Picasso plavo. Pablo Picasso. Briljantan umjetnik i njegove poznate slike. "Djevojka na lopti" - ravnoteža između života i smrti

"Plavi period" je možda prva faza u Pikasovom stvaralaštvu, u odnosu na koju se može govoriti o individualnosti majstora, uprkos još uvek zvučnim notama uticaja. Prvi kreativni uzlet izazvan je dugom depresijom: u februaru 1901. u Madridu Picasso je saznao za smrt svog bliskog prijatelja Carlosa Casagemasa. Umjetnik je 5. maja 1901. godine po drugi put u životu došao u Pariz, gdje ga je sve podsjećalo na Kasagemasa, s kojim je nedavno otkrio francusku prijestolnicu. Pablo se smjestio u sobu u kojoj je Carlos proveo svoje posljednje dane, započeo aferu sa Germainom, zbog čega je prijatelj izvršio samoubistvo, komunicirao sa istim krugom ljudi. Može se zamisliti u kakav je složen čvor za njega upletena gorčina gubitka, osjećaj krivice, osjećaj blizine smrti... Sve je to u velikoj mjeri poslužilo kao „đubre“ iz kojeg je izrastao „plavi period“. Kasnije je Picasso rekao: „Uronio sam u Plava boja kada je shvatio da je Casagemas mrtav."

Međutim, u junu 1901. godine, na prvoj izložbi Picassa u Parizu, koju je otvorio Vollard, još uvijek nema "plave" specifičnosti: 64 prikazana djela su svijetla, senzualna i na njima je primjetan utjecaj impresionista. "Plavi period" je postepeno došao na svoje: u radovima su se pojavile prilično krute konture figura, majstor je prestao težiti "trodimenzionalnosti" slika i počeo se udaljavati od klasične perspektive. Postepeno, njegova paleta postaje sve manje raznolika, akcenti plavog zvuka sve više i više. Smatra se da je početak stvarnog "plavog perioda" nastao u istom "Portretu Jaimea Sabartesa" iz 1901. godine. Sam Sabartes je o ovom radu rekao: "Gledajući sebe na platnu, shvatio sam šta je tačno inspirisalo mog prijatelja - bio je to čitav spektar moje usamljenosti, gledano spolja."

Ključne reči za ovaj period Pikasovog stvaralaštva su zaista "usamljenost", "bol", "strah", "krivica", primer za to je "Autoportret" majstora, nastao nekoliko dana pre odlaska u Barselonu. . Januara 1902. vratio bi se u Španiju, ali neće moći da ostane - španski krug mu je bio premali, Pariz mu je bio previše primamljiv, ponovo će otići u Francusku i tamo provesti nekoliko očajnih meseci. Radovi se nisu prodavali, život je bio veoma težak.

Morao se ponovo vratiti u Barselonu i posljednji put ostati duže od godinu dana. Glavni grad Katalonije dočekao je Picassa velikom napetošću, siromaštvo i nepravda su ga okružili sa svih strana. Društveno vrenje koje je zahvatilo Evropu na prijelazu stoljeća zahvatilo je i Španiju. Vjerovatno je to utjecalo i na razmišljanja i raspoloženja umjetnika, koji je izuzetno vrijedno i plodno radio u svojoj domovini. Ovdje su nastala remek-djela "plavog perioda" kao što su "Datum (dvije sestre)", "Tragedija", "Stari Jevrejin s dječakom". Slika Kasagemasa se ponovo pojavljuje na slici "Život": napisana je na vrhu dela "Poslednji trenuci", izloženog na Svetskoj izložbi 1900. godine u Parizu i postala je razlog za prvo putovanje Pikasa i Kasagemasa u prestonicu Francuska. U periodima besparice, umjetnik je slikao više puta, ali u ovom slučaju je možda i ovo “varvarstvo” imalo neko simbolično značenje – kao znak oproštaja od stare umjetnosti i od Carlosa, koji je također zauvijek ostao u prošlost.

U proleće 1904. ukazala se prilika da ponovo odem u Pariz, a Pikaso nije oklevao. U Parizu su ga čekale nove senzacije, nove ljude, interesovanja i novo razdoblje - "ružičasto", koje počinje u jesen 1904. godine.

Teško da postoji osoba na planeti kojoj nije poznato ime Pablo Picasso. Osnivač kubizma i umetnik mnogih stilova u 20. veku uticao je na likovnu umetnost ne samo u Evropi, već i širom sveta.

Umjetnik Pablo Picasso: djetinjstvo i godine studija

Jedan od najsjajnijih rođen je u Malagi, u kući na Trgu Merced, 1881. godine, 25. oktobra. Sada postoji muzej i fond nazvan po P. Picassu. Slijedeći špansku tradiciju na krštenju, roditelji su dječaku dali prilično dugo ime, koje je alternacija imena svetaca i najbližih i najcjenjenijih rođaka u porodici. Na kraju krajeva, poznat je po svom prvom i posljednjem. Pablo je odlučio da uzme majčino prezime, smatrajući da mu je otac previše jednostavan. Dječakov talenat i želja za crtanjem ispoljavala se od samog početka. rano djetinjstvo. Prve i veoma vredne lekcije dao mu je otac, koji je takođe bio umetnik. Zvao se Jose Ruiz. Prvu ozbiljnu sliku naslikao je sa osam godina - "Pikador". Možemo sa sigurnošću reći da je s njom započeo rad Pabla Picassa. Otac budućeg umjetnika dobio je ponudu za posao učitelja u La Coruñi 1891. godine, a ubrzo se porodica preselila u sjevernu Španiju. Na istom mjestu, Pablo je godinu dana studirao u lokalnoj umjetničkoj školi. Tada se porodica preselila u jedan od najljepših gradova - Barselonu. Mladi Pikaso je tada imao 14 godina i bio je premlad da bi studirao na La Lonji (Školi lepih umetnosti). Međutim, otac je uspio osigurati da bude primljen na prijemne ispite na takmičarskoj osnovi, s čime se odlično nosio. Nakon još četiri godine, roditelji su odlučili da ga upišu u najbolju naprednu umjetničku školu u to vrijeme - "San Fernando" u Madridu. Studiranje na akademiji brzo je dosadilo mladom talentu; u svojim klasičnim kanonima i pravilima bio je skučen, pa čak i dosadno. Stoga je više vremena posvetio muzeju Prado i proučavanju njegovih zbirki, a godinu dana kasnije vratio se u Barselonu. Rani period njegovog stvaralaštva obuhvata slike naslikane 1986. godine: „Autoportret“ Pikasa, „Prva pričest“ (predstavlja umetnikovu sestru Lolu), „Portret majke“ (na slici ispod).

Tokom boravka u Madridu, prvo je napravio gde je proučavao sve muzeje i slike najvećih majstora. Kasnije će više puta dolaziti u ovo središte svjetske umjetnosti, da bi se 1904. konačno preselio.

"Plavi" period

Ovaj vremenski period se može vidjeti kao da se upravo u to vrijeme njegova individualnost, još uvijek podložna vanjskim utjecajima, počinje pojavljivati ​​u Pikasovom djelu. Dobro poznata činjenica: talenat kreativnih priroda manifestira se što je jasnije moguće u teškim životnim situacijama. Upravo to se dogodilo Pablu Pikasu, čija su djela danas poznata cijelom svijetu. Polijetanje je potaknuto i uslijedilo je nakon duge depresije uzrokovane smrću bliskog prijatelja Carlosa Casagemasa. Godine 1901., na izložbi koju je organizirao Vollard, predstavljena su 64 umjetnikova djela, ali su tada još uvijek bila puna senzualnosti i sjaja, jasno se osjećao utjecaj impresionista. “Plavi” period njegovog stvaralaštva postepeno je ulazio u svoja zakonska prava, manifestirajući se krutim konturama figura i gubitkom trodimenzionalnosti slike, udaljavajući se od klasičnih zakona umjetničke perspektive. Paleta boja na njegovim platnima postaje sve monotonija, akcenat je na plavoj boji. Početkom perioda se može smatrati "Portret Jaimea Sabartesa" i Pikasov autoportret, napisan 1901. godine.

Slike "plavog" perioda

Ključne reči tokom ovog perioda za majstora su bile reči kao što su usamljenost, strah, krivica, bol. 1902. ponovo će se vratiti u Barselonu, ali tamo neće moći da ostane. Napeta situacija u glavnom gradu Katalonije, siromaštvo na sve strane i socijalna nepravda rezultiraju narodnim nemirima, koji su postepeno zahvatili ne samo cijelu Španiju, već i Evropu. Vjerovatno je ovakvo stanje utjecalo na umjetnika, koji ove godine plodno i izuzetno vrijedno radi. U domovini nastaju remek-dela „plavog“ perioda: „Dve sestre (Datum)“, „Stari Jevrejin sa dečakom“, „Tragedija“ (fotografija platna iznad), „Život“, gde je slika pokojni Kasagemas se ponovo pojavljuje. Godine 1901. naslikana je i slika "Pijač absinta". U njemu se prati uticaj popularne u to vreme strasti za "poročnim" likovima, karakteristične za francusku umetnost. Tema apsinta zvuči na mnogim slikama. Pikasovo delo je, između ostalog, puno drame. Posebno jasno upada u oči hipertrofirana ruka žene, kojom kao da pokušava da se odbrani. Trenutno se u Ermitažu nalazi „Pijač apsinta“, koji je tamo došao iz privatne i vrlo impresivne zbirke Pikasovih dela (51 delo) S. I. Ščukina nakon revolucije.

Čim mu se ukaže prilika da ponovo ode, odlučuje je bez oklijevanja iskoristiti i napušta Španjolsku u proljeće 1904. Tamo će se susresti sa novim interesovanjima, senzacijama i utiscima, što će dovesti do nove faze u njegovom radu.

"Pink" period

U Pikasovom stvaralaštvu ova etapa je trajala relativno dugo - od 1904. (jesen) do kraja 1906. - i nije bila sasvim ujednačena. Većina slika tog perioda obilježena je svijetlim rasponom boja, pojavom oker, biserno sivih, crveno-ružičastih tonova. Karakteristična je pojava i naknadna dominacija novih tema u stvaralaštvu umjetnika - glumaca, cirkuskih izvođača i akrobata, sportista. Naravno, veliku većinu materijala dao mu je cirkus Medrano, koji se tih godina nalazio u podnožju Monmartra. Svetla pozorišna postavka, kostimi, ponašanje, raznovrsnost likova kao da su vratili P. Picassa u svet, doduše preobraženih, ali stvarnih formi i volumena, prirodnog prostora. Slike na njegovim slikama ponovo su postale senzualne i ispunjene životom, sjajem, za razliku od likova "plave" faze kreativnosti.

Pablo Picasso: djela "ružičastog" perioda

Slike koje su označile početak novog perioda prvi put su bile izložene krajem zime 1905. godine u Galeriji Serurier - to su "Sjedeći akt" i "Glumac". Jedno od priznatih remek-djela "ružičastog" perioda je "Porodica komičara" (na slici iznad). Platno ima impresivne dimenzije - u visinu i širinu više od dva metra. Na plavom nebu prikazane su figure cirkuskih izvođača, općenito je prihvaćeno da je harlekin s desne strane sam Picasso. Svi likovi su statični, a među njima nema unutrašnje bliskosti, sve je vezala unutrašnja usamljenost - tema čitavog "ružičastog" perioda. Osim toga, vrijedni su pažnje i sljedeća djela Pabla Picassa: “Žena u košulji”, “Toalet”, “Dječak koji vodi konja”, “Akrobati. Majka i sin”, “Djevojka sa kozom”. Svi oni demonstriraju gledaocu ljepotu i spokoj rijetki za umjetnikove slike. Novi podsticaj kreativnosti dogodio se krajem 1906. godine, kada je Picasso putovao po Španiji i završio u malom selu na Pirinejima.

Afrički period kreativnosti

P. Picasso se prvi put susreo sa arhaičnom afričkom umjetnošću na tematskoj izložbi Muzeja Trocadero. Impresionirali su ga paganski idoli primitivne forme, egzotične maske i figurice, koji oličavaju veliku snagu prirode i distanciraju se od najsitnijih detalja. Umjetnikova ideologija se poklopila s ovom snažnom porukom, te je kao rezultat počeo pojednostavljivati ​​svoje likove, čineći ih kamenim idolima, monumentalnim i oštrim. Međutim, prvi rad u smjeru ovog stila pojavio se davne 1906. godine - ovo je portret djela pisca Pabla Picassa koji je sliku prepravljao 80 puta i već je potpuno izgubio vjeru u mogućnost utjelovljenja njezine slike u klasični stil. Ovaj trenutak se s pravom može nazvati prijelaznim od praćenja prirode do deformacije forme. Dovoljno je pogledati platna kao što su "Gola žena", "Ples s velom", "Drijada", "Prijateljstvo", "Poprsje mornara", "Autoportret".

Ali možda najupečatljiviji primjer afričke pozornice Picassovog rada je slika "Avignonske djevojke" (na slici iznad), na kojoj je majstor radio oko godinu dana. Ona je krunisala ovu fazu kreativan način umjetnika i umnogome odredio sudbinu umjetnosti uopće. Platno je prvi put ugledalo svjetlo tek trideset godina nakon što je napisano i postalo otvorena vrata u svijet avangarde. Boemski krug Pariza bukvalno se podijelio na dva tabora: "za" i "protiv". Slika se trenutno nalazi u Muzeju moderne umjetnosti u New Yorku.

Kubizam u Pikasovom delu

Problem jedinstvenosti i tačnosti slike ostao je na prvom mjestu u evropskoj likovnoj umjetnosti sve do trenutka kada je kubizam provalio u nju. Poticajem za njegov razvoj mnogi smatraju pitanje koje se pojavilo među umjetnicima: "Zašto slikati?" Početkom 20. vijeka gotovo svakoga se moglo naučiti pouzdanoj slici onoga što vidite, a fotografija je bila bukvalno za petama, što je prijetilo da potpuno i potpuno istisne sve ostalo. Vizuelne slike postaju ne samo uvjerljive, već i dostupne, lako replicirane. Kubizam Pabla Picassa u ovom slučaju odražava individualnost kreatora, odbijajući uvjerljivu sliku vanjskog svijeta i otvarajući potpuno nove mogućnosti, granice percepcije.

Rani radovi su: „Lonac, čaša i knjiga“, „Kupanje“, „Buket cveća u sivom vrču“, „Hleb i činija za voće na stolu“ itd. Na platnima se jasno vidi kako se umetnikov stil menja i sve više dobija apstraktne karakteristike pred kraj perioda (1918-1919). Na primjer, "Harlequin", "Tri muzičara", "Mrtva priroda s gitarom" (na slici iznad). Povezivanje gledalaca majstorovog rada sa apstrakcionizmom nikako nije odgovaralo Picassu, bila mu je važna vrlo emotivna poruka slika, njihovo skriveno značenje. Na kraju, stil kubizma koji je sam stvorio postupno je prestao inspirirati i zanimati umjetnika, otvarajući put novim trendovima u kreativnosti.

klasičnom periodu

Druga decenija 20. veka bila je prilično teška za Pikasa. Tako je 1911. godinu obilježila priča s ukradenim figuricama iz Luvra, koja umjetnika nije predstavila u najboljem svjetlu. Godine 1914. ispostavilo se da, čak i nakon toliko godina života u zemlji, Picasso nije bio spreman da se bori za Francusku u Prvom svjetskom ratu, koji ga je razveo od mnogih prijatelja. I sljedeće godine umro je njegov voljeni Marcel Humbert.

Na povratak realističnijeg Pabla Pikasa u njegovo delo, čija su dela ponovo bila ispunjena čitljivošću, figurativnošću i umetničkom logikom, uticali su i brojni spoljni faktori. Uključujući putovanje u Rim, gdje je bio prožet drevnom umjetnošću, kao i komunikaciju s baletnom trupom Diaghilev i poznanstvo s balerinom Olgom Khokhlovom, koja je ubrzo postala druga supruga umjetnika. Početkom novog perioda može se smatrati njen portret iz 1917. godine, koji je na neki način bio eksperimentalne prirode. Ruski balet Pabla Picassa ne samo da je inspirisao stvaranje novih remek-djela, već je i dao svog voljenog i dugo očekivanog sina. Većina zapaženih radova period: "Olga Khokhlova" (na slici gore), "Pierrot", "Mrtva priroda sa vrčem i jabukama", "Uspavani seljaci", "Majka i dijete", "Žene trče na plaži", "Tri gracije".

Nadrealizam

Podjela kreativnosti nije ništa drugo do želja da se ona stavi na police i stisne u određeni (stilski, vremenski) okvir. Međutim, radu Pabla Picassa, kojeg krase najbolji muzeji i galerije na svijetu, takav pristup se može nazvati vrlo uvjetnim. Ako pratite hronologiju, onda period kada je umjetnik bio blizak nadrealizmu pada na 1925-1932. Uopšte nije iznenađujuće što je muza posjećivala majstora kista u svakoj fazi njegovog rada, a kada je O. Khokhlova poželjela da se prepozna na njegovim platnima, okrenula se neoklasicizmu. Međutim, kreativni ljudi su prevrtljivi, a ubrzo je u Picassov život ušla mlada i vrlo lijepa Maria Teresa Walter, koja je u vrijeme njihovog poznanstva imala samo 17 godina. Bila je predodređena za ulogu ljubavnice, a 1930. godine umjetnik je kupio dvorac u Normandiji, koji je postao njen dom, i njegova radionica. Marija Tereza bila je vjerni pratilac, postojano je podnosila kreativna i ljubavna bacanja tvorca, održavajući prijateljsku prepisku do smrti Pabla Picassa. Djela nadrealističkog perioda: "Ples", "Žena u fotelji" (na slici ispod), "Kupačica", "Akt na plaži", "San" itd.

Period Drugog svetskog rata

Simpatije prema Pikasu tokom neprijateljstava u Španiji 1937. pripadale su republikancima. Kada su iste godine italijanski i nemački avioni uništili Guerniku – politički i Kulturni centar Baski - Pablo Pikaso je za samo dva meseca na ogromnom istoimenom platnu prikazao grad koji leži u ruševinama. Bio je bukvalno užasnut prijetnjom koja je nadvila čitavu Evropu, što nije moglo a da ne utiče na njegov rad. Emocije nisu bile direktno izražene, već oličene u tonu, njegovoj sumornosti, gorčini i sarkazmu.

Nakon što su ratovi zamrli, a svijet je došao u relativnu ravnotežu, obnovivši sve što je uništeno, Pikasovo djelo je također dobilo sretnije i svjetlije boje. Njegova platna, napisana 1945-1955, imaju mediteranski okus, vrlo su atmosferska i dijelom idealistička. Istovremeno je počeo raditi s keramikom, stvarajući mnoge ukrasne vrčeve, posuđe, tanjure, figurice (fotografija je prikazana iznad). Radovi koji su nastali u posljednjih 15 godina njegovog života su stilski i kvalitetno vrlo neujednačeni.

Jedan od najvećih umetnika dvadesetog veka - Pablo Pikaso - preminuo je u 91. godini u svojoj vili u Francuskoj. Sahranjen je u blizini dvorca Vovenart koji mu je pripadao.

Picassove slike "Plavog perioda" su kvintesencija bola, usamljenosti i destruktivne depresije. Paradoksalno, glavni događaji ovog perioda odvijali su se u gradu ljubavi i prestonici umetnosti - Parizu. Zašto su se ovi tužni, tmurni tonovi pojavili na samom početku Pikasovog života i karijere? Koji događaji su zauvek promenili umetnikov život?

Vidjeti Pariz i ne umrijeti

Uoči svog devetnaestog rođendana, Picasso je otišao u Pariz sa svojim prijateljem umjetnikom Carlosom Casagemasom. Mladi nisu znali ni riječ francuskog, ali to ih nije spriječilo da se brzo upoznaju s lokalnim Kataloncima i pronađu iznajmljeni smještaj. Cijeli dan su provodili u kafićima, u Luvru, na Svjetskoj izložbi, u bordelima i kabareima. Međutim, trebalo je i dosta rada. U jednom od svojih pisama, Casagemas piše: "Kad god ima svjetlosti - mislim sunčano, ne možete pobjeći od umjetnih stvari 24 sata - mi smo u ateljeu, slikamo."

Prva posjeta Parizu dala je dvoje mladih ljudi ... žene. Picasso je iskoristio sav svoj šarm i magnetizam da bi imao afere sa damama - a ni jezična barijera ni opći poremećaj nisu ga mogli spriječiti u tome. Mladi su najčešće provodili vrijeme u društvu svojih manekenki. Jedna od njih - Odette - postala je Picassova djevojka. Druga je Francuskinja španskih korijena, Germaine Gargallo - Casagemas. I iako je Germaine bila udata, neodoljiva žudnja za slobodom i avanturom povremeno ju je uplela u veze s novim muškarcima.

"Umjetnici Casagemas i Picasso jure dvije djevojke", 1900

Casagemas i Picasso su bili bliski prijatelji, ali potpuno suprotni po karakteru. Impulsivan, nesiguran, sumnjajući u svoju muškost, Karlos je bio veoma uznemiren kada Germaine nije obraćala pažnju na njega ili flertovala sa drugima. Kako bi smirio ljubomorno srce i odvratio se od loših misli, opteretio se poslom: „Od sljedeće sedmice, odnosno od sutra, ispunićemo svoje živote mirom, spokojem, radom i svime što donosi duševni i tjelesni mir vigor. Ovu odluku smo doneli nakon zvaničnog sastanka sa damama.”

Prvi pokrovitelj

Petrus Manache, koga su Picassa upoznali njegovi prijatelji koji govore španski, bio je poznati pariski kolekcionar i trgovac umjetninama. Manaš je bio fasciniran Pikasovim radom i ponudio je dogovor: sto pedeset franaka mesečno za sve slike koje umetnik uspe da stvori za to vreme, kao i njegovo, Manaš, lično pokroviteljstvo. Pablo se složio. S jedne strane, prijedlog je Picassu dao jedinstvenu priliku da se izvuče iz siromaštva, u kojem je bio svo vrijeme prije. Da bi se shvatila velikodušnost Manaševe ponude, treba reći da je, na primjer, najam radionice koštao 15 franaka mjesečno, a dva franka dnevno su bila dovoljna za dnevne potrebe.

S druge strane, ova ovisnost o Petrusovom novcu ubrzo je počela štetiti Picassovom ponosu: tvrdoglavi, razmaženi dječak koji nikada nikome ništa nije dugovao pao je u ropstvo koje ga je teško opterećivalo. Čak i na daljinu - kada je Picasso odlučio da se na neko vrijeme vrati u svoju domovinu, u Španiju - Manash ga je pokušavao kontrolirati i stalno je zahtijevao nove slike.

I vratio se kući prilično brzo. Bliže Božiću, Picasso i Casagemas su shvatili da im nedostaju njihovi rođaci. Pariz - sa svim svojim svjetlima, bukom, jarkim reklamnim posterima, beskrajnim zabavama i bordelima - dojadili su im. Mladi su odlučili da se vrate u Barselonu. Ali, jednom u glavnom gradu Katalonije, brzo su shvatili: ovdje ih čeka samo siromaštvo, neopravdane nade u slavu i sve iste beskrajne javne kuće. Kazagemas je čamio pred očima od čežnje za ljubavnicom koju je ostavio u Francuskoj. Uzalud se Picasso nadao da će lokalni plesači uspjeti odvratiti prijatelja od misli o fatalnom Germainu. Ubrzo je Carlos objavio da se vraća u Pariz.

Zaronite u tamu

U februaru 1901. Picasso je primio pismo koje je srušilo njegov prijašnji život. Izvještava da je Carlos Casagemas, njegov najbliži prijatelj i kreativni kolega, umro.

Sedamnaestog februara - prije polaska u Barselonu - Carlos je priredio oproštajnu večeru u restoranu Hipodrom. Kako se kasnije ispostavilo, Casagemas se unaprijed pripremio za ovaj događaj i znao je da će mu večera biti posljednja u životu. Mladić, opsjednut strašću prema Germainu, ponio je sa sobom napunjen revolver i povikao: "Evo ti!" - pucao na omraženu voljenu. Međutim, promašio je. Drugi metak sa riječima "A ovo je za mene!" - poslao je sebi u glavu. Germaine nije povrijeđena, a Carlos Casagemas je preminuo u bolnici nekoliko sati kasnije.

Dječakova majka nije mogla podnijeti tu vijest. Picassu je trebalo nekoliko mjeseci da shvati šta se dogodilo. Njegovo prvo djelo nakon tragedije bio je portret Carlosa Casagemasa za osmrtnicu objavljenu u lokalnim novinama.

Iz knjige “Picasso” Henrija Gidela: “Progonjen opsesivnim sjećanjima na Kasagemasa, koja su mu se stalno pojavljivala u sjećanju kao prijekor, pokušao je iz sebe izbaciti ovu bol. Picasso je koristio nekoliko mjeseci najbolji način samoodbrana - njena umjetnost. A da bi se potpuno izliječio, odlučio je da dramu od 17. februara reproducira ... u svoj njenoj strahoti. On prikazuje mladića prekrivenog pokrovom, a u blizini gori svijeća obasjava smrtno blijedio lice. Na desnoj sljepoočnici - tamna mrlja, mjesto gdje je metak probio. Ova slika je naslikana - i to ne slučajno - u maniru Van Gogha, koji je izvršio samoubistvo na sličan način.

Kasagemasova smrt, 1901

Od tog trenutka Picasso je pao u strašnu depresiju, koja ga je počela nagrizati iznutra. U pokušaju da se zaboravi, bacio se na posao, odlučivši da kreativnošću savlada tugu. Sada je cilj morao opravdati sva sredstva - i ubrzo je Picasso odlučio da se vrati u Pariz. Nagodio se sa sopstvenim egom i ponovo otišao kod Manaša, koji se, zauzvrat, radovao povratku štićenika. Za Picassa je čak iznajmio i atelje pokojnog Casagemasa, koji se nalazi pored nesretnog restorana Hipodrom.

U istoj radionici Picasso je naslikao portret svog pokrovitelja, na kojem ovaj snažan i samouvjeren čovjek podsjeća na matadora, “spreman da jurne u bitku sa divljim bikom, unaprijed prihvatajući svaki ishod borbe”.

"Petrus Manaš", 1901

Međutim, vrlo iskusnog Manasha uskoro je čekalo vrlo neugodno otkriće: Picasso je mnogo složeniji i nepredvidiviji nego što je mislio. Umjesto blistavih veselih platna koja je čekao, umjetnik je u neočekivanim plavim i plavim tonovima stvarao sumorne, pesimistične slike ispunjene bolom i patnjom.

"Plavi period"

Sve ovo vrijeme Picasso je razmišljao samo o gubitku prijatelja. Bol od gubitka nije nestao, već je samo dobio novi zamah. Na slikama su živeli iscrpljeni ljudi, bolesni bogalji i usamljeni lutajući umetnici. Svako djelo ovog vremena napisano je prodornim plavim tonovima i prenosi beskrajni osjećaj usamljenosti likova. Čini se da svi čekaju čovjeka koji više nikada neće doći. Umjetnikov vlastiti autoportret ovog perioda oštro se razlikuje od prošlosti: suština ove slike je praznina, sumor i beznađe.

"Autoportret", 1901

Možda je Picasso namjerno uronio u patnju, prožet inspiracijom iz plavog perioda. Slika "Kazagemasova sahrana" - najveća među slikama stvorenim u Parizu - zauzimala je značajan dio njegovog ateljea i istovremeno služila kao platno. Slikao je svog mrtvog prijatelja iznova i iznova, kao da pokušava da oseti njegov umirući bol i patnju.

"Germaine", 1902

A u međuvremenu se život nastavio. Njihov zajednički prijatelj s Carlosom - Manolo - postao je Germainein ljubavnik. I ubrzo je to postao i sam Picasso. Zašto? Više ne možemo saznati. Možda je veza sa ovom ženom bila još jedan pokušaj da se preživi bol preminulog prijatelja, želja da se razumije. Senka Germaine, koja se na kraju udala za Manola, bila je sa Pikasom celog života. Književnica Gertrude Stein rekla je ovo o umjetnici: "On je osoba koja se stalno treba prazniti, a za to mu je potreban snažan poticaj za aktivnost, za potpunu devastaciju."

"Dvije sestre", 1902

Slika "Dvije sestre" prikazuje prostitutku i časnu sestru (drugo tumačenje sugerira da je riječ o prostitutki i njenoj majci). Umjetnik je ovim djelom manifestirao svoj odnos prema ženama: sve su one, po njegovom mišljenju, podijeljene na svece i bludnice. Picasso je nastavio provoditi vrijeme u bordelima i kabareima, ali je čvrsto zatvorio srce i nije se zbližavao sa ženama duže od jedne noći.

"Ljubavnici", 1904

Pisac Palau y Fabre dotakao se ove teme u svojoj knjizi "Život Picassa, 1881-1907", kada je opisao sliku "Ljubavnici": "... dva crva, isprepletena i isprepletena... Picasso, koji krije svoje lice, zakopano u žensko telo verovatno već nešto krije od sebe - nešto što ne želi da vidi u celini, o čemu se trudi da ne razmišlja.

Tokom ovih godina Picasso je stvorio mnoga grafička djela u kojima se rodio njegov novi, jedinstveni stil: skice u jednoj kontinuiranoj liniji, bez kidanja olovke. Slike izgledaju nedovršeno, ali čak i one prenose fizičku i duhovnu muku umjetnika u ovom teškom vremenu.

"Život", 1903

Život je centralno djelo Plavog perioda, ispunjeno dvosmislenim simbolima. Na lijevoj strani je idealizirana Kazagemasova slika za koju se držala gola žena. Desno je žena s djetetom, koja prijekorno gleda mladića: možda je ovo Casagemasova majka. U pozadini - dva platna: na vrhu - zagrljeni par, slika ljubavi; na donjem je žena koja čuči, oličenje bola i usamljenosti.

Glavni motiv svih djela Plavog perioda je usamljenost i neminovnost ljudske patnje; muke siromašnih, bolesnih, starih i sakatih. Realnost postojanja bila je nepodnošljiv teret za prethodno bezbrižnog Picassa: razmišljanja o značenju onoga što se događalo njemu i njegovim voljenima (njihove nevolje i tuge) utjelovljena su u slikama ovog perioda - najmračnijeg razdoblja u umjetnikovom stvaralaštvu. .

Nabavka remek-djela "plavog perioda"

Djela s tako dubokim i u isto vrijeme teškim značenjem bilo je gotovo nemoguće prodati. Jednog dana, Picasso je smotao sva djela i jednostavno ih poklonio svom prijatelju Ramonu Pishu. I učinio je pravu stvar: odgovoran drug uspio je spasiti zavežljaj i zahvaljujući njemu danas možemo vidjeti Picassova remek djela tog perioda.

„Da je svežanj izgubljen, ne bi bilo plavog perioda, jer je sve što sam tada naslikao bilo tamo.” Pablo Picasso

Nešto kasnije (1905. godine) Picasso je upoznao pisca i pjesnika Guillaumea Apollinairea, a dva dana kasnije mu je pokazao rad iz Plavog perioda. Apoliner, koji nikada ranije nije video ništa slično, postao je svojevrsni prevodilac Pikasovog slikovnog jezika na ljudski jezik koji mi razumemo. Šta reći: umeo je da protumači njihovo značenje samom umetniku, za koga su njegove slike bile nešto intuitivno i podsvesno. Apollinaireovi članci su divan primjer kako tekst umjetničkog platna postaje punopravno književno djelo.

“Ova djeca, koja nisu dobila naklonost, sve razumiju. Ove žene, koje niko ne voli, ništa ne zaboravljaju. Čini se da se kriju u sjeni nekog drevnog hrama. Nestaju u zoru, utješeni tišinom. Obula ih je ledena magla. Ovi starci imaju pravo, bez poniženja, da mole milostinju... ”, napisao je Apollinaire. „... Kažu da se u Pikasovim delima oseća prerano razočaranje. Ali mislim da je zapravo obrnuto. Picasso je fasciniran onim što vidi, a pravi talenat omogućava njegovoj mašti da pomiješa oduševljenje i gađenje, nisko i uzvišeno. S druge strane Picassovog naturalizma, njegove nježne pažnje prema detaljima, leži misticizam svojstven čak i najudaljenijim Špancima od religije... Tanki, odrpani akrobati, okruženi blistavim oreolom, pravi su sinovi čovječanstva: nestalni, podmukli , spretan, siromašan, varljiv".

Foto: Getty Images Rusija, RIA Novosti

Pablo Picasso je rođen 25. oktobra 1881. godine u Španiji u gradu Malagi u porodici umjetnika Josea Ruiza Blaska. Talenat budućeg umjetnika počeo je rano da se pokazuje. Već od 7 godina dječak je dodao neke detalje očevim slikama (prvi takav rad bile su šape golubova). U dobi od 8 godina naslikana je prva ozbiljna slika uljem pod nazivom "Pikador".

"Pikador" 1889

Sa 13 godina Pablo Picasso je postao student Akademije umjetnosti u Barseloni - Pablo se tako dobro pokazao na prijemnim ispitima da ga je komisija primila na akademiju uprkos njegovoj mladosti.

Godine 1897. Picasso odlazi u Madrid da upiše Kraljevsku akademiju likovnih umjetnosti u San Fernandu. Ali Pablo je tamo studirao ne više od godinu dana - bilo je previše dosadno i skučeno za mlade talente na akademiji s njom klasične tradicije. U Madridu je mladića više zanimao užurbani život metropole. Pablo je mnogo vremena posvetio i proučavanju djela umjetnika kao što su Diego Vilasquez, Francisco Goya i El Greco, koji su ostavili veliki utisak na umjetnika.

Tih godina umjetnik je prvi put posjetio Pariz, koji se tada smatrao prijestolnicom umjetnosti. U ovom gradu je živio mjesecima, posjećujući razne muzeje kako bi proučavao radove majstora slikarstva: Van Gogha, Gauguina, Delacroixa i mnogih drugih. Pikaso će ubuduće često posećivati ​​Pariz, a kasnije će ga ovaj grad toliko zaokupiti da Pikaso odlučuje da se tamo trajno preseli (1904).

Najpoznatija djela Pabla Picassa, koja je on napisao u ranom periodu (prije 1900.)

"Portret majke" 1896

"Znanje i milosrđe" 1897

"Prva pričest" 1896

"Autoportret" 1896

"Matador Luis Migel Domingen" 1897

"Španski par ispred hotela" 1900

“Bosonoga djevojka. Fragment» 1895

"Čovek na obali bare" 1897

"Čovek u šeširu" 1895

"Bulevar Kliši" 1901

"Portret umetnikovog oca" 1895

Sljedeći period u stvaralaštvu Pabla Pikasa naziva se "plavim". Godine 1901 - 1904. U Picassovoj paleti su preovladavale hladne boje - uglavnom plava i njene nijanse. U to vrijeme Picasso je pokrenuo teme starosti, siromaštvo, siromaštvo, melanholija i tuga bili su karakteristično raspoloženje slika ovog perioda. Umjetnik je prikazao ljudsku patnju, crtanje slijepih, prosjaka, alkoholičara i prostitutki itd. - bili su glavni likovi "plavog" perioda.

Djela "plavog" perioda (1901-1904)

"Doručak slijepih" 1903

"Majka i dijete" 1903

"Pijač absinta" 1901

"Peglač" 1904

"Starac prosjak sa dječakom" 1903

"Život" 1903

"Dvije sestre (datum)" 1902

"Plava soba (kupatilo)" 1901

"Gurman" 1901

"Sjedeća žena u kapuljači" 1902

U "ružičastom" periodu (1904. - 1906.) glavna tema u umjetnikovom radu bio je cirkus i njegovi likovi - akrobati i komičari. Prevladale su jarke vesele boje. Omiljeni lik ovog perioda može se nazvati arlekin, koji se najčešće nalazio u djelima Picassa. Osim cirkusa, inspirisao ga je i manekenka Fernanda Olivier, koju je upoznao 1904. godine, na samom početku „ružičastog“ perioda. Bila je muza umjetnika tokom čitavog perioda.

Djela "ružičastog" perioda (1904 - 1906)

"Akrabat i harlekin" 1905

"Devojka sa kozom" 1906

"Dječak koji vodi konja" 1906

"Porodica komičara" 1905

"Seljaci" 1906

"Gola žena sa vrčem" 1906

"Češljanje" 1906

"Žena sa hlebom" 1905

"Dva akrabata sa psom" 1905

"Toalet" 1906

jedan od poznate slike P. Picasso "Djevojka na lopti" (1905), koja je sada u Državni muzej likovne umjetnosti im. A. S. Puškina, neki stručnjaci nazivaju prelazak iz "plavog" perioda u "ružičasti".

"Devojka na lopti" 1905

Prekretnica u Pikasovom stvaralaštvu bio je portret Gertrude Stajn, koji je on naslikao 1906.

Rad na portretu bio je težak - umjetnik je portret prepisao oko 80 puta, a kao rezultat toga, Picasso se udaljio od portreta kao žanra. vizualna umjetnost u svom klasičnom smislu. Sav dalji Pikasov rad može se okarakterisati samo jednom njegovom rečenicom „Moramo pisati ne ono što vidim, već ono što znam“. Upravo je ove instalacije P. Picasso pokušavao da se pridržava do kraja života.

kubizam

Ovaj veliki period u stvaralaštvu Pabla Pikasa podijeljen je u nekoliko faza. Ovo je vrijeme potpunog odbacivanja detaljnosti likova: tema i pozadina se gotovo spajaju u jedno, nema jasno definiranih granica. Picasso je bio uvjeren da umjetnik može učiniti više od toga da samo pokaže ono što oko vidi.

Prva faza je "Cezanne" zvani "afrički" period. Ovu fazu odlikuje konstrukcija slika pomoću jednostavna geometrijska oblici i prevlast mutnih zelenih, oker i smeđih tonova.

Od 1907. do 1909. pažnja umjetnika bila je usmjerena na afričku umjetnost, koju je prvi put susreo 1907. na etnografskoj izložbi u muzeju Trocadero. Od sada su Picassovim radom počeli dominirati jednostavni, čak primitivni oblici prikazanih objekata. U tehnici umjetnik je počeo koristiti grubo sjenčanje. Prvom slikom napravljenom u "afričkom" stilu smatra se "Djevojke iz Avinjona" 1907. godine.

Ovu sliku je autor pisao tokom cijele godine. Picasso nije radio ni sa jednom od svojih slika toliko dugo. Kao rezultat toga, ovo djelo se toliko razlikovalo od njegovih prethodnih slika da je javnost dvosmisleno percipirala. Ali nakon što je pronašao novi stil koji mu je bio zanimljiv, Picasso se nije namjeravao povući, a 2 godine umjetnik ga je razvijao na svaki mogući način.

Djela "Cezanne" kubizma ("afrički" period) (1907 - 1909)

"Farmer" 1908

"Glava čoveka" 1907

"Kupačica" 1909

"Mrtva priroda sa zdjelom i vrčem" 1908

"Akt sa draperijom (Ples s velom)" 1907

"Portret Manuela Pallaresa" 1909

"Tri figure ispod drveta" 1907

"Čaše i voće" 1908

"Bista čovjeka (sportiste)" 1909

"Žena" 1907

U analitičkom periodu Picasso je došao do spoznaje da se mora u potpunosti fokusirati na volumen i oblik objekata, potiskujući boju u pozadinu. Tako je monohromatski postao zaštitni znak analitičkog kubizma. Također je vrijedno napomenuti strukturu djela ovog perioda - čini se da umjetnik drobi predmete u male fragmente. Nestaje granica između različitih stvari i sve se percipira kao cjelina.

Djela "analitičkog" kubizma (1909-1912)

"Čovek sa gitarom" 1911

"Čovek sa violinom" 1912

"Harmonikaš" 1911

"Mrtva priroda sa flašom pića" 1909

"Pesnik" 1911

"Portret Fernanda" 1909

"Portret Wilhelma Uhdea" 1910

"Sjedeći gol" 1910

"Žena u zelenom" 1909

"Žena u fotelji" 1909

Početak sintetičkog perioda bila je slika „Sjećanja na Havre“, koju je naslikao Pablo Picasso 1912. Na ovoj slici pojavile su se svjetlije boje koje nisu bile svojstvene analitičkom kubizmu.

Jednobojni radovi ponovo su ustupili mjesto boji. U osnovi, na slikama ovog perioda dominirale su mrtve prirode: boce vina, note, pribor za jelo i muzički instrumenti. Za razvodnjavanje apstraktnosti u radu na slikama korišteni su stvarni predmeti, kao što su: užad, pijesak, tapete itd.

Djela "sintetičkog" kubizma (1912-1917)

"Čovek pored kamina" 1916

"Čovek u cilindru" 1914

"Čaša i karte za igru" 1912

"Gitara" 1912

"Mrtva priroda sa voćem na stolu" 1914-1915

"Pedestal" 1914

"Stol u kafani (Flaša Perno)" 1912

"Kafana (šunka)" 1914

"Zelena mrtva priroda" 1914

"Čovek sa lulom, sedi u fotelji" 1916

Unatoč činjenici da su kubizam mnogi aktivno kritizirali, djela iz tog perioda su se dobro prodavala i Pablo Picasso je konačno prestao da moli i preselio se u prostrani studio.

Sledeći period u umetnikovom stvaralaštvu bio je neoklasicizam, koji je pokrenut Pikasovim brakom sa ruskom balerinom Olgom Hohlovom 1918. godine. Tome je prethodio Pabloov rad na scenografiji i kostimografiji za balet Parada 1917. godine. da je umjetnik upoznao Olgu Khokhlovu.

Zavesa za balet "Parada" 1917

Baletski program Parada sa Picassovim crtežom. 1917

Kineski mađioničar obučen kao Picasso, moderna interpretacija, 2003

Lik francuskog "stewarda" (lajavca)

Ovaj period je veoma daleko od kubizma: prava lica, svetle boje, pravilne forme... Za takve promene u njegovom stvaralaštvu inspirisala ga je supruga Ruskinja, koja je u Pablov život donela mnogo novih stvari. Čak se i način života umjetnika promijenio - prisustvovanje društvenim događajima, kostimiranim baletima itd. Jednom riječju, Picasso je počeo rotirati u sekularnom okruženju, koje mu je ranije bilo strano. Zbog tako oštrog prijelaza iz kubizma u klasicizam, Picassa su mnogi kritizirali. Na sve tvrdnje umetnik je odgovorio u jednom od svojih intervjua: „Kad god želim nešto da kažem, govorim na način na koji, po mom mišljenju, to treba da se kaže“.

Djela neoklasicističkog perioda (1918. - 1925.)

"Čitanje pisma" 1921

"Kupači" 1918

"Ljubavnici" 1923

"Majka i dijete" 1921

"Olga Khokhlova u mantili" 1917

"Olga Pikaso" 1923

"Prva pričest" 1919

"Pierrot" 1918

"Portret Olge u fotelji" 1917

"Portret Pavla" umetnikovog sina 1923

"Uspavani seljaci" 1919

"Tri kupača" 1920

"Žena s djetetom na obali mora" 1921

"Žena u mantili" 1917

"Žene trče duž obale" 1922

Godine 1925. umjetnik je naslikao sliku "Ples", koja u potpunosti odražava probleme u ličnom životu umjetnika tog vremena.

U zimu 1927. Picasso upoznaje svoju novu muzu, sedamnaestogodišnju Marie-Thérèse Walter, koja je postala lik na mnogim slikama nadrealističkog perioda. Godine 1935. par je dobio kćer Mayu, ali 1936. Picasso je napustio Mariju Tereziju i Olgu Khokhlovu, od kojih nije htio podnijeti službeni razvod do Olgine smrti 1955. godine.

Djela iz perioda nadrealizma (1925 - 1936)

"Akrabat" 1930

"Devojka koja baca kamen" 1931

"Likovi na plaži" 1931

"Mrtva priroda" 1932

"Akt i mrtva priroda" 1931

"Akt na plaži" 1929

"Akt na plaži" 1929

"Žena sa cvetom" 1932

"San (portret ljubavnice umjetnice Marije Terese Walter)" 1932.

"Akt u fotelji" 1932

"Akt u fotelji" 1929

"Poljubac" 1931

U 30-im i 40-im godinama, bik, Minotaur, postao je heroj mnogih Picassovih slika. Minotaur u umjetnikovom djelu je personifikacija razorne moći, rata i smrti.

"Minotaurija" 1935

"Paleta i glava bika" 1938

"Jagnjeća glava" 1939

"Mrtva priroda sa lobanjom bika" 1942

"Volbanja, voće, vrč" 1939

"Tri ovnuje glave" 1939

U proljeće 1937. njemački fašisti su bukvalno zbrisali gradić Gerniku u Španiji. Picasso nije mogao zanemariti ovaj događaj i tako je nastala slika "Gernika". Ova se slika može nazvati apoteozom teme Minotaura. Dimenzije slike su impresivne: dužina - 8 m, širina - 3,5 m. Poznat je jedan slučaj vezan za sliku. Tokom pretresa od strane Gestapoa, nacistički oficir je primetio sliku i pitao Pikasa: "Jesi li ti to uradio?" na šta je umetnik odgovorio „Ne. Uspeo si!"

"Gernika" 1937

Paralelno sa platnima o Minotaurima, Pablo Picasso stvara seriju o čudovištima. Ova serija izražava poziciju umjetnika tokom građanski rat u Španiji, u kojoj je podržavao republikance i suprotstavljao se politici diktatora Franka.

"Snovi i laži generala Franka" (1937.)

"Snovi i laži generala Franka" (1937.)

All Second svjetski rat Pablo Picasso je živio u Francuskoj, gdje je umjetnik postao član Francuske komunističke partije 1944. godine.

Ratni radovi (1937-1945)

"Fazan" 1938

"Glava žene u šeširu" 1939

"Marija Tereza u vijencu" 1937

"Atelje umjetnika" 1943

"Maja sa lutkom" 1938

"Molitva" 1937

"Mrtva priroda" 1945

"Uplakana žena sa maramom" 1937

"Ptice u kavezu" 1937

"Ranjena ptica i mačka" 1938

"Kripta" 1945

"Žena u crvenoj stolici" 1939

Umjetnik je 1946. radio na slikama i panelima za dvorac porodice Grimaldi u Antibu (odmaralište u Francuskoj). U prvoj sali dvorca postavljen je pano pod nazivom "Radost života". Glavni likovi ovog panoa bili su fantastična bića, fauni, kentauri i gole djevojke.

"Radost postojanja" 1946

Iste godine Pablo je upoznao mladu umjetnicu Francoise Gilot, s kojom su se nastanili u zamku Grimaldi. Kasnije su Picasso i Francoise dobili dvoje djece, Palomu i Claudea. U to vrijeme umjetnik je često slikao svoju djecu i Francoise, ali idila nije dugo trajala: 1953. godine Francoise je odvela djecu i napustila Pabla Picassa. Françoise više nije mogla podnijeti umjetnikove stalne izdaje i njegovu tešku prirodu. Ovaj rastanak umjetnik je doživio veoma teško, što nije moglo a da ne utiče na njegov rad. Dokaz za to su crteži tušem ružnog starog patuljka sa prelijepom mladom djevojkom.

Jedan od najpoznatijih simbola "Goluba mira" nastao je 1949. godine. Prvi put se pojavio na Svjetskom mirovnom kongresu u Parizu.

Pikaso je 1951. godine naslikao sliku "Masakr u Koreji", koja govori o zverstvima tog "zaboravljenog" rata.

"Masakr u Koreji" 1951

Godine 1947. umjetnik se preselio na jug Francuske, u grad Vallauris. U ovom gradu se zainteresovao za keramiku. Picassa je na takav hobi inspirirala godišnja izložba keramike u Vallaurisu koju je posjetio davne 1946. godine. Umjetnik je posebno interesovanje pokazao za predmete iz radionice Madura, u kojoj je kasnije radio. Rad sa glinom omogućio je priznatom slikaru i grafičaru da zaboravi ratne strahote i uroni u drugi radostan i spokojan svijet. Zapleti za keramiku su najjednostavniji i najjednostavniji - žene, ptice, lica, bajkoviti likovi... Čak je i knjiga "Picasso keramika" I. Karetnikova, objavljena 1967. godine, posvećena Picassovoj keramici.

Picasso u Madurinoj radionici

Postoje suprotne presude o ulozi plavog i ružičastog perioda u kreativna biografija Picasso. Neki vjeruju da su ti periodi ostali neprevaziđeni: tada je Picasso bio pravi humanistički umjetnik, a potom, podlegavši ​​iskušenjima modernizma i opsjednut demonom uništenja, nikada nije dosegao vrhunce svoje mladosti. Sa manje ili više kategoričnosti, ovakva ocena je izneta u našoj, a delimično i stranoj štampi. Ali u većini knjiga i članaka stranih autora provodi se drugačija ideja: u plavom i ružičastom razdoblju Picasso još nije bio svoj, ostao je u skladu s tradicionalizmom, pa stoga od velikog značaja, u poređenju sa kasnijim, nemaju.

Oba ova ekstremna gledišta su nepravedna. One podjednako dolaze ne toliko iz samih umjetnikovih kreacija, koliko iz unaprijed stvorenih predstava o realizmu i modernizmu, o tradicionalizmu i inovativnosti. U oba slučaja, glavni kriterij vrijednosti je odnos umjetnika prema renesansnom konceptu likovne umjetnosti – njeno prevazilaženje ili, naprotiv, očuvanje. U međuvremenu, za samog Picassa ovaj trenutak očito nije bio odlučujući - ako je suditi barem po tome koliko je često prelazio sa "tradicionalnih" oblika na "destruktivne" forme i obrnuto, ili ih je koristio istovremeno, odbijajući jednom zauvijek dati prednost jednom od ostalo. Prvi raskid s tradicijom bio je oštar i dramatičan, ali se kasnije pokazalo da je antagonizam dvaju načina predstavljanja takoreći otklonjen. Između njih pronađene su mnoge prijelazne veze. I "najpreciznije" i "najuslovnije" Picassove slike vezane su za njegov opći stvaralački koncept kao posebni slučajevi, te su u tom smislu jednake.

Plavi i ružičasti periodi nisu apsolutne visine za tvorca Guernice. Međutim, čak i ako kreativna istorija Pikaso je završio 1906. godine, da je ostao samo autor "plavih" i "ružičastih" platna, ušao bi u istoriju kao veliki umetnik.

Dvadesetogodišnji Picasso je već bio prilično originalan majstor. Proces studentske percepcije i eliminacije akademizma, sentimentalnog žanra (a potom impresionizma i postimpresionizma) počeo je kod njega, kako smo vidjeli, neobično rano i tekao je gusto. Do početka plavog perioda sve je to ostalo iza. Ako meko pahuljasta, zlatno-zelenkasta “Dama sa psom” (1900) reproducira (i u isto vrijeme prikriveno parodira) koloristički i teksturirani gurmanizam kasnog impresionizma; ako zlokobni cocotte u crvenom šeširu (1900.) podsjeća na Toulouse-Lautreka, peračica u plavoj sobi (1901.) je na Degasa, onda u takvim djelima iz 1901. kao "Djevojka s golubom", kao remek-djela Zbirka Ščukina - "Zagrljaj", "Arlekin i njegova žena", "Portret Sabartesa", Pikaso već liči samo na sebe. (Nemoguće je ne začuditi se ukusu i pronicljivosti moskovskog kolekcionara Ščukina, koji je od brojnih radova mladog umetnika odabrao upravo ona na kojima je bio pravi Pikaso.)

Na prvi pogled, Picassove prekubističke stvari malo liče na one kasnije. Ali oni sadrže porijeklo njegovih najskrivenijih tema i motiva, uvertiru njegovog rada.

K. Jung, pristupajući Pikasovoj umetnosti kao psihoanalitičar, video je u plavom periodu kompleks silaska u pakao. I zapravo: na ulazu u ovaj sumračni, pustinjski plavi svijet metafizičkog siromaštva i tihe patnje ispisane su, takoreći, riječi: „Vodim me u prognana sela“.

Pikaso je tada živeo usred polusiromašne boemije, gladan i siromašan, ponekad je morao da zagreva peć gomilama svojih crteža - ali najmanje od svega lične nedaće određivale su ton njegove umetnosti. Pesnik Maks Džejkob prisjetio se tog vremena: "Živjeli smo loše, ali lijepo." Pikaso je uvek bio okružen prijateljima, bio je pun energije i ljubavi prema životu, ali je kao umetnik tražio okrutne, bolne utiske. Privukao ga je dno. Posjećivao je ludnice, bolnice za prostitutke, dugo je posmatrao i slikao bolesne kako bi nahranio i otvrdnuo svoju dušu prizorom patnje. U njegovim crtežima tih godina ima bljeskova sumornog humora. Jednom je na zidu radionice jednog od svojih prijatelja naslikao strašnu simboličnu scenu – crnca obješen o drvo, goli par koji vodi ljubav ispod drveta.

Plavi period obuhvata 1901-1904. Tada se Pikaso još nije trajno nastanio u Francuskoj, često se selio iz Barselone u Pariz i nazad u Barselonu. Slika plavog perioda je ukorenjena u tradiciji Španije. Nakon prošlih iskustava „u francuskom duhu“, brojnih, ali kratkotrajnih, Pikasov zreo talenat ponovo je otkrio svoju špansku prirodu – u svemu: u temi ponosnog siromaštva i uzvišene bede, u kombinaciji okrutnog „naturalizma“ sa ekstatičnom duhovnošću, u Humor tipa Goya, u zavisnosti od simbolike života i smrti. Najveća i najkompleksnija slika ranog perioda - "Kazagemasova grobnica" (naslikana pod utiskom samoubistva Pikasovog prijatelja) - izgrađena je poput El Grecove "Pogreba grofa Orgasa": ispod - tugovanje za mrtvi, gore - prizor na nebu, gde se u atmosferi mistične vizije prepliću neozbiljne slike iz sveta kabarea. Po stilu, to je blisko onome što je umjetnik radio i prije svoje prve posjete Parizu: na primjer, u velikom akvarelu "Put" (1898), koji prikazuje simboličnu povorku sa pogrebnim drogama i redom pogrbljenih starica i žene s djecom - lutaju planinom, tamo ih čeka ogromna sova koja širi krila. (Ove pogrebne droge srešćemo pola veka kasnije na panelu „Rat“, a sova je nepromenljivi atribut Pikasove umetnosti.)

“Dvije sestre” su simbolične - dvije umorne, iscrpljene žene umotane u veo, prostitutka i časna sestra, susreću se, kao što se susreću Elizabeta i Marija na starim slikama. “Život” je simboličan - čudna, namjerno konstruirana kompozicija: ljubav, majčinstvo, usamljenost, žeđ za spasenjem od samoće.

Postepeno, Picassova simbolika se oslobađa previše očiglednog ukusa alegorije. Kompozicije postaju spolja jednostavne: na neutralnoj svjetlucavoj plavoj pozadini, jedna ili češće dvije figure, bolno krhke, pritisnute jedna uz drugu; mirni su, pokorni, zamišljeni, povučeni. "Pre-kubista" Picasso nema mrtve prirode: on slika samo ljude.

U francuskom slikarstvu s početka veka, plave Pikasove slike izgledaju odvojeno, za Španiju su organske. francuski prijatelji mladi Picasso osetili u njemu prisustvo vanzemaljskog početka, nisu ga u potpunosti razumeli. Maurice Reynal je kasnije napisao: „Nešto misteriozno obavijalo je njegovu ličnost, barem za nas, koji nismo navikli na španjolski način razmišljanja: kontrast između bolne i teške snage njegove umjetnosti i njegove vlastite vesele prirode, između njegovog dramatičnog genija i njegovog veselog raspoloženja, udario.

Picasso je, poput Van Gogha prije, iako na sasvim drugačiji način od Van Gogha, došao sa žeđom da izrazi svoje najdublje razumijevanje svijeta. Samo iz tog razloga, on (kao Van Gogh) nije mogao podleći šarmu impresionizma: kontemplacija, uspavljujuće blaženstvo „pojava“ nisu bili za njega; u ime aktivnog unutrašnjeg shvaćanja, morao je probiti ljusku vidljivog.

Aktivnost pristupa dugo se povezivala sa primatom crteža, a mladi Picasso je počeo vraćajući crtežu njegovu dominantnu važnost, činio to odlučnije i jače od Degasa i Toulouse-Lautreka. Moć linije naglašena je monokromom plavih slika. Plavičasti likovi ne tonu u plavetnilo pozadine, već se jasno ističu, iako su i sami gotovo iste boje kao pozadina i uglavnom su ocrtani. Unutar konture, svjetlosno-sjenilo i modeliranje boja su minimalni, u pozadini nema iluzorne dubine koju stvara perspektiva, već sama kontura stvara utisak volumena - volumena na ravni. (To se jasno vidi, na primjer, u zelenkasto-plavoj studiji gole žene s leđa: ovdje gotovo da nema modeliranja - sva bogata plastičnost ovih leđa, smjer volumena, punoća forme su prenosi se linijom konture.)

Picasso je i tada bio neuporediv crtač. Sabartes se prisjetio da je, gledajući Picassa kako radi, bio zadivljen samopouzdanjem pokreta njegove ruke: činilo se da ruka samo kruži oko nevidljivih obrisa koji su već postojali na platnu.

"Plavi stil" je izazov impresionističkom slikarstvu, odbijanje pokoravanja diktatu vizuelne percepcije, odlučno zauzet stav prema strukturnoj, izgrađenoj, kreiranoj slici. I kasnije, Picasso nikada, u svim svojim transformacijama, nije promijenio ovaj početni princip.

Istraživači primjećuju poseban značaj teme sljepoće u djelima ranog perioda. Kompozicija "Doručak slijepih" u nekoliko verzija, slika "Slijepi gitarista", slijepi starac sa dječakom, crteži koji prikazuju slijepca sa vodičem, skulptura - glava slijepe žene. A vidovi se ponašaju skoro kao slepi. Oči su im ili poluzatvorene ili širom otvorene, ali nepomične, ljudi se ne gledaju, komuniciraju dodirima, pipajućim pokretima ruku. Ruke na slikama ranog Pikasa - sa dugim prstima, tankim, preterano osetljivim "gotičkim" rukama - to su ruke slepih, ruke su oči.

Zašto tolika strast prema slijepima? Je li to samo iz želje da se izrazi krajnja uskraćenost ljudi ili simbolično prikažu njihovo pipanje u stranom svijetu? Očigledno se tu krije još nešto: ideja o vidovitosti sljepoće, koja je ujedno i vidovitost ljubavi. Penrouz povezuje temu sljepoće sa umjetnikovim stalnim nezadovoljstvom vanjskim, vizualno percipiranim aspektom pojava. „Spoljni aspekt mu je uvek izgledao nedovoljan. Negde na mestu konvergencije čulnog opažanja sa dubokim sferama uma, postoji, takoreći, unutrašnje oko koje vidi i razume snagom osećanja. Može opažati, razumjeti i voljeti čak i kada je opažanje fizičkim vidom nemoguće. Ova percepcija je još intenzivnija kada je prozor spoljni svetčvrsto zatvoren." Jedna od Pikasovih zagonetnih izreka kasnijeg vremena postaje jasna: „Sve zavisi od ljubavi. Uvijek se radi o tome. Umjetnicima treba iskopati oči kao što se češljugama vade da bolje pjevaju.

Problemi koji se smatraju "čisto plastičnim" - crtež i boja, prostor, oblik, deformacije - suočili su se sa Picassom kao ljudskim problemima: komunikacija, razumijevanje, prodornost. Šta ljude zbližava, šta ih spašava od muka usamljenosti? Je li to da se oni međusobno smatraju? Ne, oni se osećaju nekim drugim, šestim čulom. I zar umjetnik ne bi trebao u svom poimanju stvari ići dalje od onoga što jednostavno vidi uz pomoć šestog čula? Pikaso je uvek poštovao sovu - pticu koja je slepa danju, ali budna u mraku.

U svom "silaska u pakao" Picasso je okusio svu tugu ljudskog siromaštva, ali nije osjetio beznađe - to je više kao čistilište nego pakao. Njegovim bogaljima i skitnicama nije oduzeta nada, jer dar ljubavi nije oduzet. Ne postoje Picassove slike koje odišu takvom ledenom usamljenošću kao Van Goghov zeleni i crveni kafić. Neprestano pokazuje kako dva bića nastoje biti zajedno, neodvojivo i tiho - to je možda glavna unutrašnja tema plavog perioda.

Najdirektnije je izražen u brojnim verzijama Zagrljaja. Možda je najelokventnija brza skica ugljenom iz 1901: nema razdvojenih muškarca i žene, nema grljenja - postoji zagrljaj, nema dvoje ljudi - postoji ljubav dvoje ljudi. Ovaj rani crtež donekle podsjeća na Picassove mnogo kasnije kompozicije, gdje je metaforički prikazao ljubavnike kroz dva spojena profila uključena jedan u drugi.

Pikaso je motiv zagrljaja protumačio sa apsolutnom čednošću: ovdje nema erotike, već vlada duhovni eros u platonovskom smislu. Zapravo, erotika u Picassovom djelu uvijek zvuči prijeteće, sumorno, povezana je s temom nasilja i okrutnosti - to je, možda, i španjolska osobina, toliko za razliku od vesele senzualnosti koju gaji francuska umjetnost.

U Picassovoj umjetnosti senzualna strast je jedna od varijanti neprijateljstva, "rata", sfere djelovanja destruktivnih sila. Kada želi da priča o ljubavi koja spaja ljude, on odbacuje element senzualnosti. Ponekad čak i svoje likove čini bespolnim (kritičari su pisali o "osobinama androgina"). Distrofična mršavost, iznemoglost, opušten umor muškarca i žene koji sjede, grle se i zaspaju za praznim stolom, isključuju erotske asocijacije: želja dvoje napuštenih ljudi da spasu jedno drugo ima drugačiju, duhovnu prirodu.

Ova „dvojka“, zaštićena ljubavlju, samo su u nekim slučajevima muškarac i žena, muž i žena, a češće i drugi parovi: starac i dječak, majka i dijete, dvije sestre ili čak muškarac i životinja: dečak sa psom, žena sa vranom, devojčica sa golubicom.

Svi ovi likovi ocrtani su u kompaktno zatvorenim konturama - i same poze su takve kao da nehotice nastoje zauzeti što manje prostora kako bi bili nevidljivi ili topli: hvataju ruke, podižu noge, uvlače glavu u svoje ramena. Kada ih ima dvije, ponekad se obje figure uključe u ovu zatvorenu, zatvorenu konfiguraciju i gotovo doslovno se "pretvore u jednu".

Čini se da Picasso posebno voli takve teme gdje slabi štite slabe. Oživio je staru temu o majci koja čuva dijete, a mora se priznati da najbolje od njegovih "Majčinstava" pripadaju ranim danima. Osećaj ugašene nežnosti prema malom bespomoćnom stvorenju, mladi Pikaso je probušio do samih dubina i otkrio u njemu nešto što graniči sa bolom. Na prvi pogled, u manirističkoj gracioznosti njegovih "Majki" postoji, takoreći, neka jeza, ali to je jeza, vrh igle koja dodiruje golo srce.

Jedno od najranijih djela plavog perioda je “Djevojčica s golubom”: djevojčica pažljivo drži goluba među dlanovima. Ovdje se može vidjeti prvo rođenje jedne od popratnih Pikasovih tema, prolazeći - eksplicitno ili prikriveno, okruglo, simbolično ili direktno - kroz njegov dugi rad. Vezano je za legendu o svetom Kristoforu, koji je kroz uzburkani potok nosio dijete Krista.

Zaštititi nadolazeći dan, nositi život, slab i drhtav poput plamena svijeće, kroz prevrate vijeka - to je tema nade; nakon mnogo godina pretvorila se u Pikasovu temu svijeta. Više od četrdeset godina nakon Djevojke s golubom napravio je statuu Čovjeka sa jagnjetom: uplašeno jagnje drhti i plače, čovjek ga nosi mirno i pažljivo kao što djevojka drži golubicu. Mnogi Pikasovi motivi, koji ga neprestano jure, nalaze se oko ovog skrivenog centra: deca se igraju, koju neko jak štiti od čudovišta (takve kompozicije su među pripremnim crtežima za „Hram mira“); budan u blizini spavača; patnje ozlijeđenih životinja; na kraju, motiv svijeće ili baklje - svjetiljke koja obasjava tamu: genij svjetla, koji upada u pakao Guernice, drži svijeću u ispruženoj ruci. Ponekad se slabost pokaže kao snaga, a brutalna snaga - bespomoćnost: u seriji s minotaurom vidimo dijete koje samouvjereno vodi slijepu, oslabljenu poluzvijer.