Holandsko slikarstvo. Zlatno doba holandskog slikarstva. Slike holandskih umjetnika. Umetnost Holandije u 17. veku U ovom periodu u Holandiji se dešava buržoaska revolucija. To je dovelo do promjene pogleda i društvene strukture. Dutch bad

"Burger" barok u holandskom slikarstvuXVII V. - slika svakodnevnog života (P. de Hoch, Vermeer). "Luksuzna" mrtva priroda Kalf. Grupni portret i njegove karakteristike kod Halsa i Rembranta. Rembrandtovo tumačenje mitoloških i biblijskih tema.

Holandska umjetnost 17. vijeka

U 17. veku Holandija je postala uzorna kapitalistička zemlja. Vodila je ekstenzivnu kolonijalnu trgovinu, imala je moćnu flotu, brodogradnja je bila jedna od vodećih industrija. Protestantizam (kalvinizam kao njegov najteži oblik), koji je u potpunosti zamijenio utjecaj Katoličke crkve, doveo je do toga da sveštenstvo u Holandiji nije imalo toliki utjecaj na umjetnost kao u Flandriji, a još više u Španjolskoj ili Italiji. U Holandiji crkva nije igrala ulogu kupca umjetničkih djela: hramovi nisu bili ukrašeni oltarnim slikama, jer je kalvinizam odbacio svaki nagovještaj luksuza; Protestantske crkve su bile jednostavne u arhitekturi i nisu bile ukrašene na bilo koji način iznutra.

Glavno dostignuće holandske umetnosti XVIII veka. - u štafelajnom slikarstvu. Čovjek i priroda bili su predmeti promatranja i prikazivanja holandskih umjetnika. Svakodnevno slikarstvo postaje jedan od vodećih žanrova, čiji su tvorci u istoriji dobili naziv "mali Holanđani". Zastupljene su i slike na jevanđeljskim i biblijskim scenama, ali ne u istoj mjeri kao u drugim zemljama. Holandija nikada nije imala veze sa Italijom, a klasična umetnost nije igrala istu ulogu kao u Flandriji.

Ovladavanje realističkim tendencijama, formiranje određenog spektra tema, diferencijacija žanrova kao jedinstvenog procesa, završeni su do 20-ih godina 17. stoljeća. Istorija Holanđana slikarstvo XVII V. savršeno pokazuje evoluciju rada jednog od najvećih holandskih portretista, Fransa Halsa (oko 1580-1666). U 10-30-im, Hals je mnogo radio u žanru grupnih portreta. Sa platna ovih godina izgledaju veseli, energični, preduzimljivi ljudi, sigurni u svoje sposobnosti i u budućnost („Streljački ceh svetog Adrijana“, 1627. i 1633.;

Streljački ceh sv. Đorđe", 1627.).

Pojedinačne portrete Khala istraživači ponekad nazivaju žanrovskim portretima zbog posebne specifičnosti slike. Hulseov skiciran stil, njegovo smelo pisanje, kada potez kista oblikuje i oblik i volumen i prenosi boju.

Na portretima Khala kasnog perioda (50-60-e) nestaje bezbrižna hrabrost, energija i pritisak u likovima prikazanih osoba. Ali je unutra kasni period kreativnost Hals dostiže vrhunac umijeća i stvara najdublja djela. Boja njegovih slika postaje gotovo jednobojna. Dvije godine prije smrti, 1664., Hals se ponovo vratio grupnom portretu. Slika dva portreta - regenta i regenta staračkog doma, u jednom od kojih je i sam našao utočište na kraju svog života. Na portretu regenta nema drugarstva prethodnih kompozicija, modeli su razjedinjeni, nemoćni, oči su im zamućene, na licima im je ispisana pustoš.

Halsova umjetnost je bila od velikog značaja za svoje vrijeme, uticala je na razvoj ne samo portreta, već i žanra svakodnevnog života, pejzaža, mrtve prirode.

Posebno je zanimljiv pejzažni žanr Holandije u 17. veku. Holandiju portretiraju Jan van Goyen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

heyday pejzažno slikarstvo u holandskoj školi datira od sredine 17. veka. Najveći majstor realističkog pejzaža bio je Jacob van Ruysdael (1628/29-1682) Njegova djela su obično ispunjena dubokom dramatikom, bilo da prikazuje šumske šikare („Šumska močvara“),

pejzaži sa vodopadima („Vodopad“) ili romantični pejzaž sa grobljem („Jevrejsko groblje“).

Priroda se u Ruisdaelu pojavljuje u dinamici, u vječnoj obnovi.

U bliskoj vezi sa holandskim pejzažom je animalistički žanr. Omiljeni motiv Alberta Cuypa su krave na pojilu ("Zalazak sunca na rijeci", "Krave na obali potoka").

U 20-30-im godinama XVII vijeka. Holanđani su stvorili posebnu vrstu slikanja malih figura. 40-60-e - procvat slikarstva, veličajući miran građanski život Holandije, odmjerenu svakodnevicu.

Adrian van Ostade (1610-1685) isprva prikazuje mračne strane života seljaštva ("Borba").

Od 1940-ih u njegovom stvaralaštvu satirične note sve više zamjenjuju humoristične („U seoskoj krčmi“, 1660).

Ponekad su ove male slike obojene velikim lirskim osjećajem. S pravom, Ostadeovim remek-djelom slikarstva smatra se njegov "Slikar u ateljeu" (1663), u kojem umjetnik veliča stvaralaštvo.

Ali glavna tema"Mali Holanđanin" i dalje nije seljački, već građanski život. Obično su to slike bez ikakvog fascinantnog zapleta. Najzabavniji pripovedač na slikama ove vrste bio je Jan Stan (1626-1679) ("Veselnici", "Igra tadla"). Gerard Terborch (1617-1681) postigao je još veću vještinu u tome.

Interijer postaje posebno poetičan među "malim Holanđanima". Pravi pjevač ove teme bio je Pieter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe s poluotvorenim prozorom, nehotice bačenim cipelama ili ostavljenom metlom često se prikazuju bez ljudske figure.

"Kavalir i dama na Spinetu",

“Oficir i djevojka koja se smije” itd., puni su duhovne jasnoće, mira i tišine.

Glavne prednosti Vermeera kao umjetnika su u prijenosu svjetlosti i zraka. Rastvaranje objekata u svjetlo-vazdušnom okruženju, sposobnost stvaranja ove iluzije, prije svega, odredilo je priznanje i slavu Vermeera upravo u 19. stoljeću.

Wermeer je radio ono što niko drugi nije radio u 17. vijeku: slikao je pejzaže iz prirode („Ulica“, „Pogled na Delft“).

Mogu se nazvati prvim primjerima plenerskog slikarstva.

Vrhunac holandskog realizma, rezultat likovnih dostignuća holandske kulture 17. stoljeća, je Rembrandtovo djelo. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) rođen je u Leidenu. Godine 1632. Rembrandt odlazi u Amsterdam, centar umjetničke kulture Holandije, što je prirodno privuklo mladog umjetnika. Tridesete su bile vrijeme najveće slave, put do kojega je slikaru otvorila velika naručena slika iz 1632. godine - grupni portret, poznat i kao "Anatomija dr Tulpa", ili "Lekcija anatomije".

Godine 1634. Rembrandt se ženi djevojkom iz bogate porodice - Saskiom van Uylenborch. Počinje najsrećniji period njegovog života. Postaje poznat i moderan umjetnik.

Cijeli ovaj period je prekriven romantikom. Rembrantov stav ovih godina najjasnije prenosi čuveni "Autoportret sa Saskiom na kolenima" (oko 1636.). Čitavo platno je prožeto iskrenom životnom radošću, veseljem.

Barokni jezik je najbliži izrazu visokog raspoloženja. I Rembrandt je u ovom periodu u velikoj mjeri pod utjecajem talijanskog baroka.

U složenim ranimiziranjima pred nama se pojavljuju likovi slike iz 1635. "Žrtva Abrahamova". Kompozicija je izuzetno dinamična, građena po svim pravilima baroka.

Istih 30-ih Rembrandt se po prvi put počeo ozbiljno baviti grafikom, posebno bakropisom. Rembrandtovi bakropisi su uglavnom biblijske i jevanđeljske teme, ali u crtežu, kao pravi holandski umjetnik, često se poziva i na žanr. Na prijelazu iz ranog razdoblja umjetnikovog stvaralaštva i njegove stvaralačke zrelosti, vidimo jednu od njegovih najpoznatijih slika, poznatu pod nazivom Noćna straža (1642.) - grupni portret puške čete kapetana Banning Cocka.

Proširio je opseg žanra, uvodeći više istorijska slika: Na signal za uzbunu, odred Banning Cocka kreće u pohod. Neki su mirni, samouvjereni, drugi uzbuđeni u iščekivanju onoga što slijedi, ali svi imaju izraz zajedničke energije, patriotskog entuzijazma, trijumfa građanskog duha.

Grupni portret pod kistom Rembrandta prerastao je u herojsku sliku epohe i društva.

Slika je već toliko potamnila da se smatralo slikom noćnog prizora, pa je otuda i njen pogrešan naziv. Senka koja leži sa lika kapetana na svetloj odeći poručnika dokazuje da ovo nije noć, već dan.

Sa smrću Saskije iste 1642. godine, dolazi do Rembrantovog prirodnog raskida sa njemu stranim patricijskim krugovima.

40-50-te su vrijeme kreativne zrelosti. U tom periodu često se okreće starim radovima kako bi ih preradio na novi način. To je bio slučaj, na primjer, sa Danaeom, koju je naslikao davne 1636. godine. Okrenuvši se slici 1940-ih, umjetnik je pojačao svoje emocionalno stanje.

Prepisao je središnji dio sa heroinom i sluškinjom. Dajući Danai novi gest podignute ruke, rekao joj je veliko uzbuđenje, izraz radosti, nade, privlačnosti.

Tokom 1940-ih i 1950-ih, Rembrandtovo umijeće je stalno raslo. Za tumačenje bira najlirskije, poetičke aspekte ljudskog postojanja, onog ljudskog, koji je vječan, sveljudski: majčinska ljubav, samilost. Sveto pismo mu daje najveći materijal, a iz njega - prizore života svete porodice, Rembrandt prikazuje jednostavan život, obični ljudi, kao na platnu" sveta porodica».

Posljednjih 16 godina su najtragičnije godine Rembrandtovog života; švorc je, nema naređenja. Ali ove godine pune su nevjerovatnih kreativnih aktivnosti, kao rezultat kojih nastaju slikovite slike, izuzetne po monumentalnosti likova i duhovnosti, duboko filozofska djela. Čak i mala Rembrandtova djela ovih godina odaju utisak izuzetne veličine i istinske monumentalnosti. Boja dobija zvučnost i intenzitet. Čini se da njegove boje zrače svjetlošću. Portreti pokojnog Rembranta veoma se razlikuju od portreta iz 30-ih, pa čak i 40-ih godina. To su krajnje jednostavne (polovične ili generacijske) slike ljudi koji su po svojoj unutrašnjoj strukturi bliski umjetniku. Najveću suptilnost karakteristika Rembrandt je postigao u autoportretima, kojih je do nas došlo stotinak. Završni u istoriji grupnog portreta bio je Rembrandtov prikaz starešina suknarske radnje - takozvanog "Sindikija" (1662), gde je Rembrandt škrtim sredstvima stvarao žive i istovremeno različite ljudske tipove, ali najviše. što je najvažnije, uspeo je da prenese osećaj duhovnog jedinstva, međusobnog razumevanja i odnosa ljudi.

U godinama zrelosti (uglavnom 50-ih), Rembrandt je stvorio svoje najbolje bakropise. Kao grafičar nema ravnog u svjetskoj umjetnosti. U svima njima, slike imaju duboku filozofsko značenje; govore o tajnama bića, o tragediji ljudskog života.

Mnogo se bavi crtanjem. Rembrandt je iza sebe ostavio 2000 crteža. To su skice iz prirode, skice za slike i preparati za bakropis.

U poslednjoj četvrtini XVII veka. počinje propadanje holandske slikarske škole, gubitak njenog nacionalnog identiteta, a od početka 18. veka počinje kraj velike ere holandskog realizma.

U 17. veku Holandija je postala uzorna kapitalistička zemlja. Vodila je ekstenzivnu kolonijalnu trgovinu, imala je moćnu flotu, brodogradnja je bila jedna od vodećih industrija. Čak su i engleski brodovlasnici često davali narudžbe holandskim brodogradilištima. Vrijedni farmeri, Holanđani su uspjeli stvoriti takvu farmu mlijeka na relativno malim područjima zemlje da su postali poznati na panevropskom tržištu. Krajem XVII - početkom XVIII vijeka. ulaskom Engleske i Francuske u međunarodnu trgovačku arenu, Holandija gubi svoj ekonomski i politički značaj, ali je tokom 17. veka bila vodeća ekonomska sila u Evropi.

Istovremeno, Holandija je tokom ovog perioda bila i najvažniji centar evropske kulture. Borba za nacionalnu nezavisnost, pobeda građanstva odredila je prirodu Holandije kultura XVII V. Protestantizam (kalvinizam kao njegov najteži oblik), koji je u potpunosti zamijenio utjecaj Katoličke crkve, doveo je do toga da sveštenstvo u Holandiji nije imalo toliki utjecaj na umjetnost kao u Flandriji, a još više u Španjolskoj ili Italiji. Univerzitet u Leidenu bio je centar slobodoumlja. Duhovna atmosfera pogodovala je razvoju filozofije, prirodnih nauka i matematike. Odsustvo bogatog patricija i katoličkog klera imalo je ogromne posljedice na razvoj holandske umjetnosti. Holandski umjetnici su imali još jednog kupca: građanke, holandski magistrat, koji nisu krasili palače i vile, već skromne nastambe ili javne zgrade - stoga slike u Holandiji ovog vremena nemaju iste dimenzije kao Rubensova ili Jordanova platna. , te odlučuju uglavnom štafelajne, ali nemonumentalno-dekorativne zadatke. U Holandiji crkva nije igrala ulogu kupca umjetničkih djela: hramovi nisu bili ukrašeni oltarnim slikama, jer je kalvinizam odbacio svaki nagovještaj luksuza; Protestantske crkve su bile jednostavne u arhitekturi i nisu bile ukrašene na bilo koji način iznutra.

Glavno dostignuće Holanđana Art XVIII veka - u štafelajnom slikarstvu. Čovjek i priroda bili su predmeti promatranja i prikazivanja holandskih umjetnika. Marljivost, marljivost, ljubav prema redu i čistoći ogledaju se u slikama koje prikazuju holandski način života. Svakodnevno slikarstvo postaje jedan od vodećih žanrova, čiji su tvorci u istoriji dobili ime „Mali Holanđani“, bilo zbog nepretencioznosti zapleta, bilo zbog male veličine slika, ili možda zbog oboje. Holanđani su željeli vidjeti cijeli raznoliki svijet u slikama. Otuda širok dijapazon slikarstva ovog stoljeća, „uska specijalizacija“ u određenim vrstama tema: portret i pejzaž, mrtva priroda i animalistički žanr. Postojala je čak i specijalizacija unutar žanra: večernji i noćni pejzaži (Art van der Neer), „noćne vatre“ (Ekbert van der Poel), zimski pejzaži (Averkamp), brodovi na putu (J. Porcellis), ravni pejzaž ( F. Konink); mrtve prirode - “doručci” (P. Klas i V. Heda) ili slike cvijeća i voća (B. van der Ast, J. van Huysum), crkveni interijeri (A. de Lorm) itd. Slike na evanđeosko i biblijsko Predstavljene su i teme, ali ne u istoj mjeri kao u drugim zemljama, kao i antička mitologija. Holandija nikada nije imala veze sa Italijom, a klasična umetnost nije igrala istu ulogu kao u Flandriji. Ovladavanje realističkim tendencijama, formiranje određenog spektra tema, diferencijacija žanrova kao jedinstvenog procesa, završeni su do 20-ih godina 17. stoljeća. Ali u kojem god žanru holandski majstori rade, svuda gdje nađu poetsku ljepotu u običnom, znaju kako produhoviti i uzdignuti svijet materijalnih stvari.

Istorija holandskog slikarstva 17. veka. savršeno pokazuje evoluciju rada jednog od najvećih holandskih portretista, Fransa Halsa (oko 1580-1666). U 10-30-im, Hals je mnogo radio u žanru grupnih portreta. Ovo je u osnovi prikaz puškarskih cehova - korporacija oficira za odbranu i zaštitu gradova. Građani su željeli da budu ovjekovječeni na platnu, dali su određeni doprinos za pravo da budu prikazani, a umjetnik je morao zapamtiti podjednaku pažnju prema svakom modelu. Ali nije portretna sličnost ono što nas osvaja u ovim Halsovim radovima. Oni izražavaju ideale mlade republike, osjećaj slobode, jednakosti i drugarstva. Sa platna ovih godina izgledaju veseli, energični, preduzimljivi ljudi, sigurni u svoje sposobnosti i u budućnost („Streljački ceh svetog Adrijana“, 1627. i 1633.; „Streljački ceh Svetog Đorđa“, 1627.). Khale ih obično prikazuje u drugarskoj gozbi, u veseloj gozbi. Velike veličine horizontalno izdužena kompozicija, široko samouvjereno pisanje, intenzivne, zasićene boje (žuta, crvena, plava itd.) stvaraju monumentalni karakter slike. Umjetnik djeluje kao historiograf čitave epohe.

Pojedinačne portrete Khala istraživači ponekad nazivaju žanrovskim portretima zbog posebne specifičnosti slike, određene metode karakterizacije. Ima nečeg nesigurnog u Heithuizenovom ljuljačkom držanju, njegovom izrazu lica kao da će se promijeniti. Portret pijane starice, „Harlemske veštice“, vlasnice kafane Malle Babbe (početke 30-ih), sa sovom na ramenu i kriglom piva u ruci, nosi obeležja žanrovske slike. Hulseov skiciran stil, njegovo smelo pisanje, kada potez kista oblikuje i oblik i volumen i prenosi boju; potez kistom sada hrabar, pastozan, gusto prekriva platno, a zatim omogućava da se prati ton tla, naglašavajući jedan detalj i potenciranje drugog, unutrašnja dinamika, sposobnost da se cjelina odredi jednim nagovještajem - to je tipične karakteristike Khals rukopis.

F. Hals. Streljački ceh sv. George. Fragment. Harlem, Hals muzej

F Hulse Portret Willema van Heytheizena. Brisel, Muzej likovnih umjetnosti

G. Terborch. Koncert. Berlin, muzej

Na portretima Khala kasnog perioda (50-60-e) nestaje bezbrižna hrabrost, energija i pritisak u likovima prikazanih osoba. Na muškom portretu Ermitaža, uz svu upečatljivost figure, može se pratiti čak i malo razmetljivosti, umora i tuge. Ove crte su još više pojačane u briljantno naslikanom portretu čovjeka u šešir širokog oboda iz muzeja u Kasselu (60-ih godina). Hale ovih godina prestaje biti popularan, jer nikad ne laska i ispada da je stran preporođenim ukusima bogatih kupaca koji su izgubili demokratski duh. Ali upravo u kasnom periodu svog rada Halé dostiže vrhunac majstorstva i stvara najdublja djela. Boja njegovih slika postaje gotovo jednobojna. Obično je tamna, crna odjeća, s bijelim ovratnikom i manžetama, te tamnomaslinaste pozadine. Lakonska slikovna paleta izgrađena je, međutim, na najfinijim gradacijama.

Dvije godine prije smrti, 1664., Hale se vratio grupnom portretu. Slika dva portreta - regenta i regenta staračkog doma, u jednom od kojih je i sam našao utočište na kraju svog života. Na portretu regenta nema drugarstva prethodnih kompozicija, modeli su razjedinjeni, nemoćni, oči su im zamućene, na licima im je ispisana pustoš. Sumorni kolorit (crna, siva i bijela) posebno naglašava ružičasto-crvena mrlja od tkanine na kolenu jednog od regenta. Dakle, u devetoj deceniji, bolesni, usamljeni i osiromašeni umetnik stvara svoja najdramatičnija i najizvrsnija dela veštine.

V. Kheda. Doručak sa pitom od kupina. Drezden, galerija

Halsova umjetnost je bila od velikog značaja za svoje vrijeme, uticala je na razvoj ne samo portreta, već i žanra svakodnevnog života, pejzaža, mrtve prirode.

Posebno je zanimljiv pejzažni žanr Holandije u 17. veku. Ovo uopšte nije priroda, neki ukupna slika univerzuma, već nacionalnog, odnosno holandskog pejzaža, koji prepoznajemo u modernoj Holandiji: čuveni vjetrenjače, pustinjske dine, kanali po kojima ljeti klize čamci, a zimi sa klizačima. Vazduh je zasićen vlagom. Sivo nebo zauzima veliko mjesto u kompozicijama. Ovako Holandiju prikazuju Jan van Gojen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Procvat pejzažnog slikarstva u holandskoj školi datira iz sredine 17. veka. Najveći majstor realističkog pejzaža bio je Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), umjetnik neiscrpne mašte. Njegova djela obično su puna duboke dramatike, bilo da prikazuje šumske šikare („Šumska močvara“), pejzaže sa vodopadima („Vodopad“) ili romantični pejzaž sa grobljem („Jevrejsko groblje“). Priroda se u Ruisdaelu pojavljuje u dinamici, u vječnoj obnovi. I najjednostavniji motivi prirode pod umjetnikovim kistom dobivaju monumentalni karakter. Ruisdael ima tendenciju da kombinira pažljivo pisanje s velikom vitalnošću, sa sintetičkom slikom.

P. de Hach. Dvorište. London, National Gallery

Samo Jan Porcellis (oko 1584-1632) bavio se morskim pejzažom (marina). Pored realističkog, čisto holandskog pejzaža, postojao je u to vreme još jedan pravac: pejzaži italijanske prirode, animirani mitološkim likovima, likovima ljudi i životinja.

U bliskoj vezi sa holandskim pejzažom je animalistički žanr. Omiljeni motiv Alberta Cuypa su krave na pojilu ("Zalazak sunca na rijeci", "Krave na obali potoka"). Paul Potter, pored općih planova, voli prikazati jednu ili više životinja u krupnom planu u pozadini pejzaža (“Pas na lancu”).

Briljantan razvoj dostiže mrtvu prirodu. Holandska mrtva priroda, za razliku od flamanske, skromna je po veličini i motivima za slike intimne prirode. Pieter Klas (oko 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) najčešće je prikazivao takozvane doručke: jela sa šunkom ili pitom na relativno skromno posluženom stolu. U vještom rasporedu, predmeti su prikazani na takav način da se osjeća, takoreći, unutrašnji život stvari (Nizozemci nisu uzalud mrtvu prirodu nazvali "stilliven" - "mirni život", a ne " nature morte" - "mrtva priroda". Istina, kako je ispravno primetio I. V. Linnik, "tihi život" je kasniji poetski prevod (na jeziku 17. veka značio je "nepokretni model", što je više u skladu sa praktičnom oštroumnošću i poslovni pristup Holanđana tog vremena). Kolor je suzdržan i rafiniran (Heda. "Doručak s jastogom", 1648; razred. "Mrtva priroda sa svijećom", 1627).

Wermeer od Delfta. Glava devojke. Fragment. Hag, Mauritshuis

Promjenom života holandskog društva u drugoj polovini 17. vijeka, postepenim porastom želje buržoazije za aristokratizacijom i gubitkom nekadašnje demokratije, mijenja se i priroda mrtve prirode. Khedini "doručci" ustupaju mjesto Kalfovim raskošnim "desertima". Jednostavno posuđe zamjenjuju mramorni stolovi, stolnjaci od tepiha, srebrni pehari, školjke od sedefa i kristalne čaše. Kalf postiže zadivljujuću virtuoznost u prenošenju teksture breskve, grožđa i kristalnih površina. Jedinstveni ton mrtvih priroda nekadašnjeg perioda zamijenjen je bogatom gradacijom najizvrsnijih šarenih nijansi.

Holandska mrtva priroda jedna je od umjetničkih implementacija najvažnije teme holandske umjetnosti - teme privatnog života običnog čovjeka. Ova tema je u potpunosti utjelovljena u žanrovskoj slici. U 20-30-im godinama XVII vijeka. Holanđani su stvorili posebnu vrstu slikanja malih figura. 40-60-e - procvat slikarstva, veličajući miran građanski život Holandije, odmjerenu svakodnevicu. Ali čak i u krugu Fransa Halsa, gdje se razvijao i Adrian Brouwer, flamanski slikar, formiralo se izrazito interesovanje za teme iz seljačkog života. Adrian van Ostade (1610-1685) isprva prikazuje mračne strane života seljaštva ("Borba"). Od 1940-ih u njegovom stvaralaštvu satirične note sve više zamjenjuju humoristične („U seoskoj krčmi“, 1660). Ponekad su ove male slike obojene velikim lirskim osjećajem. S pravom, Ostadeovim remek-djelom slikarstva smatra se njegov "Slikar u ateljeu" (1663), u kojem umjetnik veliča stvaralaštvo, ne pribjegavajući ni deklaraciji ni patosu.

Ali glavna tema "malih Holanđana" i dalje nije seljački, već građanski život. Obično su to slike bez ikakvog fascinantnog zapleta. Na slikama ovog žanra, kao da se ništa ne dešava. Žena čita pismo, gospodin i dama puštaju muziku. Ili su se tek upoznali i među njima se rađa prvi osjećaj, ali to se samo ocrtava, gledaocu se daje pravo da sam spekuliše.

Najzabavniji pripovedač na slikama ove vrste bio je Jan Stan (1626-1679) ("Veselnici", "Igra tadla"). Spori ritam života, pravilnost dnevne rutine, izvjesnu monotoniju postojanja savršeno je prenio Gabriel Metsu (1629-1667, "Doručak", "Bolesnik i doktor"),

Gerard Terborch (1617-1681) postigao je još veću vještinu u tome. Počeo je s najdemokratičnijim zapletima (The Grinder), ali s promjenom ukusa holandskih burgera, prešao je na aristokratskije modele i ovdje je postigao veliki uspjeh.

Interijer postaje posebno poetičan među "malim Holanđanima". Život Holanđana odvijao se uglavnom u kući, a Pieter de Hooch (1629-1689) postao je pravi pjevač ove teme. Njegove sobe sa poluotvorenim prozorom, sa nehotice bačenim cipelama ili ostavljenom metlom često su prikazane bez ljudske figure, ali je ovde nevidljivo prisutna osoba, uvek postoji veza između enterijera i ljudi. Kad prikazuje ljude, on namjerno naglašava određeni zamrznuti ritam, prikazuje život kao zamrznut, nepomičan kao i same stvari („Gospodarica i sluga“, „Dvorište“).

Rembrandt. Anatomija dr Tulpa. Hag, Mauritshuis

Nova etapa žanrovskog slikarstva počinje 50-ih godina i vezuje se za takozvanu Delftsku školu, sa imenima umetnika kao što su Karel Fabritius, Emmanuel de Witte i Jan Vermeer, poznatiji u istoriji umetnosti kao Vermer od Delfta (1632-1675). ). Vermeer je bio jedan od onih umjetnika koji su predodredili mnoga koloristička traženja 19. stoljeća i na mnogo načina utrli put impresionistima, iako se čini da Vermerove slike nisu ni na koji način originalne. Ovo su iste slike smrznutog građanskog života: čitanje pisma, gospodin i dama koji razgovaraju, sobarice koje rade u jednostavnom domaćinstvu, pogledi na Amsterdam ili Delft. Vermeerova rana slika "Kod šibica" (1656) neobično je (za "male Holanđane") velikih dimenzija, monumentalnog oblika, rezonantne bojom velikih lokalnih mrlja: crvene odjeće kavalira, žute haljine i djevojački bijeli šal.

Kasnije će Vermeer napustiti velike veličine i slikati ista mala platna koja su bila prihvaćena u žanrovskom slikarstvu tog vremena. Ali ove slike, jednostavne na djelu: „Djevojka čita pismo“, „Kavalir i dama na spinetu“, „Oficir i djevojka koja se smije“, itd., pune su duhovne jasnoće, mira i tišine. Glavne prednosti Vermeera kao umjetnika su u prijenosu svjetlosti i zraka. Kombinira široku četku s malim potezom, usklađujući svjetlost i boju. Rastvaranje objekata u svjetlo-vazdušnom okruženju, sposobnost stvaranja ove iluzije, prije svega, odredilo je priznanje i slavu Vermeera upravo u 19. stoljeću. Kasnije je Vermerovo pisanje postalo stopljenije, glatko, izgrađeno na nežnim kombinacijama plave, žute, plave, ujedinjeno neverovatnom bisernom, čak i biserno sivom („Devojačka glava“).

Wermeer je radio ono što niko drugi nije radio u 17. vijeku: slikao je pejzaže iz prirode („Ulica“, „Pogled na Delft“). Mogu se nazvati prvim primjerima plenerskog slikarstva. Zrela, klasična u svojoj jednostavnosti, Vermerova umjetnost bila je od velikog značaja za buduća razdoblja.

Vrhunac holandskog realizma, rezultat likovnih dostignuća holandske kulture 17. stoljeća, je Rembrandtovo djelo. Ali značaj Rembrandta, kao i svakog drugog briljantnog umjetnika, nadilazi granice samo holandske umjetnosti i holandske škole.

Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) rođen je u Leidenu, kao sin prilično prosperitetnog vlasnika mlina, a nakon latinske škole kratko je studirao na Univerzitetu u Leidenu, ali ga je ostavio da studira slikarstvo, prvo sa malo poznatog domaćeg majstora, a potom i s amsterdamskim umjetnikom Pieterom Lastmanom.

Period studiranja bio je kratak, i ubrzo je Rembrandt otišao u svoj rodni grad da samostalno slika u svojoj radionici. Stoga se godine 1625-1632 obično nazivaju Lajdenskim periodom njegovog rada. Ovo je vrijeme formiranja umjetnika, njegove najveće strasti prema Caravaggiu, majstorski manir je u tom periodu još uvijek bio prilično suvoparan, a interpretacija zapleta često melodramatična. To je period kada se prvi put okreće bakropisu.

Godine 1632. Rembrandt odlazi u Amsterdam, centar umjetničke kulture Holandije, što je prirodno privuklo mladog umjetnika. Tridesete su bile vrijeme najveće slave, put do kojega je slikaru otvorila velika naručena slika iz 1632. godine - grupni portret, poznat i kao "Anatomija dr Tulpa", ili "Lekcija anatomije". Na Rembrandtovom platnu ljudi su ujedinjeni akcijom, svi su predstavljeni u prirodnim pozama, njihova pažnja je privučena glavnom. glumac-Dr Tulp, demonstrirajući strukturu mišića u "iscijepanom" lešu. Kao pravi Holanđanin, Rembrandt se ne boji realističnih detalja, kao veliki umjetnik, zna kako izbjeći naturalizam. Godine 1634. Rembrandt se ženi djevojkom iz bogate porodice - Saskiom van Uylenborch - i od tada ulazi u patricijske krugove. Počinje najsrećniji period njegovog života. Postaje poznat i moderan umjetnik. Njegova kuća privlači najbolje predstavnike aristokratije duha i bogate kupce, ima veliku radionicu, u kojoj sa uspjehom rade njegovi brojni učenici. Značajno naslijeđe Saskije i njegova vlastita djela daju materijalnu slobodu.

Cijeli ovaj period je prekriven romantikom. Slikar, takoreći, posebno nastoji u svom radu da pobjegne od dosadne građanske svakodnevice i slika sebe i Saskiju u luksuznim odjevnim kombinacijama, u fantastičnoj odjeći i ukrasima za glavu, stvarajući spektakularne kompozicije, izražavajući u složenim okretima, pozama, pokretima različita stanja. u kojoj preovladava ono zajedničko – radost bića. Ovo raspoloženje izraženo je u jednom autoportretu zbirke Louvre iz 1634. i na portretu Saskije iz muzeja u Kaselu (iste godine), kao i na ermitažnoj slici Saskije kao Flore. Ali, možda, Rembrantov stav ovih godina najjasnije prenosi čuveni “Autoportret sa Saskiom na koljenima” (oko 1636.). Čitavo platno je prožeto iskrenom životnom radošću, veseljem. Ova osjećanja prenosi domišljat izraz blistavog lica samog umjetnika, koji kao da je postigao sve ovozemaljske blagoslove; cijela pratnja, od bogate odjeće do svečano podignute kristalne čaše u ruci; ritam plastičnih masa, bogatstvo nijansi boja, modeliranje svjetla i sjene, koje će postati glavno izražajno sredstvo u Rembrandtovom slikarstvu. očaravajuće, vilinski svijet... Barokni jezik je najbliži izrazu visokog raspoloženja. I Rembrandt je u ovom periodu u velikoj mjeri pod utjecajem talijanskog baroka.

U složenim ranimiziranjima pred nama se pojavljuju likovi slike iz 1635. "Žrtva Abrahamova". Sa Isakovog tijela, ispruženog u prvom planu i izražavajući potpunu bespomoćnost žrtve, pogled gledatelja skreće u dubinu - na lik starijeg Abrahama i Božjeg glasnika, anđela, koji izbija iz oblaka. Kompozicija je izuzetno dinamična, građena po svim pravilima baroka. Ali na slici postoji nešto što u njoj razlikuje upravo Rembrandtovsku prirodu kreativnosti: prodoran trag stanje uma Abraham, koji pri iznenadnoj pojavi anđela nije imao vremena da osjeti ni radost oslobođenja od strašne žrtve, ni zahvalnost, već do sada osjeća samo umor i zbunjenost. Najbogatije mogućnosti Rembranta kao psihologa sasvim su očigledne na ovoj slici.

Istih 30-ih Rembrandt se po prvi put počeo ozbiljno baviti grafikom, posebno bakropisom. Naslijeđe Rembrandta, grafičara, koji je ostavio i gravure i unikatne crteže, nije ništa manje značajno od slike. Rembrandtovi bakropisi su uglavnom biblijske i jevanđeljske teme, ali u crtežu, kao pravi holandski umjetnik, često se poziva i na žanr. Istina, Rembrandtov talenat je toliki žanrovski rad počinje zvučati pod njegovom rukom kao filozofska generalizacija.

Na prijelazu iz ranog razdoblja umjetnikovog stvaralaštva i njegove stvaralačke zrelosti, vidimo jednu od njegovih najpoznatijih slika, poznatu pod nazivom Noćna straža (1642.) - grupni portret puške čete kapetana Banning Cocka.

Ali grupni portret je samo formalni naziv rada, koji proizlazi iz želje kupca. Rembrandt je odstupio od uobičajene kompozicije grupnog portreta-slike gozbe, tokom koje je svaki od portreta "prezentovan". On je proširio okvire žanra, dajući prilično istorijsku sliku: na znak uzbune, odred Banning Cocka kreće u pohod. Neki su mirni, samouvjereni, drugi uzbuđeni u iščekivanju onoga što slijedi, ali svi imaju izraz zajedničke energije, patriotskog entuzijazma, trijumfa građanskog duha.

Slika ljudi koji ispod nekakvog luka izlaze na jarku sunčevu svjetlost puna je odjeka herojske ere holandske revolucije, vremena trijumfa republikanske Holandije. Grupni portret pod kistom Rembrandta prerastao je u herojsku sliku epohe i društva.

Ali samo ovo raspoloženje bilo je strano građanstvu Holandije iz sredine stoljeća, nije odgovaralo ukusima kupaca, a tehnike slikanja bile su protiv općeprihvaćenih. Spektakularna, nesumnjivo pomalo teatralna, izrazito slobodna kompozicija, kao što je već spomenuto, nije imala za cilj da predstavlja svakog od kupaca. Mnoga lica se jednostavno slabo "čitaju" u ovom oštrom chiaroscuru, u ovim kontrastima gustih senki i jarke sunčeve svetlosti, u koje ulazi odred (u 19. veku slika je već toliko potamnila da se smatrala slikom noćnog prizora , pa otuda i njegov pogrešan naziv. Senka, koja se spušta sa lika kapetana na svetlu odeću poručnika, dokazuje da nije noć, već dan).

Gledaocu se činilo neshvatljivim i apsurdnim da se u ovoj sceni pojavljuju stranci, posebno djevojčica u zlatno žutoj haljini, koja se uvlači u gomilu ratobornih muškaraca. Sve je ovdje izazvalo zbunjenost i iritaciju javnosti, a može se reći da ovom slikom počinje i produbljuje se sukob umjetnika i društva. Sa smrću Saskije iste 1642. godine, dolazi do Rembrantovog prirodnog raskida sa njemu stranim patricijskim krugovima.

40-50-te su vrijeme kreativne zrelosti. Nije se promijenio samo Rembrandtov vanjski život, već se prije svega promijenio i on sam. Ovo je vrijeme formiranja njegovog stvaralačkog sistema iz kojeg će mnogo toga postati prošlost i u kojem će se steći druge, neprocjenjive kvalitete. U tom periodu često se okreće starim radovima kako bi ih preradio na novi način. To je bio slučaj, na primjer, s Danaeom, koju je napisao još 1636. Već tada je glavno bilo izraženo u ovoj slici: čulni princip, paganski, donekle „Ticijan“ je u njemu bio samo dio općenito u izražavanju složenih emocionalnih iskustava, jedan duhovni impuls. Klasičan, lijep, ali i apstraktan po svojoj ljepoti ideal zamijenjen je izrazom istine života, svijetle individualnosti fizičkog skladišta. Ovo ružno tijelo dočarano je krajnje realistično. Ali Rembrandt nije bio zadovoljan vanjskom istinom. Okrenuvši se slici 40-ih godina, umjetnik je ojačao emocionalno stanje. Prepisao je središnji dio sa heroinom i sluškinjom. Dajući Danai novi gest podignute ruke, rekao joj je veliko uzbuđenje, izraz radosti, nade, privlačnosti. Promijenio se i stil pisanja. U netaknutim dijelovima slika je u hladnim tonovima, forma je pažljivo razrađena; kod prepisanih dominira toplo, zlatno smeđe, podebljano, slobodno pisanje. Svjetlost igra ogromnu ulogu: svjetlosni tok, takoreći, obavija lik Danae, sva blista od ljubavi i sreće, ova svjetlost se doživljava kao izraz ljudskih osjećaja.

Tokom 1940-ih i 1950-ih, Rembrandtovo umijeće je stalno raslo. Za tumačenje bira najlirskije, poetičke aspekte ljudskog postojanja, onog ljudskog, što je vječno, sveljudsko: majčinska ljubav, saosećanje. Najveću građu mu daje Sveto pismo, a iz njega prizore iz života svete porodice, scene iz života Tobije. U djelima ovog perioda nema vanjskih efekata. Rembrandt prikazuje jednostavan život, obične ljude, kao na platnu „Sveta porodica“: samo anđeli koji silaze u sumrak siromašne kuće podsjećaju nas da ovo nije obična porodica. Gest majčine ruke, zabacivanje baldahina da pogleda uspavano dijete, koncentracija u liku Josipa - sve je duboko promišljeno. Jednostavnost života i izgled ljudi ne utemeljuje temu. Rembrandt zna kako da u svakodnevnom životu vidi ne sitno i obično, već duboko i trajno. Iz ovog platna izbija mirna tišina radnog života, svetost majčinstva. Ogromnu ulogu u Rembrandtovim slikama igra chiaroscuro - osnova njegove umjetničke strukture. Kolorom dominiraju tonski odnosi, u koje Rembrandt voli da unosi jake mrlje čiste boje. U Svetoj porodici, crveni pokrivač na kolevci služi kao takvo sjedinjujuće mesto.

Veliko mjesto u Rembrandtovom stvaralaštvu zauzima pejzaž, kako slikovit tako i grafički (baktura i crtež). U prikazu stvarnih kutaka zemlje, zna kako se, baš kao u tematskoj slici, izdići iznad običnog („Pejzaž s mlinom“).

Posljednjih 16 godina su najtragičnije godine Rembrandtovog života; propao je, nema naređenja, nema svoju kuću, izgubio je svu rodbinu, voljene, a izdaju ga čak i učenici. Ali ove godine pune su nevjerovatnih stvaralačkih aktivnosti, kao rezultat kojih su nastale slikovite slike, izuzetne po monumentalnosti likova i duhovnosti, duboko filozofska i visoko etička djela. Na ovim Rembrantovim slikama sve je očišćeno od prolaznog, slučajnog. Detalji su svedeni na minimum, gestovi, položaji, nagibi glave su pažljivo promišljeni i shvaćeni. Figure su uvećane, blizu prednje ravni platna. Čak i mala Rembrandtova djela ovih godina odaju utisak izuzetne veličine i istinske monumentalnosti. Glavna izražajna sredstva nisu linije i mase, već svjetlost i boja. Kompozicija je u velikoj mjeri izgrađena na balansu zvukova boja. Bojama dominiraju nijanse crvene i smeđe, kao da gori iznutra.

Boja dobija zvučnost i intenzitet. Za pokojnog Rembranta bi bilo tačnije reći da je njegova boja „blistava“, jer su na njegovim platnima svjetlost i boja jedno, njegove boje kao da zrače svjetlošću. Ova složena interakcija boje i svjetlosti nije sama sebi svrha, ona stvara određeno emocionalno okruženje i psihološke karakteristike slike.

Portreti pokojnog Rembranta veoma se razlikuju od portreta iz 30-ih, pa čak i 40-ih godina. Ove krajnje jednostavne (polovične ili generacijske) slike ljudi bliskih umjetniku po svojoj unutrašnjoj strukturi uvijek su figurativni izraz višestruke ljudske ličnosti, zadivljujući majstorskom sposobnošću da prenese nestabilna, neuhvatljiva duhovna kretanja.

Rembrandt je znao kako da napravi portret-biografiju; ističući samo lice i ruke, izrazio je čitavu životnu priču („Portret starca u crvenom“, oko 1654.). Ali Rembrandt je najveću suptilnost karakteristika postigao u autoportretima, kojih je do nas došlo oko stotinu i na kojima se savršeno prati beskrajna raznolikost psiholoških aspekata, raznolikost Rembrandtovih karakteristika. Nakon svečanih portreta 1930-ih, pred nama se pojavljuje još jedna interpretacija slike; pun visokog dostojanstva i izuzetne jednostavnosti, čovjek u najboljim godinama na portretu iz Bečke zbirke iz 1652. godine; ove osobine će vremenom postati dominantne, kao i izraz snage i stvaralačke snage (portret iz 1660.).

Završni u istoriji grupnog portreta bio je Rembrandtov prikaz starešina suknarske radnje - takozvanih „Sindica“ (1662), gde je Rembrandt škrtim sredstvima stvarao žive i istovremeno različite ljudske tipove, ali najviše. što je najvažnije, uspeo je da prenese osećaj duhovnog jedinstva, međusobnog razumevanja i povezanosti ljudi koji su ujedinili jedno delo i zadatke koje ni Hals nije uspeo da uradi.

U godinama zrelosti (uglavnom 50-ih), Rembrandt je stvorio svoje najbolje bakropise. Kao grafičar nema ravnog u svjetskoj umjetnosti. Njegova tehnika bakropisa je izuzetno komplikovana i obogaćena. Grafiku dodaje tehniku “suhe igle”, nanosi boju na različite načine prilikom štampe, ponekad vrši izmjene na ploči nakon prijema prvih otisaka, zbog čega su mnogi bakropisi poznati u više država. Ali u svima njima slike imaju duboko filozofsko značenje; govore o tajnama bića, o tragediji ljudskog života. I još jedna odlika Rembrandtovih bakropisa ovog perioda: oni izražavaju simpatiju prema patnicima, siromašnima, neuništivo osjećanje samog umjetnika za pravdu i dobrotu.

U Rembrandtovoj grafiki demokratizam njegovog svjetonazora se u potpunosti manifestirao (Slijepi Tobit, Silazak s krsta, Pogreb, Poklonstvo pastira, Tri krsta, 1653. i 1660.).

Mnogo se bavi crtanjem. Rembrandt je iza sebe ostavio 2000 crteža. To su skice iz prirode, skice za slike i preparati za bakropis. Rembrandtovi tehnički briljantni, besprijekorni crteži pokazuju njegovu uobičajenu evoluciju: od razrade detalja i kompozicione složenosti do upečatljivog lakonizma i klasično jasne veličanstvene jednostavnosti.

Epilogom Rembrandtovog stvaralaštva može se smatrati njegova poznata slika "Razgubni sin" (oko 1668-1669), u kojoj su se najpotpunije ispoljile etička visina i slikarska vještina umjetnika. Radnja biblijske parabole o raskalašenom sinu, koji se nakon mnogih lutanja vratio u očevu kuću, i ranije je privlačila Rembranta, o čemu svjedoči jedan od njegovih ranih bakropisa i nekoliko crteža. U ovoj grupi - u liku raščupanog mladića koji je pao na koljena i starca koji je položio ruke na njegovu obrijanu glavu - najveća napetost osjećanja, emocionalni šok, sreća povratka i pronalaska, roditeljska ljubav bez dna, ali takođe gorčina razočaranja, gubitaka, poniženja, stida i pokajanja. Ova Nehumanost čini scenu razumljivom različiti ljudi svih vremena i daje joj besmrtnost. Ovdje je posebno upečatljivo kolorističko jedinstvo. Od narandžasto-crvenih tonova pozadine - sve je to jedan slikovni tok, koji se doživljava kao izraz jednog osjećaja.

Rembrandt je imao ogroman uticaj na umetnost. Nije bilo slikara u Holandiji koji nije iskusio uticaj velikog umetnika. Imao je mnogo učenika. Oni su asimilirali sistem Rembrandtovog chiaroscura, ali Rembrandtovo shvatanje ljudska ličnost Naravno, nisu je mogli dobiti. Stoga neki od njih nisu otišli dalje od vanjskog oponašanja učitelja, a većina ga je promijenila, prešavši na poziciju akademizma i imitacije tada modnih Flamanaca, a potom i Francuza.

U poslednjoj četvrtini XVII veka. počinje propadanje holandske slikarske škole, gubitak njenog nacionalnog identiteta, a od početka 18. veka počinje kraj velike ere holandskog realizma.

Holandski umjetnici dali su veliki doprinos stvaralaštvu majstora koji su svoj rad započeli u 17. vijeku i nisu prestali do danas. Međutim, oni su imali uticaj ne samo na svoje kolege, već i na profesionalce u književnosti (Valentin Prust, Donna Tartt) i fotografiji (Ellen Cooy, Bill Gekas i drugi).

Početak razvoja

Godine 1648. Holandija je stekla nezavisnost, ali je za formiranje nove države Holandija morala da pretrpi čin osvete Španije, koja je u to vreme uništila oko 10 hiljada ljudi u flamanskom gradu Antverpenu. Kao rezultat masakra, stanovnici Flandrije su emigrirali sa teritorija pod kontrolom španskih vlasti.

Na osnovu toga, logično bi bilo priznati da je poticaj za samostalne holandske umjetnike došao upravo iz flamanskog stvaralaštva.

Od 17. vijeka javljaju se i državne i umjetničke grane, što dovodi do formiranja dvije umjetničke škole, razgraničene po nacionalnosti. Imali su zajedničko porijeklo, ali su se po znacima dosta razlikovali. Dok je Flandrija ostala pod okriljem katolicizma, Holandija je od 17. vijeka doživjela potpuno novi procvat.

Holandska kultura

U 17. veku nova država je tek krenula putem svog razvoja, potpuno prekinuvši vezu sa umetnošću prošlog vremena.

Borba sa Španijom je postepeno jenjavala. Nacionalno raspoloženje počelo se pratiti u narodnim krugovima odlaskom od ranije nametnute katoličke vjere od strane vlasti.

Protestantska dominacija imala je kontroverzan pogled na dekoraciju, što je dovelo do smanjenja rada na vjerskim temama, a kasnije je samo išlo na ruku sekularnoj umjetnosti.

Nikada ranije stvarna okolna stvarnost nije bila tako često prikazana na slikama. U svojim radovima holandski umjetnici su željeli prikazati običnu svakodnevicu bez uljepšavanja, istančanog ukusa i plemenitosti.

Sekularna umjetnička eksplozija iznjedrila je tako brojne trendove kao što su pejzaž, portret, svakodnevni žanr i mrtva priroda (za koje čak ni najrazvijeniji centri Italije i Francuske nisu znali da postoje).

Vlastita vizija realizma holandskih umjetnika, izražena u portretima, pejzažima, unutrašnjim radovima i mrtvim prirodama, izazvala je interesovanje svih sektora društva za ovu vještinu.

Tako Holanđani umjetnost XVII stoljeće prozvano "Zlatno doba holandskog slikarstva", osiguravajući status najistaknutije ere u slikarstvu Holandije.

Važno je znati: postoji pogrešno mišljenje da je holandska škola opisivala samo osrednjost ljudskog postojanja, ali su majstori tog vremena drsko uništili okvir uz pomoć svojih fantastičnih djela (na primjer, "Pejzaž s Ivanom Krstiteljem " od Blumarta).

Holandski umetnici 17. veka. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijn se smatra jednom od najvećih umjetničkih ličnosti u Holandiji. Pored aktivnosti umjetnika, bavio se i graviranjem i s pravom se smatrao majstorom chiaroscura.

Njegova zaostavština je bogata individualnom raznolikošću: portreti, žanrovske scene, mrtve prirode, pejzaži, kao i slike na teme iz istorije, religije i mitologije.

Njegova sposobnost da savlada chiaroscuro omogućila je da se poboljša emocionalna ekspresivnost i duhovnost osobe.

Radeći na portretima, radio je na ljudskim izrazima lica.

U vezi sa srceparajućim tragičnim događajima, njegova kasnija djela bila su ispunjena prigušenim svjetlom koje otkriva duboka osjećanja ljudi, zbog čega briljantna djela nikoga nisu zanimala.

U to vrijeme u modi je bila vanjska ljepota bez ikakvih pokušaja zarona u dubinu, kao i naturalizam koji je bio u suprotnosti sa čistim realizmom.

Slika „Povratak rasipni sin„Svaki ruski ljubitelj likovne umjetnosti može vidjeti svojim očima, budući da se ovo djelo nalazi u Ermitažu u Sankt Peterburgu.

Frans Hals

Frans Hals je veliki holandski umjetnik i veliki slikar portreta koji je pomogao uvođenju žanra slobodnog pisanja u rusku umjetnost.

Djelo koje mu je donijelo slavu je slika pod nazivom "Gozba oficira streljačke čete Svetog Đorđa", napisana 1616. godine.

Njegov portretni rad za to vrijeme bio je previše prirodan, što nije u skladu sa današnjim danom. Zbog činjenice da je umjetnik ostao neshvaćen, on je, kao i veliki Rembrandt, završio svoj život u siromaštvu. Ciganka (1625-1630) jedno je od njegovih najpoznatijih djela.

Jan Steen

Jan Steen jedan je od najduhovitijih i najsmješnijih holandskih umjetnika na prvi pogled. Rugajući se društvenim porocima, volio je pribjeći vještini društvene satire. On, zabavljajući gledaoca bezopasnim, smiješne slike veseljaci i dame lake vrline, zapravo su upozoravali na takav stil života.

Umjetnik je imao i mirnije slike, na primjer, rad "Jutarnji toalet", koji je na prvi pogled izgledao kao apsolutno nevina akcija. Ali ako pažljivo pogledate detalje, možete biti prilično iznenađeni njihovim otkrićima: to su tragovi čarapa koje su vam prethodno stezale noge, i lonac pun nečim nepristojnim noću, kao i pas koji sebi dozvoljava da bude u pravu. na jastuku domaćice.

U najboljim vlastitim radovima umjetnik je bio ispred svojih kolega u elegantno vještoj kombinaciji paleta boja i majstorstvu sjena.

Ostali holandski umjetnici

U ovom članku navedene su samo tri bistre osobe od desetina koji su dostojni da budu u rangu s njima na istoj listi:

Dakle, u ovom članku ste se upoznali sa holandskim umjetnicima 17. stoljeća i njihovim radom.

1. Istorijski proces razvoja holandskog slikarstva u 17. veku

Možemo sa sigurnošću reći da ni u jednoj drugoj zemlji slikarstvo nije doživjelo tako brz i intenzivan uzlet, imalo tako izuzetnu rasprostranjenost, tako zadivljujuću popularnost, nije tako duboko ušlo u život najširih slojeva društva. U kratkom vremenskom periodu, za samo pola veka, pojavljuje se bezbroj slikara; izuzetni umjetnici broje se u desetinama. Zanimanje slikara gubi svoju ekskluzivnost i postaje jedno od najčešćih. Slike kupuju najširi slojevi stanovništva - ne samo plemići i predstavnici krupne buržoazije, već i siromašni građani, zanatlije, čak i bogati seljaci. Kuće mještana bile su pune slika, malo poznati ljudi posjedovali su najvrednije zbirke. Ovako široka distribucija slika bila je olakšana njihovim nevjerovatnim obiljem i, kao rezultat, njihovom ekstremnom jeftinošću. Slike su prodavane ne samo preko brojnih preprodavaca, već i na posebnim aukcijama, na seoskim vašarima; sami umjetnici su svoja djela vrlo često koristili kao sredstvo plaćanja u novčanim obračunima.

Međutim, mora se imati na umu da je obilje i široka rasprostranjenost slika bila posljedica ne samo općeg ekonomskog i kulturnog uspona zemlje i prirodne želje predstavnika bogatih klasa da svoje domove ukrašavaju umjetničkim djelima. U kapitalističkom društvu koje se brzo razvija, uspostavlja se novi stav prema umjetnosti. Slike se ne vrednuju samo kao jedinstvene, neponovljive Umjetnička djela, ali i kao materijalne vrijednosti, kao roba; koriste se za ulaganje novca, za špekulacije. Umjetnik u Holandiji nije više ovisio u istoj mjeri kao u drugim zemljama o naredbama kraljevskog dvora, plemićkih feudalaca, crkve ili, konačno, bogatih mecena. Holandski slikar radi prvenstveno za tržište; on je prodavac svoje robe koliko i trgovac ili zanatlija. Formalno, holandski umjetnik je slobodan u svojoj umjetnosti, ali potražnja tržišta, koja odražava ukuse vladajuće klase, predodredila je umjetnikovu ovisnost o buržoaskom društvu. Istorija holandske umetnosti je više puta pokazala kako je majstor koji je išao protiv preovlađujućih ukusa osuđen na siromaštvo i smrt.

Holandski umjetnici su obično sinovi zanatlija, trgovaca, službenika; često su i zanimanje slikara doživljavali po nasljeđu svojih očeva i djedova. Zbog konkurencije, pada cijena, nedostatka potražnje, časovi slikanja nisu ih uvijek mogli prehraniti, a umjetnici su morali tražiti dodatni izvor prihoda u drugom zanimanju. Tako je, na primjer, Jacob van Ruysdael bio doktor, Sten je bio krčmar, Hobbema je bio trošarinski službenik, Vermeer se pred kraj života bavio prodajom slika.

U holandskoj umjetnosti postojao je veliki broj različitih umjetničkih pravaca, obično povezanih s određenim umjetničkim centrima. Formiranje umjetničkih škola u pojedinim holandskim gradovima uzrokovano je različitim razlozima, prije svega posebnostima razvoja individualnih kulturni centri. Tako su u katoličkom Utrechtu slikari bili pod snažnim utjecajem italijanske umjetnosti, dok su u gradovima koje je karakterizirao nagli razvoj kapitalizma i buržoaske kulture trijumfovali novi trendovi. nacionalni karakter. Značajan značaj u formiranju umjetničkih škola imali su najveći holandski slikari, koji su oko sebe ujedinili veliki broj učenika i sljedbenika; tako je nastala škola Fransa Halsa u Harlemu, Rembrantova škola u Amsterdamu, i tako su se njihovi sledbenici u Delftu ujedinili oko Fabricija i Vermera. konačno, poznata vrijednost također je imao umjetničke tradicije ukorijenjene u pojedinačnim centrima. Međutim, ne treba preuveličavati izolaciju ovih umjetničkih škola; u Holandiji, gdje se mnogi gradovi nalaze na maloj udaljenosti jedan od drugog, a slikari su često mijenjali mjesto stanovanja, postojala je bliska veza između umjetnika različitih škola.

Istorijski proces razvoja holandskog slikarstva 17. stoljeća može se podijeliti u tri glavne faze: period formiranja (1609-1640), period procvata (1640-1670), period opadanja (nakon 1670).

Period formiranja holandskog slikarstva obilježen je raznolikim umjetničkim pokretima koji se razvijaju paralelno, ili se međusobno isprepliću i međusobno ratuju. Nove progresivne tendencije, koje su već nastale, prinuđene su da se probiju u tvrdoglavu borbu protiv konzervativnih struja koje su se oblikovale još krajem 16. veka – uglavnom protiv akademizma i manirizma.

Prva četvrtina 17. stoljeća bila je prijelazni period za holandsko slikarstvo, kada gore navedene karakteristike još nisu bile u potpunosti razvijene i došlo je do postepenog formiranja nacionalna škola vizualna umjetnost. Tematski, glavne vrste holandskog slikarstva - pejzaž i svakodnevni žanr - još uvijek su bile malo diferencirane. Žanrovski i pejzažni elementi na slikama tog vremena često su ekvivalentni. Mnogo je uvjetovanog u slici prirode, kako u općoj konstrukciji krajolika, tako iu bojanju.

Glavne karakteristike holandske škole dosledno se i jasno manifestuju u pejzažu, koji je u ovoj školi neobično razvijen. Umjetnici su napustili tradicionalnu shemu panoramskog pejzaža s visokom linijom horizonta, prigrlivši različite motive, i okrenuli se jednostavnim, nesofisticiranim pogledima na svoju zavičajnu prirodu. S druge strane, stvorili su pejzaž u pravom smislu te riječi, odvojivši ga od dotadašnjih pejzažno-žanrovskih kompozicija.

Holandski pejzaž sazreva oko 1630. Otprilike dvadeset narednih godina karakterizira ekstremna jednostavnost općeg koncepta i odsustvo bilo kakvog dekorativnog efekta. Za običnog holandskog umjetnika ovog vremena ne postoje spektakularni ili nespektakularni motivi prirode. S ljubavlju i istinom snima ono najobičnije, a istovremeno tipično za svoj zavičaj: pustinjske dine, skromna sela, kanale sa tiho klizećim čamcima ribara ili iste kanale zimi, koje animiraju klizači.

Ravna priroda Hollandine prirode odredila je i uobičajeni pejzaž za njeno slikarstvo, koji nije ničim ograničen s rubova, ima vrlo nizak horizont i više od dvije trećine slikarskog područja preusmjerava prema nebu. Plavo-sivo, maglovito ili oblačno, ovo nebo daje utisak beskrajnog prostora i organizuje ostale delove kompozicije u jedinstvenu celinu. Organizaciju ovog jedinstva olakšava i izuzetna sposobnost holandskih majstora da prenesu rasvjetu, vlažan zrak, ublažavajući svu oštrinu obrisa predmeta. Pažnja na atmosferske pojave konačno navikava Holanđane da izbjegavaju cvjetno kolorit. Podređujući ga opštem, donekle neutralnom tonu, postižu konačni spoj svih elemenata pejzaža i slikovitu cjelovitost u prikazu prirode.

Krajem 17. veka holandska umetnost je bila u krizi, realističke tendencije su slabile. Sve veću ulogu igraju strani uticaji, posebno francuski i italijanski. Malo je slikara ostalo na svojim nekadašnjim pozicijama, ali njihova umjetnost ne dostiže nivo majstora vrhunca.

Dekorativni panel za farbanje zidova

U pejzažu, kao iu svakom umjetničkom djelu, odražavali su se ideali i ideje ljudi. Slika prirode je za različite umjetnike bila kontejner različitog sadržaja. Odredilo ga je doba koje je dovelo do ovog ili onog umjetničkog smjera ...

Zlatno doba španskog slikarstva. Djelo Diega Velaskeza

Istorijska nošnja Holandije iz 17. vijeka

U istoriji evropske tradicije manekenstva jasno se izdvaja nekoliko značajnih izvora za posuđivanje i tumačenje pri stvaranju novih oblika modne nošnje...

Kubanski pejzaž

Prevedeno s francuskog, riječ "pejzaž" (paysage) znači "priroda". Tako to zovu likovne umjetnostižanr, čiji je glavni zadatak reprodukcija prirodne ili čovjekom modificirane prirode. Osim toga...

omladinske subkulture

Gomti (eng. Goths, od engleskog gothic što znači varvarski, grubi) je subkultura nastala krajem 70-ih godina 20. veka u Velikoj Britaniji na bazi pank pokreta. Gotička subkultura je prilično raznolika i heterogena...

Slika Nevskog prospekta u slikama i crtežima ruskih umetnika 19. veka

Ikonografija Sankt Peterburga je bogata. Istorija cele Rusije i njene kulture pojavljuje se u vezi sa Sankt Peterburgom u veoma neobičnoj perspektivi, pažnja prema gradu, njegovoj arhitekturi i životu...

Optimalne metode konzervacije i restauracije štafelajnih uljanih slika

Šarena paleta prethodnih vekova gotovo se potpuno promenila u 19. veku. veka naglog razvoja hemijske industrije. Ali isti asortiman umjetničkih materijala nastavlja se proizvoditi iu sljedećem, 20. stoljeću...

Posebnosti portretno slikarstvo u radu K.A. Korovina na primjeru dva djela "Dama sa lampom" i "Dvije dame na terasi"

Scenery

Početak uljnog slikarstva zapravo nije poznat, ali se pripisuje holandskim slikarima, braći Van Eyck (1366-1440); u svakom slučaju, oni su bili transformatori njihove savremene slikarske tehnike...

Prvi slikari Baškortostana

Slikarstvo Baškortostana s pravom može zauzeti posebno mjesto u sistemu umjetnosti: mnogo je ranije...

Proces stvaranja ilustracije knjige

Istorija ilustracije seže daleko u dubinu vekova. Čak iu starom Egiptu, čarolije i himne pisane na papirusima bile su praćene ilustracijama. Stvoreni su da vizualiziraju sadržaj tekstova. Drevni uzorci su preživjeli do danas...

Razvoj slikarstva u Rusiji krajem 19. - početkom 20. veka

S krizom populističkog pokreta, 90-ih godina, "analitički metod realizma devetnaestog vijeka". Lapshina N. "Svijet umjetnosti". Eseji o istoriji i stvaralačkoj praksi. M., 1977.- P.86., kako se u domaćoj nauci naziva, zastareva...

Razvoj umjetničkih vještina učenika dječjih umjetničkih škola pomoću pejzažnog slikarstva

Za razvoj umjetničkih vještina kod učenika umjetničkih škola na nastavi pejzažnog slikarstva, od velike je važnosti uvesti metodu poređenja prilikom pregleda slika i potaknuti ih na vrednovanje ovih radova...

Karakteristike Rusko slikarstvo drugo polovina XIX veka

Druga polovina 19. veka obeležen je procvatom ruske likovne umetnosti. Postala je zaista velika umjetnost, prožeta patosom oslobodilačke borbe naroda, odgovarajući na zahtjeve života i aktivno upadajući u život...

senzualne veze u domaći žanr Holandsko slikarstvo 17. veka

Holandski slikarski svakodnevni žanr Državni Ermitaž poseduje jednu od najvećih kolekcija holandskog slikarstva na svetu. Njegovi prvi eksponati pojavili su se na obalama Neve 1716. godine, mnogo prije nego što je muzej osnovan...

U 17. veku Holandija je postala uzorna kapitalistička zemlja. Vodila je ekstenzivnu kolonijalnu trgovinu, imala je moćnu flotu, brodogradnja je bila jedna od vodećih industrija.

Istorija holandskog slikarstva 17. veka. savršeno pokazuje evoluciju rada jednog od najvećih slikara portreta u Holandiji Frans Hals(oko 1580-1666). U 10-30-im, Hals je mnogo radio u žanru grupnih portreta. Ovo je u osnovi prikaz puškarskih cehova - korporacija oficira za odbranu i zaštitu gradova. Građani su željeli da budu ovjekovječeni na platnu, dali su određeni doprinos za pravo da budu prikazani, a umjetnik je morao zapamtiti podjednaku pažnju prema svakom modelu. Ali nije portretna sličnost ono što nas osvaja u ovim Halsovim radovima. Oni izražavaju ideale mlade republike, osjećaj slobode, jednakosti i drugarstva. Sa platna ovih godina izgledaju veseli, energični, preduzimljivi ljudi, sigurni u svoje sposobnosti i u budućnost („Streljački ceh svetog Adrijana“, 1627. i 1633.; „Streljački ceh Svetog Đorđa“, 1627.). Khale ih obično prikazuje u drugarskoj gozbi, u veseloj gozbi. Velika veličina horizontalno izdužene kompozicije, široko samouvjereno pisanje, intenzivne, zasićene boje (žuta, crvena, plava itd.) stvaraju monumentalnu sliku. Umjetnik djeluje kao istoriograf čitave epohe.m

Samo Jan Porcellis (oko 1584-1632) bavio se morskim pejzažom (marina). Pored realističkog, čisto holandskog pejzaža, postojao je u to vreme još jedan pravac: pejzaži italijanskog karaktera, animirani mitološkim likovima, likovima ljudi i životinja.

40-50-te su vrijeme kreativne zrelosti. Nije se promijenio samo vanjski život Rembrandt, Pre svega, promenio je sebe. Ovo je vrijeme formiranja njegovog stvaralačkog sistema iz kojeg će mnogo toga postati prošlost i u kojem će se steći druge, neprocjenjive kvalitete. U tom periodu često se okreće starim radovima kako bi ih preradio na novi način. To je bio slučaj, na primjer, s Danaeom, koju je napisao još 1636. Već tada je glavno bilo izraženo u ovoj slici: čulni princip, paganski, donekle „Ticijan“ je u njemu bio samo dio općenito u izražavanju složenih emocionalnih iskustava, jedan duhovni impuls. Klasičan, lijep, ali i apstraktan po svojoj ljepoti ideal zamijenjen je izrazom istine života, svijetle individualnosti fizičkog skladišta. Ovo ružno tijelo dočarano je krajnje realistično. Ali Rembrandt nije bio zadovoljan vanjskom istinom. Okrenuvši se slici 40-ih godina, umjetnik je ojačao emocionalno stanje. Prepisao je središnji dio sa heroinom i sluškinjom.

Rembrandt je znao kako da napravi portret-biografiju; ističući samo lice i ruke, izrazio je čitavu istoriju života

Francuska umjetnost 17. vijeka

Francuska umjetnost 15. vijeka zasniva se na tradiciji francuske renesanse. Slike i crteži Fouqueta i Cloueta, skulpture Goujona i Pilona, dvorci iz vremena Franje I, palača Fontainebleau i Louvre, poezija Ronsarda i Rabelaisova proza, Montaigneovi filozofski eksperimenti, sve ovo nosi pečat klasičnog shvatanja forme, stroge logike, racionalizma, razvijenog osećaja za milost, - oni. koji je predodređen da se u potpunosti oliči u 15. veku. u filozofiji Descartesa, u dramaturgiji Corneillea i Racinea, u slikarstvu Poussin i Lorrain.

Na polju likovne umjetnosti proces formiranja klasicizma nije bio toliko jedinstven.

U arhitekturi se ocrtavaju prve crte novog stila, iako se ne spajaju u potpunosti. U Luksemburškoj palati, koju je za udovicu Henrika IV, regenticu Mariju Mediči, sagradio Salomon de Bros, mnogo je preuzeto iz gotike i renesanse, ali je fasada već artikulisana ordenom, što će biti tipično za klasicizam. Maisons-Lafitte Françoisa Mansarta, uz svu složenost volumena, jedinstvena je cjelina, jasna konstrukcija koja gravitira klasicističkim normama.

U slikarstvu je situacija bila složenija, jer su se tu preplitali uticaji manirizma, flamanskog i italijanskog baroka. Francusko slikarstvo u prvoj polovini veka bilo je pod uticajem karavagizma i realističke umetnosti Holandije. U svakom slučaju, ovi uticaji se jasno vide u radu braće Le Nain. Na slikama Louisa Lenaina nema narativnosti, ilustrativnosti, kompozicija je strogo promišljena i statična, detalji su pažljivo provjereni i odabrani kako bi se otkrila, prije svega, etička, moralna osnova djela. Od velike važnosti u Lenainovim slikama je pejzaž.

IN U poslednje vreme U literaturi o historiji umjetnosti sve više se naziv pravca kojem pripada Louis Le Nain definira pojmom "slikanje stvarnog svijeta". Istom pravcu pripada i rad umjetnika Georgesa de Latoura. U svojim prvim radovima na žanrovske teme, Latour se pojavljuje kao umjetnik blizak Caravaggiu. Već u ranim Latourovim radovima očituje se jedan od najvažnijih kvaliteta: neiscrpna raznolikost njegovih slika, raskoš boja, sposobnost stvaranja monumentalnih značajnih slika u žanrovskom slikarstvu.

Druga polovina 30-ih - 40-ih godina - vrijeme Latourove stvaralačke zrelosti. U tom periodu manje se okreće žanrovskim temama, slika uglavnom religiozne slike. Umetnički jezik Latour je preteča klasičnog stila: strogost, konstruktivna jasnoća, jasnoća kompozicije, plastična ravnoteža generaliziranih oblika, besprijekoran integritet siluete, statičnost. Primjer je jedno od njegovih kasnijih djela "Sveti Sebastijan i svete žene" sa idealno lijepim likom Sebastijana u prvom planu, koji podsjeća na antičku skulpturu, u čijem tijelu - kao simbolu mučeništva - umjetnik prikazuje samo jednu zabodenu strijelu. .

Klasicizam je nastao na vrhuncu društvenog uspona francuske nacije i francuske države. Osnova teorije klasicizma bio je racionalizam, zasnovan na filozofski sistem Descartes, samo je lijepo i uzvišeno proglašeno predmetom umjetnosti klasicizma, antika je služila kao etički i estetski ideal. Tvorac klasicističkog pravca u francuskom slikarstvu 15. veka. bio je Nicolas Poussin. Teme Pusenovih platna su različite: mitologija, istorija, Novi i Stari zavet. Poussinovi junaci su ljudi snažnog karaktera i veličanstvenih djela, visokog osjećaja dužnosti prema društvu i državi. Javna svrha umjetnosti bila je vrlo važna za Poussina. Sve ove karakteristike uključene su u novi program klasicizma. Umjetnost značajne misli i jasnog duha razvija određeni jezik. Mjera i red, kompoziciona ravnoteža postaje osnova slikarskog djela klasicizma. Uglađen i jasan linearni ritam, plastika kipova savršeno prenosi ozbiljnost i veličanstvenost ideja i likova. Kolor je izgrađen na sazvučju jakih, dubokih tonova. Ovo je sam po sebi harmoničan svijet koji ne izlazi iz okvira slikovnog prostora, kao u baroku.

Kreativnost Poussin pada na prvu polovinu stoljeća, obilježena usponom javnosti i umetnički život u Francuskoj i aktivna društvena borba. Otuda opšta progresivna usmerenost njegove umetnosti, bogatstvo njenog sadržaja. Razvila se drugačija situacija poslednjih decenija 17. vijeka, u periodu najvećeg jačanja apsolutističkog ugnjetavanja i suzbijanja progresivnih pojava društvene misli, kada se centralizacija proširila na umjetnike ujedinjene u Kraljevsku akademiju i prisilila da svojom umjetnošću služe veličanju monarhije. U tim uvjetima njihova umjetnost gubi svoj duboki društveni sadržaj, a do izražaja dolaze slabe, ograničene crte klasičnog metoda.

Umetnost Flandrije 17. veka.

Flamanska umjetnost je prije svega Rubens i još jednom Rubens. Iako je u isto vreme u Flandriji bilo i drugih izuzetnih umetnika, svi oni se smatraju "Rubensovim krugom", "Rubensovom školom", poput planeta koje se okreću oko Rubensovog sunca.

Sedamnaesti vijek je vrijeme stvaranja nacionalnog umetnička škola slika u Flandriji. Kao iu Italiji, barok je i ovdje postao zvanični dominantni trend. Međutim, flamanski barok se po mnogo čemu značajno razlikuje od talijanskog. Barokne forme ovdje su ispunjene osjećajem kićenja života, šarenog bogatstva svijeta, osjećajem elementarne snage rasta čovjeka i prirode. U okviru baroka, u većoj mjeri nego u Italiji, razvijaju se realistične crte.

Osnova umjetničke kulture Flandrije - realizam, nacionalizam, svijetla vedrina, svečana svečanost - najpotpunije je izražena u slikarstvu. Flamanski slikari su na svojim platnima uhvatili poetsku senzualnu ljepotu svijeta i sliku osobe pune zdravlja, neiscrpne energije.

Zadatak ukrašavanja porodičnih dvoraca, palata aristokracije, katoličkih crkava doprinio je širokoj upotrebi u slikarstvu moćnog dekorativnosti zasnovanog na efektima boja.

Na čelu flamanske slikarske škole bio je Peter Paul Rubens (1577-1640). Sveobuhvatno nadaren, briljantno obrazovan, Rubens je bio umjetnik ogromnog stvaralačkog dometa, burnog temperamenta. Rođeni slikar monumentalnosti, talentovani diplomata koji govori nekoliko jezika, naučnik humanista, bio je veoma cenjen na kneževskim i kraljevskim dvorovima Mantove, Madrida, Pariza i Londona. Umjetnik živahne mašte, Rubens je bio kreator kolosalnih patetičnih kompozicija. Dinamičnost oblika, snaga plastične imaginacije, trijumf dekorativnog principa čine osnovu njegovog rada. Međutim, Rubensova umjetnost je u osnovi realistična. Svježina percepcije života i želja da se svemu prikazanom da vjerodostojnost istine suština su njegovih djela.

Flamanska mrtva priroda. U 17. veku mrtva priroda se uspostavlja kao samostalan žanr. Oslikava interesovanje za materijalni svet, koje je nastalo u "slikanju stvari" u holandskoj umetnosti ranog 15. veka, kultu privatnog života. Flamanske "prodavnice živih bića" zadivljuju bučnom vedrinom i prazničnim dekorativnim efektom. Platna, velika, svijetle boje, ukrašavaju zidove prostranih palača flamanskog plemstva, veličajući ljepotu zemaljskog postojanja, bogatstvo seoskog života, plodove zemlje, mora, rijeka.

Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flamanski slikar i grafičar, majstor dvorskog portreta i vjerskih tema u stilu barok.

Van Dyck se rano pokazao kao majstor portretiranja i slikanja na vjerske i mitološke teme. WITH 1618 By 1620 radio je u radionici Rubens. Stvara djela na vjerske teme, često u nekoliko verzija: Okrunjenje trnjem» « Judin poljubac» „Nošenje krsta“ „Sv. Martina i prosjaci“, „Mučeništvo sv. Sebastijan"

Jacob Jordaens ( netherl. Jacob Jordaens) ( 19. maja 1593, Antwerpen - 18. oktobra 1678, Antwerpen) - flamanski umjetnik. Od 1607. studirao je kod Adam van Noort. 1616. oženio je njegovu kćer. Proživeo ceo život u Southern Netherlands, tek 1641. kratko je radio u Engleska. Njegove slike se mogu naći u bilo kojoj crkvi u Antwerpenu. Čak i nakon njegove žalbe na Kalvinizam 1645. Katolička crkva nastavila je naručivati radove od njega. Jordanes se smatra, posebno nakon smrti Rubens, koji je imao veliki uticaj na njega, jednog od istaknutih predstavnika Flamanaca barok.

Francusko slikarstvo 19. veka

20s 19. vijek bili su za Francusku vrijeme formiranja romantične umjetnosti. Mladi umjetnici najavili su svojim učiteljima pravi rat. Povjesničari su njihov nastup nazvali "romantičnom bitkom", a njen heroj je postao slikar Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix - francuski slikar I raspored, vođa romantično trendovi u evropskom slikarstvu. Romantični umjetnici, zanemarujući kanone koji su postojali u likovnoj umjetnosti prethodnih epoha, voljno su se okretali neobičnim zapletima vezanim za ludilo, natprirodne pojave, nasilje ili egzotiku (odnosno izvan "normalnog"). Delacroix u Francuskoj bio je vođa ovog trend . Eugene Delacroix je rođen u gradu Charenton-Saint-Maurice u blizini Pariza. Budući umjetnik je rano ostao siroče. Godine 1815. ušao je u atelje Pierre Narcisse Guerin (1774-1833), koji je nedavno studirao kod Teodora Géricaulta, kao šegrt. Delacroixovi savremenici su pomno pratili tok oslobodilačke revolucije u Grčkoj 1821-1829. (od 15. veka Grčka je bila pod vlašću Turske). Delacroix je odabrao možda najtragičniju stranicu grčkog epa. U septembru 1821. godine, turski kažnjeri su uništili civilno stanovništvo Hiosa, grčkog ostrva u Egejskom moru, kod obale Male Azije. Više od četrdeset hiljada Grka je ubijeno, a oko dvadeset hiljada je porobljeno. Umjetnikov odgovor na ove događaje bila je slika "Masakr na Hiosu" (1824.) U prvom planu su figure osuđenog Hiosa u šarenim krpama; u pozadini su tamne siluete naoružanih Turaka. Većina zarobljenika je ravnodušna prema svojoj sudbini, samo djeca uzalud mole roditelje da ih zaštite.Delacroix je osjetio interesovanje za modernost i stvorio je 1830. godine sliku "Sloboda predvodi narod (28. jula 1830.)". Umjetnik je dao bezvremenski, epski zvuk jednostavnoj epizodi uličnih borbi. Godine 1832. Delacroix je pratio diplomatsku misiju u Alžiru i Maroku. Odmah po povratku u Pariz, umetnik je pristupio radu na slici „Alžirske žene u svojim odajama“ (1833). Od kraja 20-ih godina. 19. vijek slikar je stvorio niz bojnih slika posvećenih srednjovjekovnoj francuskoj istoriji. U Bitci kod Nancyja (1828-1834), trupe - sive okupljene mase sa raznobojnim licima i zastavama - nespretno se kreću po snježnoj ravnici pod maglovitim žutim nebom zalaska sunca. Eugene Delacroix je najsamostalniji slikar u Francuskoj u prvoj polovini 19. stoljeća.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) K početkom XIX V. Općepriznati vođa među francuskim umjetnicima bio je Jacques Louis David - najdosljedniji predstavnik neoklasicizma u slikarstvu i osjetljiv kroničar njegovog turbulentnog vremena.David je rođen u Parizu u imućnoj buržoaskoj porodici. Godine 1766. upisao je Kraljevsku akademiju za slikarstvo i skulpturu. karakteristična karakteristika Francuska kultura tih godina bila je opća fascinacija antikom. Godine 1781. David je primljen za člana Kraljevske akademije i dobio je pravo da učestvuje na njenim izložbama - salonima Louvre. Već 1776. godine razvijen je vladin program koji je podsticao stvaranje velikih slika „smišljenih da ožive vrline i patriotska osećanja“. Davidu je ponuđena radnja iz rane rimske istorije - podvig trojice braće iz plemićke porodice Horacije.Da bi radio na slici "Zakletva Horacijeva" (1784), David je otišao u Rim. Kada je platno završeno i umetnik ga je izložio javnosti, cela kompozicija je zasnovana na broju tri: tri luka, tri grupe likova, tri mača, tri ruke, spremni za oružje. Godine 1795-1799. David je zajedno sa svojim učenicima radio na slici "Sabinjani zaustavljaju bitku između Rimljana i Sabinjana". Prema njegovim riječima, želio je da "opiše antičke manire s takvom preciznošću da me Grci i Rimljani, kada bi imali priliku vidjeti moj rad, ne bi smatrali stranim njihovim običajima". Godine 1799. Napoleon Bonaparte je došao na vlast kao rezultat još jednog državnog udara. David je, kao i mnogi bivši revolucionari, radosno dočekao ovaj događaj. (1807) David je stvorio još jedan mit - sjaj oltara i raskoš odeće dvorjana ne utiču na gledaoca ništa gore od bijednog nameštaja i starih Maratovih čaršava. Nakon poraza Napoleona, David, koji je svojevremeno glasao u Konvencija za smrtnu kaznu Luja XVI, bio je prisiljen napustiti Francusku. Umjetnik je otišao u Brisel (koji je tada pripadao Kraljevini Holandiji), gdje je živio do smrti. Nastavio je da radi: marljivo, ali već bez entuzijazma, slikao je portrete prognanika poput njega i radove na antičke teme.

Pečat

Također zanimljivo:

Uskrs na poseban način: pripremamo neobičan kolač, privlačimo sreću u vikendicu Uskrs kako se slavi praznik

Standard vrhovnog komandanta ruskog ratnog vazduhoplovstva

B1 (Tijamin) Svojstva vitamina, karakteristike i efekti na organizam

Preporučujemo da pročitate:

2023-08-11 00:21:04

Klinika dr. Mukhina "Origiteya": recenzije pacijenata o gubitku težine Mukhina dijeta za tjedan dana

2023-08-10 00:25:28

Matematičke zagonetke sa brojevima za djecu Kako ih koristiti

2023-08-10 00:25:28

Kako riješiti zagonetke sa slovima i slikama: pravila, savjeti, preporuke

Nastavak teme:

Odjeća za trudnice

Knjiga: Slavenska mitska bića Ruska mitologija stvorenja i bogovi

Publikacije u rubrici Tradicije Slavenski bestijarij Stari Sloveni oživljavaju prirodu, vjerovali su u postojanje natprirodnih sila i tajanstvenih čudovišta. Važno mjesto u njihovom...