se nazvati arlekin, koji se najčešće nalazio u djelima Picassa. Osim cirkusa, inspirisao ga je i manekenka Fernanda Olivier, koju je upoznao 1904. godine, na samom početku „ružičastog“ perioda. Ona je tokom čitavog perioda bila umetnikova muza.

Djela "ružičastog" perioda (1904 - 1906)

"Akrabat i Harlekin" 1905

"Devojka sa kozom" 1906

"Dječak koji vodi konja" 1906

"Porodica komičara" 1905

"Seljaci" 1906

"Gola žena sa vrčem" 1906

"Češljanje" 1906

"Žena s hlebom" 1905

“Dva akrabata sa psom” 1905

"Toalet" 1906

Jedan od poznate slike P. Picasso “Djevojka na lopti” (1905), koja je sada u Državni muzej Likovna umjetnost nazvana po. A. S. Puškina, neki stručnjaci to nazivaju prijelazom iz "plavog" perioda u "ružičasti" period.

"Devojka na lopti" 1905

Prekretnica u Picassovom radu bio je portret Gertrude Stein, koji je on naslikao 1906. godine.

Rad na portretu bio je težak - umjetnik je prepisao portret oko 80 puta i kao rezultat toga, Picasso se udaljio od portreta kao žanra vizualna umjetnost u svom klasičnom smislu. Cijeli Picassov daljnji rad može se okarakterizirati samo jednom njegovom frazom: „Moramo slikati ne ono što vidim, već ono što znam“. Tog stava je P. Picasso pokušavao da se pridržava do kraja života.

kubizam

Ovaj dugi period u stvaralaštvu Pabla Picassa podijeljen je u nekoliko faza. Ovo je vrijeme potpunog odbijanja detalja likova: tema i pozadina se gotovo spajaju u jedno, nema jasno definiranih granica. Picasso je bio uvjeren da umjetnik može učiniti više od toga da samo pokaže ono što oko vidi.

Prva faza je „Cézanne“ period, poznat i kao „afrički“ period. Ovu fazu odlikuje konstrukcija slika pomoću jednostavno-geometrijski oblici i prevlast mutnih, mutnih zelenih, oker i smeđih tonova.

U 1907-1909, umjetnikova pažnja bila je usmjerena na afričku umjetnost, s kojom se prvi put upoznao 1907. na etnografskoj izložbi u Muzeju Trocadéro. Od sada su u Picassovom djelu počeli prevladavati jednostavni, čak primitivni oblici prikazanih predmeta. U tehnici umjetnik je počeo koristiti grubo sjenčanje. Prvom slikom napravljenom u "afričkom" stilu smatra se "Les Demoiselles d'Avignon" iz 1907. godine.

Ovu sliku autor je naslikao tokom godinu dana. Picasso nikada nije radio ni na jednoj od svojih slika tako dugo. Kao rezultat toga, ovaj rad se toliko razlikovao od njegovih prethodnih slika da je bio dvosmisleno prihvaćen od strane javnosti. Ali nakon što je pronašao novi stil koji mu je bio zanimljiv, Picasso se nije namjeravao povući i tijekom 2 godine umjetnik ga je razvio na sve moguće načine.

Djela "Cézanne" kubizma ("afrički" period) (1907. - 1909.)

"Farmerova dama" 1908

"Čovjekova glava" 1907

"Kupačica" 1909

“Mrtva priroda sa zdjelom i vrčem” 1908

“Akt sa draperijama (ples s velom)” 1907

“Portret Manuela Palharesa” 1909

“Tri figure pod drvetom” 1907

"Čaše i voće" 1908

“Muška bista (sportista)” 1909

"Žena" 1907

Tokom svog analitičkog perioda, Picasso je došao do spoznaje da se mora u potpunosti fokusirati na volumen i oblik objekata, potiskujući boju u pozadinu. Tako je jednobojnost postala karakteristična karakteristika analitičkog kubizma. Također je vrijedno napomenuti strukturu djela ovog perioda - čini se da umjetnik drobi predmete u male fragmente. Granica između različitih stvari nestaje i sve se percipira kao jedinstvena cjelina.

Djela "analitičkog" kubizma (1909-1912)

"Čovek sa gitarom" 1911

"Čovek sa violinom" 1912

"Harmonikaš" 1911

“Mrtva priroda sa bocom likera” 1909

"Pesnik" 1911

"Portret Fernanda" 1909

“Portret Wilhelma Uhdea” 1910

"Sjedeći gol" 1910

"Žena u zelenom" 1909

"Žena u stolici" 1909

Početak sintetičkog perioda bila je slika „Sjećanja na Havre“, koju je naslikao Pablo Picasso 1912. Na ovoj slici pojavile su se svjetlije boje koje nisu bile svojstvene analitičkom kubizmu.

Jednobojni radovi ponovo su ustupili mjesto boji. U slikama ovog perioda uglavnom su dominirale mrtve prirode: boce vina, notni zapisi, pribor za jelo i muzički instrumenti. Za razvodnjavanje apstrakcije u radu na slikama korišteni su stvarni predmeti, poput užadi, pijeska, tapeta itd.

Djela "sintetičkog" kubizma (1912-1917)

"Čovek pored kamina" 1916

"Čovek u cilindru" 1914

"Čaša i karte za igru" 1912

"Gitara" 1912

“Mrtva priroda sa voćem na stolu” 1914-1915

"Pedestal" 1914

„Stol u kafiću (Flaša Pernoda)” 1912

“Kafana (šunka)” 1914

"Zelena mrtva priroda" 1914

“Čovek sa lulom sedi u stolici” 1916

Unatoč činjenici da su kubizam mnogi aktivno kritizirali, djela iz tog perioda su se dobro prodavala i Pablo Picasso je konačno prestao da prosi i preselio se u prostranu radionicu.

Sledeći period u umetnikovom stvaralaštvu bio je neoklasicizam, koji je započeo Pikasovim brakom sa ruskom balerinom Olgom Hohlovom 1918. godine. Tome je prethodio Pabloov rad na scenografiji i kostimografiji za balet „Parada” 1917. godine. djelo koje je umjetnik upoznao Olga Khokhlova.

Zavesa za balet "Parada" 1917

Program za balet Parada sa crtežom Pikasa. 1917

Kineski mađioničar, obučen kao Picasso, moderna interpretacija, 2003

Lik francuskog "stewarda" (lajavca)

Ovaj period je veoma daleko od kubizma: prava lica, svetle boje, pravilne forme... Takve promene u njegovom stvaralaštvu inspirisala je njegova supruga Ruskinja, koja je u Pablov život donela mnogo novih stvari. Čak se i način života umjetnika promijenio - prisustvovanje društvenim događajima, kostimiranim baletima itd. Jednom riječju, Picasso se počeo kretati u sekularnom okruženju, koje mu je ranije bilo strano. Picassa su mnogi kritizirali zbog tako oštrog prijelaza iz kubizma u klasicizam. Umjetnik je na sve pritužbe odgovorio u jednom od svojih intervjua: „Kad god želim nešto da kažem, kažem to na način na koji smatram da treba da se kaže“.

Djela neoklasicističkog perioda (1918. - 1925.)

"Čitanje pisma" 1921

"Kupači" 1918

"Ljubavnici" 1923

"Majka i dijete" 1921

“Olga Khokhlova u mantili” 1917

"Olga Pikaso" 1923

"Prva pričest" 1919

"Pierrot" 1918

“Portret Olge u fotelji” 1917

"Portret Pavla" umetnikovog sina 1923

"Uspavani seljaci" 1919

"Tri kupača" 1920

“Žena s djetetom na obali mora” 1921

"Žena u mantili" 1917

"Žene trče duž obale" 1922

Godine 1925. umjetnik je naslikao sliku "Ples", koja u potpunosti odražava probleme u ličnom životu umjetnika tog vremena.

U zimu 1927. Picasso upoznaje svoju novu muzu - sedamnaestogodišnju Mariju Therese Walter, koja je postala lik mnogih slika nadrealističkog perioda. Godine 1935., par je dobio kćer Mayu, ali 1936. Picasso je napustio Mariju Terezu i Olgu Khokhlovu, od kojih se nikada nije zvanično razveo sve do Olgine smrti 1955. godine.

Djela iz perioda nadrealizma (1925 - 1936)

"Akrabat" 1930

"Devojka koja baca kamen" 1931

"Likovi na plaži" 1931

"Mrtva priroda" 1932

"Akt i mrtva priroda" 1931

"Akt na plaži" 1929

"Akt na plaži" 1929

"Žena sa cvetom" 1932

“San (portret umjetnikove ljubavnice Marije Tereze Walter)” 1932.

"Akt u fotelji" 1932

"Akt u fotelji" 1929

"Poljubac" 1931

U 30-im i 40-im godinama, bik, Minotaur, postao je heroj mnogih Picassovih slika. Minotaur u umjetnikovom djelu je personifikacija razorne moći, rata i smrti.

"Minotaurija" 1935

"Paleta i bikova glava" 1938

"Ovnova glava" 1939

“Mrtva priroda sa lobanjom bika” 1942

“Lubanja bika, voće, vrč” 1939

"Tri ovnujske glave" 1939

U proleće 1937. nemački fašisti bukvalno su zbrisali mali grad Gernika u Španiji sa lica zemlje. Picasso nije mogao zanemariti ovaj događaj i tako je nastala slika “Guernica”. Ova se slika može nazvati apoteozom teme Minotaura. Dimenzije slike su impresivne: dužina - 8 m, širina - 3,5 m. Poznat je jedan slučaj vezan za sliku. Tokom pretresa od strane Gestapoa, nacistički oficir je primetio sliku i pitao Pikasa: „Jesi li ti to uradio?“ na šta je umetnik odgovorio „Ne. Uspeo si!

"Gernika" 1937

Paralelno sa slikama o Minotaurima, Pablo Picasso stvara seriju o čudovištima. Ova serija izražava poziciju umjetnika tokom građanski rat u Španiji, gde je podržavao republikance i suprotstavljao se politici diktatora Franka.

"Snovi i laži generala Franka" (1937.)

"Snovi i laži generala Franka" (1937.)

All Second svjetski rat Pablo Picasso je živio u Francuskoj, gdje je umjetnik postao član Francuske komunističke partije 1944. godine.

Ratni radovi (1937-1945)

"Fazan" 1938

"Glava žene u šeširu" 1939

"Marija Tereza u vijencu" 1937

"Umjetnička radionica" 1943

"Maja sa lutkom" 1938

"Prosjačenje" 1937

"Mrtva priroda" 1945

"Uplakana žena sa šalom" 1937

"Ptice u kavezu" 1937

“Ranjena ptica i mačka” 1938

"Kripta" 1945

"Žena u crvenoj fotelji" 1939

Umjetnik je 1946. radio na slikama i panelima za dvorac porodice Grimaldi u Antibu (odmaralište u Francuskoj). U prvoj sali dvorca postavljen je pano pod nazivom „Radost života“. Glavni likovi ovog panoa bili su bića iz bajke, fauni, kentauri i gole djevojke.

"Radost postojanja" 1946

Iste godine Pablo je upoznao mladu umjetnicu Françoise Gilot, s kojom su se nastanili u zamku Grimaldi. Kasnije su Picasso i Françoise dobili dvoje djece - Palomu i Claudea. U to vrijeme umjetnik je često slikao svoju djecu i Françoise, ali idila nije dugo trajala: 1953. Françoise je odvela djecu i napustila Pabla Picassa. Françoise više nije mogla tolerirati umjetnikove stalne izdaje i njegov težak karakter. Umjetnik je ovu razdvojenost doživio veoma teško, što nije moglo a da ne utiče na njegovu kreativnost. Dokaz za to su crteži tušem ružnog starog patuljka sa prelijepom mladom djevojkom.

Jedan od najpoznatijih simbola, Golub mira, nastao je 1949. godine. Prvi put se pojavio na Svjetskom mirovnom kongresu u Parizu.

Godine 1951. Picasso je naslikao "Masakri u Koreji", koji priča o zvjerstvima tog "zaboravljenog" rata.

"Masakr u Koreji" 1951

Godine 1947. umjetnik se preselio na jug Francuske, u grad Vallauris. U ovom gradu se zainteresovao za keramiku. Picassa je na ovaj hobi inspirirala godišnja izložba keramike u Vallaurisu, koju je posjetio davne 1946. godine. Posebno interesovanje umjetnik je pokazao za proizvode iz radionice Madura, gdje je kasnije radio. Rad sa glinom omogućio je priznatom slikaru i grafičaru da zaboravi ratne strahote i uroni u drugi radostan i spokojan svijet. Teme za keramiku su najjednostavnije i najnekomplikovanije - žene, ptice, lica, bajkoviti likovi... Pikasovoj keramici je čak posvećena i knjiga I. Karetnikova "Pikasova keramika", objavljena 1967. godine.

Picasso u Madurinoj radionici

Postoje suprotna mišljenja o ulozi plavog i ružičastog perioda u kreativna biografija Picasso. Neki smatraju da su ti periodi ostali neprevaziđeni: Picasso je tada bio pravi humanistički umjetnik, a potom, podlegavši ​​iskušenjima modernizma i opsjednut demonom uništenja, više nikada nije dosegao vrhunce svoje mladosti. Ova ocjena je manje-više kategorično izražena u našoj, a djelimično i stranoj štampi. Ali većina knjiga i članaka stranih autora prenosi drugačiju ideju: u plavom i ružičastom razdoblju Picasso još nije bio svoj, ostao je u skladu s tradicionalizmom, pa je stoga od velikog značaja, u poređenju sa kasnijim, nemaju.

Oba ova ekstremna gledišta su nepravedna. One podjednako dolaze ne toliko iz samih umjetnikovih kreacija, koliko iz unaprijed stvorenih sudova o realizmu i modernizmu, o tradicionalizmu i inovativnosti. U oba slučaja, glavni kriterij vrijednosti je stav umjetnika prema renesansnom konceptu figurativnosti - njeno prevladavanje ili, naprotiv, njeno očuvanje. U međuvremenu, za samog Picassa ovaj trenutak, očigledno, nije bio odlučujući - sudeći po tome koliko je često prelazio sa „tradicionalnih“ oblika na „destruktivne“ forme i nazad, ili ih je koristio istovremeno, odbijajući jednom za svagda dati prednost jednom drugom. Prvi prekid s tradicijom bio je oštar i dramatičan, ali se kasnije činilo da je antagonizam dvaju metoda predstavljanja uklonjen. Među njima su otkrivene mnoge prijelazne veze. I „najpreciznije“ i „najkonvencionalnije“ Picassove slike odnose se na njegov opći stvaralački koncept kao posebne slučajeve i u tom smislu su jednake.

Plavi i ružičasti periodi nisu apsolutni vrhunci za tvorca Guernice. Međutim, čak i ako kreativna istorija Pikasova karijera okončana je 1906. godine, da je ostao samo autor „plavih“ i „ružičastih“ platna, ušao bi u istoriju kao veliki umetnik.

Dvadesetogodišnji Picasso je već bio potpuno originalan majstor. Proces studentske percepcije i eliminacije akademizma, sentimentalnog žanra (a potom impresionizma i postimpresionizma) počeo je kod njega, kako smo vidjeli, neobično rano i intenzivno se odvijao. Do početka plavog perioda sve je to ostalo iza. Ako nježno pahuljasta, zlatno-zelenkasta “Dama sa psom” (1900) reproducira (i u isto vrijeme potajno parodira) koloristički i teksturirani gurman kasnog impresionizma; ako zloslutna cocotte u crvenom šeširu (1900.) podsjeća na Toulouse-Lautreka, peračku ženu u plavoj sobi (1901.) - na Degasa, onda u takvim djelima iz 1901. kao "Djevojka s golubom", kao remek-djela Ščukina zbirka - "Zagrljaj", "Arlekin i njegova žena", "Portret Sabartesa", Pikaso liči samo na sebe. (Ne može se načuditi ukusu i pronicljivosti moskovskog kolekcionara Ščukina, koji je od brojnih radova mladog umjetnika odabrao ona koja su sadržavala pravog Pikasa.)

Na prvi utisak, Picassovi prekubistički radovi nemaju mnogo sličnosti s njegovim kasnijim. Ali oni sadrže porijeklo njegovih najskrivenijih tema i motiva, uvertiru njegovog rada.

K. Jung, pristupajući Pikasovoj umetnosti kao psihoanalitičar, video je u plavom periodu kompleks silaska u pakao. I zapravo: na ulazu u ovaj sumračni, pustinjski plavi svijet metafizičkog siromaštva i tihe patnje ispisane su, takoreći, riječi: „Vodim me u prognana sela“.

Pikaso je tada živeo usred polusiromašne boemije, gladan i siromašan, ponekad je morao da zagreva peć gomilama svojih crteža - ali najmanje od svega lične nedaće određivale su ton njegove umetnosti. Pesnik Maks Džejkob prisjetio se tog vremena: "Živjeli smo loše, ali divno." Pikaso je uvek bio okružen prijateljima, bio je pun energije i ljubavi prema životu, ali je kao umetnik tražio okrutne, ranjavajuće utiske. Privlačilo ga je “dno”. Posjećivao je ludnice, bolnice za prostitutke, dugo posmatrao i slikao bolesne kako bi svoju dušu nahranio i ukalio do kraja prizorom patnje. Njegovi crteži tih godina sadrže bljeskove crnog humora. Jednog dana naslikao je strašnu simboličnu scenu na zidu jedne od radionica svojih prijatelja - crnac koji visi sa drveta, ispod drveta goli par koji vodi ljubav.

Plavi period obuhvata 1901-1904. U to vrijeme Picasso se još nije u potpunosti skrasio u Francuskoj; često se selio iz Barselone u Pariz i ponovo u Barselonu. Slikarstvo plavog perioda ima korijene u tradiciji Španije. Nakon prošlih iskustava „u francuskom duhu“, brojnih, ali kratkotrajnih, Pikasov sazreli talenat ponovo je otkrio svoju špansku prirodu – u svemu: u temi gordog siromaštva i uzvišene bede, u kombinaciji okrutnog „naturalizma“ sa ekstatičnom duhovnošću, u humoru kao Goya, u sklonosti ka simbolici života i smrti. Najveća i najkompleksnija slika ranog perioda - "Kazagemasova grobnica" (napisana pod utiskom samoubistva Pikasovog prijatelja) - izgrađena je poput El Grecove "Sahrane grofa Orgaza": ispod je oplakivanje mrtvih , iznad je prizor na nebu, gdje se u atmosferi mistične vizije prepliću neozbiljne slike iz svijeta kabarea. Po stilu, to je blisko onome što je umjetnik radio i prije svoje prve posjete Parizu: na primjer, u velikom akvarelu „Put“ (1898), koji prikazuje simboličnu povorku s pogrebnim odarima i niz pogrbljenih starica i žena. sa decom - lutaju planinom, gde ih čeka ogromna sova, raširivši krila. (Ove pogrebne rogove videćemo pola veka kasnije na panelu „Rat“, a sova je nepromenljivi atribut Picassove umetnosti.)

“Dvije sestre” su simbolične - dvije umorne, iscrpljene žene umotane u ćebad, prostitutka i časna sestra, susreću se, kao što se susreću Elizabeta i Marija na drevnim slikama. “Život” je simboličan - čudna, namjerno konstruirana kompozicija: ljubav, majčinstvo, usamljenost, žeđ za spasenjem od samoće.

Postepeno, Picassov simbolizam se oslobađa previše očiglednog ukusa alegorije. Kompozicije postaju spolja jednostavne: na neutralnoj svjetlucavoj plavoj pozadini, jedna ili češće dvije figure, bolno krhke, pritisnute jedna uz drugu; mirni su, pokorni, zamišljeni, povučeni. “Prekubistički” Picasso nema mrtve prirode: on slika samo ljude.

U francuskom slikarstvu na početku veka, Picassove plave slike izgledaju izolovano, ali za Španiju su organske. Francuski prijatelji mladi Picasso Osjećali su prisustvo vanzemaljskog principa u njemu, on im nije bio potpuno jasan. Maurice Raynal je naknadno napisao: „Nešto misteriozno obavijalo je njegovu ličnost, barem za nas, koji nismo navikli na španjolski mentalitet: kontrast između bolne i teške snage njegove umjetnosti i njegove vlastite vesele prirode, između njegovog dramatičnog genija i njegovog veselog raspoloženja bio je upečatljivo.”

Picasso je, poput Van Gogha ranije, iako na potpuno drugačiji način od Van Gogha, došao sa žeđom da izrazi svoje najdublje razumijevanje svijeta. Samo iz tog razloga, on (kao Van Gogh) nije mogao podleći šarmu impresionizma: kontemplacija, uljuljkano blaženstvo „pojavljivanja“ nije bilo za njega; u ime aktivnog unutrašnjeg shvaćanja, morao je probiti ljusku vidljivog.

Djelatnost pristupa dugo se povezivala s primatom crteža, a mladi Picasso je počeo vraćanjem crteža na njegov primat, i to odlučnije i snažnije od Degasa i Toulouse-Lautreka. Jednobojnost plavih slika naglašava snagu linije. Plavkaste figure se ne utapaju u plavetnilu pozadine, već se jasno ističu, iako su same po sebi gotovo iste boje kao pozadina i istaknute su uglavnom obrisom. Unutar konture, modeliranje svjetla i nijansi i boja je minimalno, pozadini nedostaje iluzorna dubina koju stvara perspektiva, ali sama kontura stvara utisak volumena - volumena na ravni. (To je jasno vidljivo, na primjer, u zelenkasto-plavoj studiji gole žene s leđa: ovdje gotovo da nema modeliranja - sva bogata plastičnost ovih leđa, smjer volumena, punoća forme su prenesena linijom konture.)

Picasso je već bio neuporediv crtač. Sabartes se prisjetio da je, gledajući Picassa kako radi, bio zadivljen samopouzdanjem pokreta njegove ruke: činilo se da njegova ruka samo prati nevidljive obrise koji su već postojali na platnu.

„Plavi stil“ je izazov impresionističkom slikarstvu, odbijanje da se pokori diktatu vizuelne percepcije, odlučujući fokus na strukturnu, konstruisanu, kreiranu sliku. I kasnije, Picasso nikada, u svim svojim transformacijama, nije promijenio ovaj izvorni princip.

Istraživači primjećuju poseban značaj teme sljepoće u djelima ranog perioda. Kompozicija "Doručak slijepca" u nekoliko verzija, slika "Slijepi gitarista", slijepi starac sa dječakom, crteži koji prikazuju slijepca s vodičem, skulptura - glava slijepe žene. A vidovi se ponašaju skoro kao slepi. Oči su im ili poluzatvorene ili širom otvorene, ali nepomične; ljudi se ne gledaju, komuniciraju dodirima i pipajućim pokretima ruku. Ruke na slikama ranog Pikasa - sa dugim prstima, tankim, izuzetno osetljivim "gotičkim" rukama - ruke su slepih, ruke-oči.

Odakle ta strast prema slijepim osobama? Je li to samo iz želje da se izrazi krajnja uskraćenost ljudi ili da se simbolično prikažu njihovo opipavanje u tuđinskom svijetu? Očigledno se ovdje krije još nešto: ideja uvida sljepoće, koja je ujedno i uvid ljubavi. Penrose povezuje temu sljepoće s umjetnikovim stalnim nezadovoljstvom vanjskim, vizualno percipiranim aspektom fenomena. „Spoljni aspekt mu je uvek izgledao nedovoljan. Negde na mestu konvergencije čulnog opažanja sa dubokim sferama uma postoji, takoreći, unutrašnje oko koje vidi i razume snagom osećanja. Može opažati, razumjeti i voljeti čak i kada je percepcija fizičkim vidom nemoguća. Ova percepcija je još intenzivnija kada je prozor spoljni svetčvrsto zatvoren." Jedna od misterioznih Pikasovih izjava kasnijeg vremena postaje jasna: „Sve zavisi od ljubavi. Ovo je uvek poenta. Umjetnicima treba iskopati oči, kao što češljugama vade, da bi bolje pjevali.”

Problemi koji se obično smatraju "čisto plastičnim" - crtež i boja, prostor, forma, deformacija - suočili su se sa Picassom kao ljudskim problemima: komunikacija, razumijevanje, prodornost. Šta ljude zbližava, šta ih spašava od muka usamljenosti? Je li to da se gledaju? Ne, oni se osećaju nekim drugim, šestim čulom. I zar umjetnik ne bi trebao u svom poimanju stvari ići dalje od onoga što jednostavno vidi uz pomoć svog šestog čula? Pikaso je uvek poštovao sovu - pticu koja je slepa danju, ali budna u mraku.

U svom "silasku u pakao", Picasso je okusio svu tugu ljudskog siromaštva, ali nije osjetio beznađe - više je ličilo na čistilište nego na pakao. Njegovim bogaljima i skitnicama nije oduzeta nada, jer dar ljubavi nije oduzet. Picasso nema slike koje odišu tako ledenom usamljenošću kao Van Goghov zeleno-crveni “Cafe”. Neprestano pokazuje kako dva bića nastoje biti zajedno, neodvojivo i tiho - to je možda glavna unutrašnja tema plavog perioda.

Najdirektnije se izražava u brojnim varijacijama "Zagrljaja". Možda je najrečitiji brzi skeč ugljenom iz 1901. godine: nema muškarca i žene odvojeno, nema grlih - postoji zagrljaj, nema dvoje ljudi - postoji ljubav između dvoje ljudi. Ovaj rani crtež donekle podsjeća na Picassove mnogo kasnije kompozicije, gdje je metaforički prikazao ljubavnike kroz dva spojena profila koja ulaze jedan u drugi.

Motiv zagrljaja Picasso je protumačio s apsolutnom čednošću: ovdje nema erotike, nego vlada duhovni eros u platonističkom smislu. Zapravo, erotika u Picassovom djelu uvijek zvuči prijeteće, sumorno, povezano s temom nasilja i okrutnosti - to je, možda, i španjolska osobina, toliko za razliku od vesele senzualnosti koju gaji francuska umjetnost.

U Picassovoj umjetnosti senzualna strast je jedna od varijanti neprijateljstva, „rata“, sfere djelovanja destruktivnih sila. Kada želi da priča o ljubavi koja spaja ljude, on izbacuje element senzualnosti. Ponekad čak čini da njegovi likovi izgledaju bez roda (kritičari su pisali o „androginim osobinama“). Distrofična mršavost, iscrpljenost, klonuli umor muškarca i žene koji sjede, grle se i zaspaju, za praznim stolom, isključuju erotske asocijacije: želja dvoje napuštenih ljudi da se spasu jedno od drugog ima drugačiju, duhovnu prirodu.

Ova „dvojka“, zaštićena ljubavlju, samo su u nekim slučajevima muškarac i žena, muž i žena, a češće drugi parovi: starac i dječak, majka i dijete, dvije sestre ili čak osoba i životinja: dečak sa psom, žena sa gavranom, devojčica sa golubicom.

Svi ovi likovi ocrtani su u zbijenim, zatvorenim konturama - same njihove poze su kao da nehotice nastoje zauzeti što manje prostora kako bi bili nevidljivi ili ugrijali: stežu ruke, podvlače noge, povlače glavu u njihova ramena. Kada ih ima dvije, ponekad se obje figure uključuju u ovu zatvorenu, zatvorenu konfiguraciju i gotovo doslovno se „pretvore u jednu“.

Čini se da Picasso posebno voli takve teme gdje slabiji štiti najslabije. Ponovo je osnažio drevnu temu majke koja štiti svoje dijete, a mora se priznati da najbolje od njegovih “majčinstava” datiraju iz ranog perioda. Mladi Picasso je do samih dubina ispitao osjećaj klonule nježnosti prema malom bespomoćnom stvorenju i otkrio u njemu nešto što graniči s bolom. Na prvi pogled, u manirističkoj gracioznosti njegovih “Majki” takoreći postoji neka jeza, ali to je jeza, oštrica igle koja dodiruje golo srce.

Jedno od najranijih djela plavog perioda je “Djevojčica s golubom”: djevojčica pažljivo drži goluba među dlanovima. Ovdje se može vidjeti prvo rođenje jedne od Picassovih sveobuhvatnih tema, koje se provlače - otvoreno ili skriveno, indirektno, simbolično ili direktno - kroz njegov dugi rad. Vezano je za legendu o svetom Kristoforu, koji je kroz buran potok nosio dijete Krista.

Zaštititi nadolazeći dan, nositi život, slab i drhtav, poput plamena svijeće, kroz prevrate vijeka - to je tema nade; mnogo godina kasnije to se pretvorilo u temu mira za Picassa. Više od četrdeset godina nakon “Djevojke s golubom” napravio je statuu “Čovjek sa jagnjetom”: uplašeno jagnje drhti i suze, čovjek ga nosi mirno i pažljivo kao što djevojka drži golubicu. Mnogi Pikasovi motivi, koji ga neprestano proganjaju, nalaze se oko ovog skrivenog centra: deca se igraju, koju neko jak štiti od čudovišta (takve kompozicije su među pripremnim crtežima za „Hram mira“); onaj koji je budan blizu onoga koji spava; patnje ranjenih životinja; na kraju, motiv svijeće ili baklje - svjetiljke koja obasjava tamu: genij svjetla, koji upada u pakao Guernice, drži svijeću u ispruženoj ruci. Ponekad se slabost pokaže kao snaga, a brutalna snaga kao bespomoćnost: u epizodi s minotaurom vidimo dijete koje samouvjereno vodi slijepu, oslabljenu poluzvijer.