Apstraktno delo: „Ruska umetnost u 19. veku. Slikarstvo prve polovine 19. veka Ruski umetnici prve polovine 19. veka

Ruska umjetnička kultura, čije je porijeklo počelo s klasicizmom, stekla je snažan narodni zvuk, poput visokog klasicizma, koji se odrazio na slikarstvo 19. stoljeća, postupno je prešao od romantizma do realizma na ruskom likovne umjetnosti. Savremenici toga vremena posebno su cijenili smjer ruskih umjetnika u kojem je prevladavao povijesni žanr s naglaskom na nacionalne teme.

Ali u isto vrijeme, nije bilo značajnih promjena u umjetnosti istorijskog pravca u odnosu na majstore druge polovine 18. stoljeća i od samog početka povijesti ruskog portreta. Mnogi majstori često su svoja dela posvećivali istinskim junacima drevne Rusije, čiji su podvizi inspirisali da napišu istorijske slike. Ruski slikari tog vremena uspostavili su vlastiti princip opisivanja portreta i slika, razvijajući vlastite smjerove u prikazu čovjeka i prirode, svjedočeći o potpuno nezavisnom figurativnom konceptu.

Ruski umjetnici su u svojim slikama odražavali različite ideale nacionalnog uzdizanja, postupno napuštajući stroga načela klasicizma nametnuta akademskim temeljima. 19. vijek obilježen je visokim procvatom ruskog slikarstva, u kojem su ruski slikari potomcima ostavili neizbrisiv trag u istoriji ruske likovne umjetnosti, prožet duhom sveobuhvatnog odraza života naroda.

Najveći istraživači ruskog slikarstva 19. stoljeća općenito primjećuju izuzetnu ulogu u visokom procvatu kreativnosti velikih ruskih majstora i likovne umjetnosti. Jedinstvena djela domaćih majstora zauvijek su obogatila rusku kulturu.

Poznati umjetnici 19. vijeka

(1782-1836) Veličanstveno i suptilno slikani portreti Kiprenskog doneli su mu slavu i pravo priznanje među savremenicima. Njegova dela Autoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Portret dečaka Čeliščova, Golitsin A. M. 1809 Portret Denisa Davidova, 1819 Devojka sa vencem od maka i najuspešniji portret A. S. Puškina iz 1827. ljepota uzbuđenja, sofisticirana unutrašnji svet slike i stanja uma. Savremenici su njegova dela upoređivali sa žanrovima lirske poezije i pesničke posvećenosti prijateljima. (1791-1830) Majstor ruskog pejzažnog romantizma i lirskog tumačenja prirode. Na više od četrdeset svojih slika, Ščedrin je prikazao pogled na Sorento. Među njima su značajne slike kvarta Sorento. Veče, Novi Rim "Dvorac Svetog Anđela", šetalište Mergellina u Napulju, Velika luka na ostrvu Kapri, itd.

Pošto se potpuno prepustio romantici krajolika i prirodnom okruženju percepcije, Ščedrin, takoreći, svojim slikama nadoknađuje palo interesovanje tadašnjih suplemenika za pejzaž. Ščedrin je doživio zoru svoje kreativnosti i priznanja.

(1776-1857) Izvanredan ruski slikar portreta, potomak kmetova. Njegova poznata dela su slike: Čipkarica, takođe Portret Puškina A.S., graver E.O. Skotnikova, Starac - Prosjak, odlikovan svetlom bojom Portret sina, 1826. Predilica, Zlatar, ovi radovi su posebno privukli pažnju savremenika. 1846. Tropinin je razvio vlastiti nezavisni figurativni stil portretiranja, koji karakterizira specifičan moskovski žanr pisanja. U to vrijeme Tropinin je postao centralna ličnost moskovske elite.

(1780-1847) Osnivač seljaka svakodnevni žanr, Njegov čuveni portret Kosca, slika > Kosačice, Devojka u marami, Proleće u oranici, Seljanka sa kukurijem, Zaharka i dr. Posebno možemo istaći sliku Gumna, koja je privukla pažnju cara Aleksandra 1, dirnuta je živopisnim slikama seljaka koje je autor istinito prenio. On je voleo obični ljudi Pronalazeći u tome određenu liričnost, to se odrazilo na njegove slike koje prikazuju težak život seljaka. njegova najbolja djela nastala su 20-ih godina. (1799-1852) Majstor istorijskih slika, Posljednji dan Pompeja u metežu, osuđeni stanovnici bježe od bijesa vulkana Vezuv. Slika je ostavila zapanjujući utisak na njegove savremenike. Majstorski slika svjetovne slike, Konjanicu i portrete koristeći svijetle kolorističke momente u kompoziciji slike, grofice Yu. P. Samoilove. Njegove slike i portreti sastavljeni su od kontrasta svjetla i sjene. . Pod uticajem tradicionalnog akademskog klasicizma, Karl Brjulov je svojim slikama dao istorijsku autentičnost, romantični duh i psihološku istinu. (1806-1858) Izvrstan majstor istorijskog žanra. Oko dvije decenije Ivanov je radio na svojoj glavnoj slici, Pojava Hrista narodu, naglašavajući svoju strastvenu želju da prikaže dolazak Isusa Hrista na zemlju. U početnoj fazi to su slike Apolon, zumbul i čempres 1831-1833, Javljanje Hrista Mariji Magdaleni nakon vaskrsenja 1835. Ivanov je tokom svog kratkog života stvorio mnoga dela, za svaku sliku naslikao je mnogo skica pejzaža. i portreti. Ivanov je čovjek izuzetne inteligencije, koji uvijek nastoji da u svojim radovima prikaže elemente narodnih pokreta. (1815-1852) Majstor satiričnog pokreta, koji je postavio temelje kritičkom realizmu u svakodnevnom žanru. The Fresh Cavalier 1847 i The Discriminating Bride 1847,

Glavni pokret je bio u pravcu realizma, ali se on afirmirao u borbi protiv autoritativnog klasicizma koji je zastupala Akademija i stoga je uspio da se učvrsti mnogo kasnije nego u književnosti. Dok je Puškin već sa 25–26 godina postao „pesnik stvarnosti“, rusko slikarstvo je teško prevazilazilo inertni uticaj prethodne ere. U početku se novo rusko slikarstvo povezivalo s romantizmom.
Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836)
Ovaj umjetnik je stajao na početku ruskog slikarstva 19. vijeka. Njegovu umjetnost odlikuje strast i impuls, želja da se prenese kretanje unutrašnjeg života. Tražio je uzvišeno u čovjeku, portretirao heroje u njihovim najboljim trenucima, prenosio sposobnost osjećanja, želju za duhovnim životom. Najbolji dio njegovog rada su portreti kasnih 1800-1810-ih. Kiprenski je tražio odraz ideala na licima ljudi. Zanima ga osoba koja nema veze sa javnom službom, koja živi u sferi privatnih interesa, u svijetu osjećaja.
Portreti: portret Evgrafa Davidova (1809), portret dečaka Čeliščova (1808 – 1809), portret pesnika V. A. Žukovskog (1816). Glavne tehnike slikanja su sljedeće:
oštar kontrast svjetla i sjene, ponekad bliska gradacija susjednih boja. Pretežno crvena, plava i bijela čine glavni akord boja. Svako lice Kiprenskog je jedinstveno; za takvog heroja možemo reći da je jedini. Ovo je odlika romantizma.
Većina poznati portret brušenog od strane Kiprenskog stvorena je 1827. Ovo portret A. S. Puškina, za koju su svi meni bliski rekli da je bliži od drugih originalu.

Silvestar Ščedrin (1791. – 1830.)
Pejzaž romantizma. Nakon putovanja u Italiju, Ščedrin se oslobađa akademske patine i stječe slobodu. Tamo provodi 10 godina, doživljava procvat svoje kreativnosti i umire prije nego što se može vratiti u domovinu. On slika italijanske poglede. Priroda na njegovim platnima djeluje blistavo, radosno, opojno. Boje blistaju. Čovjek i priroda čine osnovu njegovog pogleda na svijet. Ščedrin je išao istim putem kao Constable u Engleskoj i Corot u Francuskoj. Zadatak je otvoriti unutrašnji život da bude u skladu sa prirodom. Ščedrin je postao prvi ruski umjetnik koji je radio na otvorenom - pleneru. “Novi Rim”, “Obala u Sorentu sa pogledom na ostrvo Kapri”.
Ščedrin je tražio istinu svetlosti i vazduha, njihovu interakciju i savladao zakone plenera. Protjerao je muzejske "smeđe" tonove. Voljela sam hladne srebrne i sive. Na kraju svog života, umjetnik se vratio vrućim bojama. "Terasa uz more".

Osnivač svakodnevnog žanra. Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780 – 1847).
Jednostavan službenik, zemljomjer, počeo se slikati početkom 19. stoljeća. Preselio se iz Moskve u Sankt Peterburg, pohađao lekcije kod Borovikovskog. Venetsianov je bio blizak progresivnim krugovima društva. O tome govori njegov bakropis "plemić". Na prelazu 10-40-ih. Venetsianov je otkrio svakodnevni žanr, stekao malo imanje u Tverskoj guberniji i počeo da prikazuje seljački svet.
Bio je suočen sa zadatkom da prikaže svjetlost koja lije iz različitih izvora, prikazujući seljake u različitim položajima. Poeziju je vidio u najobičnijim stvarima, u životu sela. Po tome je blizak Puškinu. Na slikama Venetsianova se ne dešava ništa posebno. Radnja je obično jednosložna. Umjetnik ne prikazuje sukobe. Čovjek na svojim platnima prikazan je okružen prirodom. Venetsianov je prvi koji je otkrio ljepotu svoje rodne prirode. Najbolje kreacije Venetsianova “Na oranicama. Proljeće“, „Na žetvi, ljeto“.

Karl Pavlovič Brjulov (1799 – 1852)
Ista godina kao i Puškin, Brjulov se u svom radu često preklapa sa velikim pesnikom. Ali ako je Puškin brzo prešao sa romantizma na realističan način, na „poeziju stvarnosti“, onda je Brjulov mogao samo da kombinuje hladnu akademsku veštinu sa romantičnim dometom, posebno u svojoj najpoznatijoj slici. Tražio je ideal, vedar i radostan, ali nije išao teškim putevima u umetnosti. Nakon Bryullov akademije, kao što se uvijek dešavalo sa najboljim diplomcima, završio je u Italiji. Na slikama 20-ih na teme iz antike, iz italijanske renesanse, iz Biblije, dekorativni elementi, vanjski sjaj. Tridesetih godina pojavila se tragična percepcija života. U to vrijeme, Brjulovljev centralni plan je sazrijevao.
“Posljednji dan Pompeja” (1830-1833)
30-ih godina Brjulov stvara niz ceremonijalnih portreta. Postao je neobično moderan umjetnik, preplavljen narudžbama. Brjulov teži da uhvati određeni uzvišeni trenutak. Ovo je "Jahač"- Učenica grofice Samoilove je Jovanina.
U 40-im godinama umjetnik je tražio psihološku ekspresivnost. Divno "Auto portret" 1848. naslikao umjetnik nakon teške bolesti. Pred nama je umoran, razočaran, svetom umoran čovek. Ovaj portret je daleko od hladnog akademizma. Pisana je slobodno, potez je širok, ne glatkast, što govori o budućnosti ruske umetnosti.

Aleksandar Ivanov (1806 – 1858)
Bio je to čovek izuzetne snage misli i karaktera, „zlatna duša“ koja je umela da brine o najmilijima, a pritom je bila veoma stroga u svom kućnom životu. Bio je pravi pjesnik i prezirao je sve vanjske efekte i koristi. Odlikovala ga je ogromna, bezgranična ljubav prema domovini, san o njenom usponu. Beskrajna žeđ za samousavršavanjem, stalni samorazvoj, nezadovoljstvo sobom - sve ga je to učinilo izuzetno svijetlom osobom. Aleksandra Ivanova su cijenili Hercen i Ogarev, Černiševski, prijatelj mu je bio N.V. Gogol.
Ivanov je rođen u Sankt Peterburgu u porodici umjetnika. Završio je Akademiju i 1830. došao u Italiju, u Rim. Vratit će se samo mjesec i po dana prije smrti i donijeti “Pojavljivanje Krista ljudima”. Zadaci koje je Ivanov sebi postavljao postajali su sve komplikovaniji. Prvo je želio da shvati italijansku školu i njen duh, a zatim da poveže religiju i mitologiju sa problemima dobra i zla.
"Pojavljivanje Hrista Magdaleni"– prvi pristup novom zadatku, još uvijek uglavnom akademski.
"Pojavljivanje Hrista ljudima."
Od 1836. do 1848. Ivanov je napisao svoje drugo i glavno djelo. U stvari, nastavio je da radi na tome sve do svoje smrti. Ovo platno je prepuno nevjerovatnih prednosti: prikaz prirode i ljudi, likova, emocionalnih manifestacija, pokreta srca, sama ideja je briljantna - da se dočara istina otkrivena ljudima i nada u spas. Ivanov nije unosio ljudske figure ili žanrovske motive u svoje skice. Njegovi pejzaži su filozofski i istorijski. On "Apijev put" prikazan je put na kojem su postojali križevi sa razapetim robovima nakon Spartakovog ustanka. Na jednoj grani koja je svetlucala na suncu, Ivanov je mogao da oseti Univerzum. Nakon 1848. godine, nakon revolucija u Evropi, novac je prestao da dolazi iz Rusije. Otac je umro. Ivanov sada nije mogao da dovrši sliku onako kako je želeo. A njegovi novi planovi bili su još veći: ciklus biblijskih slika na zidu posebne zgrade. Skice postaju slobodnije. Oslobođen ostataka akademizma. Ali, poput Michelangela, Bazhenova, Rodina, Ivanov nije mogao ostvariti sve svoje planove. Ivanov nije dobio priznanje u Rusiji, ali je njegov rad odigrao ogromnu ulogu u razvoju cjelokupne ruske umjetnosti 19. stoljeća.
Pavel Andrejevič Fedotov. (1815. – 1852.)
Njegov procvat i smrt dogodili su se 40-ih godina. 19. stoljeće je vrijeme trijumfa Nikolajeve reakcije. Tragična je sudbina umjetnika, koji je platio visoku cijenu što je prvi hrabro zavirio u odlike ruskog života. Završio je Moskovski kadetski korpus, završio u finskom gardijskom puku u Sankt Peterburgu, a veći dio života bio je vezan za rusku vojsku. Da nije bilo ovog poznavanja vojnog okruženja, ne bi mogao tako precizno da naslika lik svog majora na čuvenoj slici. U vojsci se Fedotov zainteresovao za crtanje, karikaturu, skiciranje, a često je crtao svoje prijatelje, svakodnevne vojne scene, putovanja u letnje vojne kampove itd. Sam je učio slikarstvo i počeo da pohađa časove na Akademiji. Poznati su njegovi divni crteži: “Posljedica Fidelkine smrti”, “Muž prevarene žene”, Djevojka zavedena od oficira kraj kreveta bolesne majke.” Sami nazivi ovih djela podsjećaju na prirodnu školu. u književnosti, čije je značenje bilo direktan prikaz najtipičnijih aspekata ruskog života. Ali Fedotov nije bio dio kruga pisaca povezanih s ideologom prirodne škole, Belinskim. Hodao je svojim putem. U 40-im godinama Fedotov se počinje okušati u slikanju ulja. Udubljuje se u suštinu života, njegova djela postaju sve tragičnija.
Fedotov je svoje najznačajnije slike stvarao od 1846. do 1852. godine. Svaka njegova slika bila je prekretnica na tom putu novi sistem umjetničko razumijevanje stvarnosti.
« Sveži gospodin» 1846. Predstavljena je ideja koja otkriva.

"Majorovo provodadžisanje" 1848
Ovo je vrhunac Fedotovljeve kreativnosti. Suština čuvene slike je slika svijeta prevare, laži, braka, koji se, naravno, pojavljuje kao obična transakcija. Svijet na umjetnikovim platnima postaje sve strašniji. Objekti su izobličeni i pojavljuje se jak izraz. Satira nestaje na slici "udovica", gde se Fedotov predstavio na portretu ženinog preminulog muža.
"Igrači" 1852. Scena je skoro nestvarna, fantastična. Ubrzo se Fedotov razbolio od psihičke bolesti i završio dane u duševnoj bolnici.Sahranjen je na groblju Aleksandro-Nevske lavre u Sankt Peterburgu. I sam Fedotov, kako je pisao kritičar Stasov, verovatno bi se iznenadio kada bi saznao da su njegova traganja išla u istom pravcu kao i traganja najboljih francuskih umetnika 19. veka, koji su utrli put realističkom pravcu. Za hrabrost kojom je zavirio u Nikolajevsku stvarnost platio je visoku cenu, ali su njegova dostignuća, čiju ozbiljnost akademici nisu odmah shvatili, pripremila teren za ruske realističke umetnike - Lutalice.

Kriza kmetstva usporava razvoj kapitalističkog sistema. Slobodoljubive ideje se pojavljuju u sekularnim krugovima, u toku je Domovinski rat 1812., kao i ruske trupe koje sudjeluju u oslobađanju evropskih država od Napoleona, ustanak decebrista 1825. protiv carizma, sve to ima utjecaja na slikarstvo.

Koja je razlika između slikarstva u eri genija A.S. Puškin?

Vjerovatno oličenje svijetlih i humanih ideala slobodoljubivog naroda...

Uporedo sa klasicizmom razvijao se romantičarski pokret i formirao realizam.

Romantični pravac ruskog slikarstva postao je početak razvoja realizma u narednim decenijama. Ovako ide zbližavanje ruski umetnici, romantičari sa stvarnim životom, što je bila suština umetničkog pokreta ovog vremena. Široka distribucija izložbi u isto vrijeme govori o zbližavanju ruskog naroda sa svijetom umjetnosti, ljudi svih klasa nastoje posjećivati ​​izložbe. Smatra se da je slika K.P. Brjulovljev "Posljednji dan Pompeja" poslužio je kao takvo zbližavanje. Ljudi iz Sankt Peterburga svih klasa su pokušavali da je vide.

Rusko slikarstvo postaje multinacionalno, slike dobijaju nacionalne nijanse, u Akademiju se primaju studenti različitih nacionalnosti. Ovdje studiraju starosjedioci Ukrajine, Bjelorusije, baltičkih država, Zakavkazja i Srednje Azije.

U prvoj polovini 19. veka slikarstvo je bilo zastupljeno u svim žanrovima: portret, pejzaž, mrtva priroda, istorijsko slikarstvo.

Poznati ruski umjetnici u prvoj polovini 19. stoljeća:

Remek dela ruskog slikarstva

• Slika Bryullova K.P. "Posljednji dan Pompeja"

• Slika Aivazovsky I.K. "Deveti talas"

• Slika Brunija F.A. "Bakarna zmija"

• Slika Venetsianova A.G. "Pod štale"

• Slika Tropinin V.A. "Čipkarica"

Prvo slikanje polovina 19. veka veka

Početak 19. stoljeća tradicionalno se naziva zlatnim dobom ruske kulture. To je vrijeme kada je blistao genije A. Puškina, A. Gribojedova i N. Gogolja, a ruska slikarska škola u liku K. Brjulova dobila je evropsko priznanje. Majstori ovog istorijskog perioda, uprkos dramatičnim okolnostima života, težili su u umetnosti spokojnom skladu i vedrim snom, izbegavajući prikaz zemaljskih strasti. To je uglavnom bilo zbog preovlađujućeg zapadna evropa a Rusija s općim raspoloženjem razočaranja u aktivnoj borbi nakon sloma ideja Velike Francuske revolucije. Ljudi se počinju "povlačiti u sebe" i prepuštati usamljeničkim snovima. Dolazi doba romantizma, koje se u Rusiji poklopilo s početkom vladavine novog cara Aleksandra I i ratom s Napoleonom.

IN portretna umjetnost početak 19. stoljeća odražava skriveni svijet emocionalnih iskustava, melanholije i razočaranja. Glavni predstavnik romantičnog trenda u ruskoj portretnoj umjetnosti bio je Orest Adamovič Kiprenski (1782–1836). Diplomirao na Akademiji umjetnosti u Sankt Peterburgu, Kiprenski je živio burnim životom, u kojem je bilo svega: ludih romantičnih poriva, strastvene ljubavi, uspona slave i smrti u siromaštvu u tuđini. Od prvog, peterburškog perioda njegovog života, ostala je dragocena zaostavština - briljantna dela u žanru portreta („Portret A.K. Švalbea”, „Portret E.V. Davydova”, „Portret grofice E.P. Rostopčine”, „Portret D. N. Hvostove” “, itd.). Junaci portreta Kiprenskog su naglašeno suzdržani, ne pokazuju svoje emocije, ali na licu svakog od njih leži pečat „spremnosti“ za iskušenja sudbine i značaja, svojstven romantizmu. ljudska ličnost bez obzira na klasu, pol i godine.

U prvim godinama 19. vijeka, stil Empire dolazi u Rusiju iz napoleonske Francuske - novi povratak klasicizma. Racionalna jasnoća, skladna ravnoteža, veličanstvena strogost, prevladavanje zemaljskih strasti zarad ideala patriotske hrabrosti - sve ove karakteristike klasicističkog stila bile su tražene u vremenu Otadžbinski rat sa Napoleonom. Najupečatljiviji eksponent klasicizma u ruskom slikarstvu bio je Fjodor Petrovič Tolstoj (1783–1873), divan vajar, slikar i crtač. U njegovim zadivljujućim mrtvim prirodama, voće i cvijeće pojavljuju se kao „biseri stvaranja“, kao drevni ideal harmoničnog savršenstva, pročišćenog od svega „zemaljskog“ i nasumičnog.

Vatra Moskve, partizanski pokret, pobjednički kraj rata s Napoleonom - sve je to po prvi put natjeralo plemstvo da iznova pogleda na ljude, shvati svoj položaj i prepozna ga ljudsko dostojanstvo. U delima Alekseja Gavriloviča Venecijanova (1780–1847) prvi put se pojavljuje svet kmetovskog seljaštva. Ovaj umjetnik se suprotstavio ustaljenoj akademskoj rutini - počeo je slikati ne po akademskim shemama, već “a la nature”, što je u to vrijeme bila velika hrabrost. Venecijanovu su pozirali njegovi kmetovi, stanovnici sela Safonkovo ​​u Tverskoj guberniji. Seljački svijet na slikama Venetsianova viđen je kao s prozora romantičnog plemićkog imanja: u njemu nema mjesta za kritiku društvene nepravde ili prezaposlenosti. Venecijanovljev svijet je pun harmoničnog savršenstva, tišine, čistog mira, jedinstva ljudi i prirode. Po prvi put u poetski konvencionalni seljački žanr Venecijanova prožima skromni, tihi šarm tihe severnoruske prirode, što čini poseban šarm njegovih slika. Koristeći svoja sredstva, Venetsianov je na svom imanju osnovao školu za umetnike, koje je regrutovao uglavnom iz klase kmetova. Neki od njegovih učenika dostojno su nastavili njegovu liniju u umjetnosti. Tako su pjesnički interijeri Kapitona Aleksejeviča Zelencova (1790-1845), pejzaži Grigorija Vasiljeviča Soroke (1823-1864) i Evgrafa Fedoroviča Krendovskog (1810 - poslije 1853) vrijedni pažnje. Prema A. Benoa, "Venetsianov je sam podigao čitavu školu, čitavu teoriju i posijao prvo sjeme ruskog narodnog slikarstva."

Najbolji diplomci Akademije umjetnosti dobili su pravo na praksu u Italiji - zemlji "žive" antike i prekrasnih remek-djela renesanse. Mnogi od umjetnika, odlazeći u Italiju, ostali su u ovoj zemlji dugi niz godina, ne želeći da se vraćaju u Rusiju, gdje je vladao duh zvanične regulacije umjetnosti, slikari su ovisili o naredbama carskog dvora.

Talentovani umetnik Mihail Ivanovič Lebedev (1811–1837), koji je rano umro, naslikao je svoje najbolje romantične pejzaže u Italiji. Zadivljujuća italijanska priroda i velikodušno južno sunce inspirisali su najdarovitijeg pejzažnog slikara ove generacije, Silvestra Feodosijeviča Ščedrina (1791–1830). Ščedrin je otišao na penzionersko putovanje u Italiju 1818. i tamo je živio zbog bolesti do svoje smrti 1837. godine. Više puta je ponavljao iste motive – veličanstvene panorame Rima, spokojni pogledi na stijene i more na južnoj obali Italije u blizini Napulja i Sorenta. Ščedrin je bio prvi koji je počeo da slika pejzaže na otvorenom (open air), oslobađajući ga tradicionalnih akademskih konvencija slikanja. U njegovim pejzažima nećemo naći romantične oluje i kišno loše vrijeme, u njegovim pejzažima vladaju blistavo sunce i spokojan mir, ljudi žive ujedinjeno sa okolnom prirodom, a priroda ljudima daje blaženstvo, opuštanje i „pomaže“ u svakodnevnom radu.

Karl Pavlovič Brjulov (1799–1852) bio je najpoznatiji slikar među svim ruskim majstorima ranog 19. veka. Njegova grandiozna slika "Posljednji dan Pompeja", nastala u Italiji, doživjela je veliki uspjeh u Evropi i Rusiji. U svojoj domovini Brjulov je dočekan kao nacionalni heroj. Virtuozni crtač, zaljubljen u spoljašnju lepotu sveta, Brjulov je uspeo da „prolije novu krv“ u umirući akademizam, ispunivši ga svetlim romantičnim iskustvima. I unutra priča slike, a na portretima Brjulov predstavlja život u oblicima pozorišta. Njegovi veliki svečani portreti, na kojima je osoba prikazana kao da je uhvaćena u trenutku „uloge“ radnje („Jahačica“, „Portret N.V. Lutkara“ itd.), uživali su veliki uspjeh među kupcima. Umjetnik nije sebi postavio zadatak da prenese jedinstvenu individualnost pojedinca, nego se prvenstveno bavio vanjskom zadivljujućom ljepotom žene, sjajem skupa odeća, luksuzno uređenje enterijera. IN poslednjih godina Bryullovljevo stvaralaštvo udaljava se od ideala „smirenog“ vanjskog sjaja, njegovi portreti postaju intimniji i psihološki dublji („Portret A. N. Strugovshchikova“, „Autoportret“ iz 1848.)

Prije svega umjetnici prvog poluvremena XIX vijeka uzdiže se lik briljantnog majstora Aleksandra Andrejeviča Ivanova (1806–1858). Prema A. Benoit-u, “u njemu je živjela djetinjasta, anđeoska, radoznala duša, prava duša proroka, žedna istine i koja se ne boji mučeništva.” U Italiji, gdje je Ivanov nakon diplomiranja na Umjetničkoj akademiji poslat u mirovinu, radio je dvadesetak godina na grandioznom platnu „Pojavljivanje Krista narodu“ i tek nedugo prije smrti vratio se u domovinu. Ruska javnost nije cijenila sliku, a njen autor je ubrzo umro od kolere u Sankt Peterburgu, ne stigavši ​​novac za glavnu sliku svog života, koju je kupio car.

Ivanovljeve pripremne pejzažne skice za "Pojavljivanje Hrista ljudima" postale su prava remek-dela. Radeći na otvorenom u okolini Rima, umjetnik je, u potrazi za istinom boje, došao do zadivljujućih kolorističkih otkrića, anticipirajući dostignuća francuskih impresionista. Ivanov je bio pravi umetnik-mudrac religioznog osećanja, koji je uspeo u ciklusu akvarela „Biblijske skice“ da kaže novu reč u istoriji religioznog slikarstva, da predstavi ono najgrandioznije i najnerazumljivije sa „istinski uskršnjom svečanošću“ (A. Benois). ).

Vasilij Andrejevič Tropinin (1776 (?) - 1857) postao je prvi profesionalni moskovski portretista, osnivač moskovske slikarske škole. Za umetnika kmeta imao je srećnu sudbinu: njegov gospodar grof Morkov platio mu je studije na Akademiji umetnosti, podsticao njegovo stvaralaštvo i 1823. dao mu slobodu. Odmah nakon toga, Tropinin, već popularan među Moskovljanima, dobio je titulu "imenovanog akademika". Umjetnik nam je ostavio čitavu galeriju lica poslijepožarne Moskve, u kojoj je vladala posebna atmosfera slobode, gostoljubivosti stanovnika i sposobnosti da se prepuste životnim radostima. Tropininovi portreti zadivljuju svojom vitalnošću i istovremeno ljubaznim, ljubaznim pogledom na osobu.

Pavel Andrejevič Fedotov (1815–1852) bio je gardijski oficir u finskom puku, ali je sa 29 godina 1844. otišao vojna služba i potpuno se posvetio umjetnosti. Sudbina mu je dozvolila oko osam godina da stvara - Fedotov je umro u 37. godini u psihijatrijskoj bolnici, uspevši da naslika ne mnogo slika, ali svaka od njih je dragoceni biser koji je ušao u riznicu ruske umetnosti. Umjetnik je radio na polju svakodnevnog žanra, dajući mu novu visinu i oštrinu. Scene iz života trgovaca i plemstva ispunjava nježnim humorom, ismijavajući moderne običaje (“Majorovo šibicarenje”, “Probirljiva nevjesta” itd.). Fedotov prikazuje svijet ljudi i njihovu objektivnu okolinu sa zadivljujućim likovnim savršenstvom, ljubavnom prodornošću, nježnošću i istinitošću. Zadnja slika teško bolesni umjetnik “Anchor, more anchor!”, očajnički tih i tmuran, podsjeća na mutne snove groznice. U njemu nestaju divljenje svijetu i blistavi spokoj - na istorijsku scenu stupa nova, trezvena i duboko kritička slika stvarnosti - realizam.

SYLVESTER SHHEDRIN. Novi Rim. Dvorac Sv. Anđela.1824. Država Tretjakovska galerija, Moskva

U Ščedrinovom pejzažu, slika Večnog grada je istovremeno veličanstvena i intimna. Teška kamena masa Castel Sant'Angelo uravnotežena je zgradama i čamcima na lijevoj obali Tibra. Veličanstveni, glatki tok rijeke "vodi" pogled gledatelja na drevni lučni most i siluetu katedrale Svetog Petra - simbola veličine Rima. U prvom planu svakodnevni život građana teče mirno i polako: izvlače čamac na obalu, spremaju se za plovidbu, jure svojim poslom... Svi detalji krajolika su živi, ​​viđeni u prirodi, lišeni akademskih konvencija . Sama slika je veoma lepa: sve je obavijeno vazduhom, prožeto jutarnjom mekom, difuznom svetlošću.

SYLVESTER SHHEDRIN. Grotto Matromanio na ostrvu Capri.

Iz zasjenjene špilje špilje pruža se zadivljujući pogled na vode i stijene morskog zaljeva, koje kao da se kupaju pod blistavim zrakama sunca. Luk špilje čini neku vrstu bekstejdža koja efektno ograđuje daleki prostor morskog zaliva od sveta bliskog posmatraču. Svakodnevni život ljudi.

SYLVESTER SHHEDRIN. Mala luka u Sorentu s pogledom na ostrva Ischia i Procido.1826. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Od svih brojnih Ščedrinovih pogleda na Sorento, ovaj krajolik je najhelenskog duha. Sunčeve zrake „opipljivo“ silaze s neba, odražavaju se u mirnoj srebrnastoj površini zaljeva, nježno osvjetljavaju priobalne kolibe i čamce, naglašavajući ležerno i odmjereno kretanje malih figurica ribara, zauzetih svakodnevnim poslovima. Boje pejzaža su blistave, sjene su prozirne, sve je ispunjeno zrakom.

SYLVESTER SHHEDRIN. Veranda isprepletena grožđem.

Jedan od najboljih umetnikovih pejzaža, naslikan u okolini Napulja, prožet je helenskim duhom čistog mira i svetle harmonije. Priroda se u Ščedrinu pojavljuje kao slika raja na zemlji. Puše svježim i vlažnim dahom mora, aromom zagrijanog lišća grožđa. Sklanjajući se na verandu od užarenog sunca, ljudi se prepuštaju blaženom opuštanju. Zlatni zraci sunca prodiru kroz isprepletene grane grožđa, padaju kao odsjaji na kamene oslonce verande i reflektuju se u sjajnim odsjajima na izgoreloj travi... Ščedrin majstorski prenosi najsloženiji svetlosni efekat, postižući jedinstvo elementa svjetlosti, boje i zraka koji se ranije nije vidio u pejzažu.

MAXIM VOROBYEV. Jesenska noć u Sankt Peterburgu (Pristanište sa egipatskim sfingama na Nevi noću).1835. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U jednom od svojih najboljih pogleda na Sankt Peterburg, Vorobjov prenosi puninu romantičnog užitka pred prekrasnim gradom i njegovom arhitekturom. Sjaj punog mjeseca pravi kutak Sankt Peterburga pretvara u prekrasnu viziju. Čuvene kamene sfinge uokviruju granitni nasip tamnim siluetama; lunarna staza na Nevi vodi pogled gledatelja u daljinu i poziva da se divi besprijekornim proporcijama palača na suprotnoj obali. Savremenici u Vorobjovljevim pejzažima divili su se "prozirnosti boja", njihovoj zasićenosti svjetlošću i toplinom, "svježini i postupnosti u sjenama".

MAXIM VOROBYEV. Hrast razbijen munjom.1842. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj pejzaž nastao je kao alegorija za neočekivanu smrt umjetnikove supruge Kleopatre Loginovne Vorobyove, rođene Šustove. Zasljepljujući bljesak munje rascijepio je deblo moćnog drveta. U sve gušćem plavom sumraku zemlja se spaja sa nebom, u podnožju hrasta dižu se ljuti morski talasi u koje juri usamljeni lik, gotovo nevidljiv u vrtlogu stihije. Umjetnik ovdje utjelovljuje omiljeni motiv romantizma: tragičnu nemoć čovjeka pred udarom veličanstvene, ali nemilosrdne stihije.

MIKHAIL LEBEDEV. U parku Chiji.1837. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Nakon što je diplomirao na Akademiji umjetnosti, Lebedev je otišao na penzionerski put u Italiju kako bi nastavio studije, odakle je napisao: „Čini mi se da je u Italiji (i svuda) grijeh raditi bez života. U jednom od svojih najboljih djela umjetnik hrabro odstupa od kanona klasičnog pejzaža tradicionalnog za ovo vrijeme. Kompozicija je građena dijagonalno i puna je pokreta. Atmosfera sparno dana i bujna snaga južnjačke vegetacije uzbuđeno su i živopisno preneseni; Kamenito tlo širokog puta, oslikano slobodnim potezima, kao da je upilo sunčevu toplinu.

Zajedno sa Silvom. Ščedrin, Lebedev, koji je rano umro, postao je pionir u ruskom slikarstvu živog, direktnog osjećaja prirode.

GRIGORY CHERNETSOV. Parada povodom otvaranja spomenika Aleksandru I u Sankt Peterburgu 30. avgusta 1834. godine.1834. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Černjecov je bio dvorski slikar cara Nikolaja I, koji je sebe smatrao velikim poznavaocem umetnosti. Radovi Černjecova tačno odražavaju ukuse cara - sklon vojnim poslovima, Nikolaj I je zahtevao od umetnika "protokolarni" snimak prirode u prikazu parada, uniformi, oružja itd. Panorama Dvorskog trga kao da je nacrtana uz lenjir, ogromno severno nebo sa kišnim oblacima spektakularno "zasjenjuje" paradu trupa ispred Aleksandrovog stupa, izgrađenog po projektu francuskog arhitekte Montferrana.

OREST KIPRENSKY. Portret A. K. Schwalbea.1804. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret prikazuje umjetnikovog oca Adama Karloviča Schwalbea, kmeta veleposjednika A. S. Dyakonova. Kiprenski je volio pričati kako je ovaj portret, prikazan na izložbama u Napulju i Rimu, pogrešno smatran radom Rembrandta ili Rubensa. Umjetnik je uspio prenijeti karakter portretirane osobe - energičan i čvrst. Lice je vrhunski izvajano sa dubokim borama i snažnom bradom, a svjetlo ističe ruku koja samouvjereno drži štap. Ovo rano djelo pripada neospornim remek-djelima kista Kiprenskog, što svjedoči o njegovoj dubokoj asimilaciji slikarskih tehnika starih majstora.

OREST KIPRENSKY. Portret grofa F.V. Rostopčina.

Gradonačelnik Moskve Fjodor Vasiljevič Rostopčin (1765–1826) imao je rijedak smisao za humor i bavio se književna aktivnost. Čitava elita Moskve u to vrijeme okupljala se u poznatom salonu Rostopchin. Tokom Napoleonove invazije, glasine su pripisivale Rostopčinu naredbu da spali Moskvu.

U ovom radu, odličnog dizajna i boje, nećemo vidjeti nikakve posebne karakteristike karaktera modela: portret je jednostavan, pa čak i skroman. U poređenju sa majstorima prethodne ere, Kiprenski manje obraća pažnju na dodatke i detalje odeće. Crni kaput i sklopljene ruke doživljavaju se gotovo kao jedno mjesto. Ovako je o ovom poslu govorio i sam Rostopčin: "Sjedim sklopljenih ruku, besposlen i dosadan."

OREST KIPRENSKY. Portret grofice E. P. Rostopčine.1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret je izveo Kiprenski u paru sa portretom supruga grofice F.V. Rostopčin. Ekaterina Petrovna Rostopčina (1775–1859) bila je deveruša Katarine II. Potajno je prešla na katoličanstvo i posljednjih godina živjela je vrlo povučeno. Kiprenski stvara meku, dobronamjernu, iskrenu sliku osobe koja se portretira. Čitav njen izgled odiše tišinom i zaokupljenošću sobom. Šema boja je bogata suptilnim i nježnim prijelazima srebrnih i maslinastih tonova, što odgovara raspoloženju portreta.

OREST KIPRENSKY. Portret doživotnog husarskog pukovnika E.V.Davydova.1809. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret prikazuje rođaka poznatog pjesnika i heroja rata 1812. Denisa Davidova - Evgrafa Vladimiroviča Davidova (1775–1823). U vrijeme slikanja portreta bio je pukovnik lajb-gardijskog husarskog puka i učestvovao je u bici s Napoleonom kod Austerlica. Figura je okružena misterioznim romantičnim sumrakom, u kojem možete vidjeti maslinovo lišće na pozadini crno-plavog neba. Kiprenski pronalazi divnu harmoniju boja: crvena boja uniforme, zlatna pletenica, bele helanke... Na Davidovom licu više je spoljašnjeg šarma nego dubokog psihologizma. Hrabri, neustrašivi heroj pokazuje svoje hrabro držanje i veselu hrabrost svoje mladosti.

OREST KIPRENSKY. Portret A. A. Čeliščova.1808 – početak 1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Aleksandar Aleksandrovič Čeliščov (1797–1881) je od 1808. odgajan u Paževskom korpusu, a kasnije je učestvovao u ratu 1812. – odnosno pripadao je generaciji koja je odredila sudbinu Rusije u početkom XIX veka. U izgledu 11-godišnjeg dječaka Kiprenski primjećuje poseban, nedjetinjast izraz lica. Tamne perle oči zamišljeno i pažljivo gledaju u gledaoca, pokazuju ozbiljnost i „spremnost“ za teške životne iskušenja. Rješenje u boji Portret je baziran na Kiprenskom omiljenoj kontrastnoj kombinaciji crne, bijele, crvene i svijetlog zlata.

OREST KIPRENSKY. Portret D. N. Khvostove.1814. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Jedan od najzanimljivijih ženske slike Kiprenski je ispunjen raspoloženjem tihe, zamišljene kontemplacije. Darija Nikolajevna Hvostova (1783–?) bila je nećaka bake M. Lermontova.

Za razliku od portretista prethodne ere, umjetnica ne zaustavlja pažnju gledatelja na dodacima svoje odjeće: oni su predstavljeni delikatno, s općenito velikim mrljama. Na portretu žive oči - neverovatne tamne oči, koje kao da su obavijene maglom razočaranja, tužnih uspomena i plahih nada.

OREST KIPRENSKY. Portret E. S. Avduline.1822 (1823?). Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Ekaterina Sergejevna Avdulina (1788–1832) - supruga general-majora A. N. Avdulina, veliki poznavalac umetnosti i aktivni učesnik Društva za podsticanje umetnika, vlasnica vile na Dvorskom nasipu i kućnog pozorišta u Kamennoostrovskaya dacha. Odjevena je u modernu kapu koja joj pristaje uz glavu, a u rukama drži lepezu - neizostavan atribut dame ovog vremena van doma. Njene sklopljene ruke su citat iz La Gioconde Leonarda da Vincija, koju je Kiprenski nesumnjivo vidio u Luvru. Jedan od njegovih savremenika je tvrdio da su na ovom portretu „zaokruženost tela i svetlost urađeni majstorski. A kako je simbolična lavlja trava koja gubi latice, stoji u čaši vode!..” Pred nama je romantična, kontemplativna priroda, uronjena u svoje skrivene misli. Grana nježnog bijelog cvijeća u krhkom staklu na prozoru kao da podsjeća na izgled prikazane žene.

OREST KIPRENSKY. Auto portret.1828. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj autoportret je naslikan prije nego što je umjetnik otišao u Italiju. Pred nama poznati majstor, koji je dobio pohvalne kritike svojih savremenika, a ujedno i umorna i razočarana osoba. Prema memoarima savremenika, „Kiprenski je bio zgodan, lepih izražajnih očiju i prirodno talasastih lokna. Lagano škiljeći očima, ispitujući gleda u posmatrača, kao da se o nečemu pita. Portret je dizajniran u toploj, bogatoj boji. Boje na licu odražavaju boje ogrtača. Pozadina, kao i u drugim majstorovim djelima, čini se zgusnutim mrakom, iz kojeg se nježno ističe lik prikazane osobe.

OREST KIPRENSKY. Portret A. S. Puškina.1827. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret je naslikan u Sankt Peterburgu po nalogu A. Delviga odmah po povratku pjesnika iz izgnanstva iz Mihajlovskog. Savremenici koji su blisko poznavali Puškina tvrdili su da sličniji portret pjesnika ne postoji. Slika Puškina je lišena svakodnevnog života, karakteristične "arapske" karakteristike njegovog izgleda su ublažene. Njegov pogled klizi pored posmatrača - pesnika kao da je umetnik uhvatio u trenutku stvaralačkog uvida. Istaknuta pozadina oko glave podsjeća na neku vrstu oreola - znak izabranosti. Sa engleskim kockastim ogrtačem prebačenim preko ramena, Puškin se poredi sa velikim engleskim romantičarskim pesnikom Bajronom. Svoj stav prema portretu izrazio je u poetskoj poruci Kiprenskom „Omiljenik lakokrile mode...” – „Vidim se kao u ogledalu, / Ali ovo ogledalo mi laska.”

VASILY TROPININ. Portret A.V. Tropinina, umjetnikovog sina.UREDU. 1818. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret prikazuje Arsenija Tropinina (1809–1885), umetnikovog sina jedinca. Ovaj portret izdvaja se među ostalim majstorovim radovima posebnom unutrašnjom toplinom i srdačnošću. Tropinin rješava najteži problem - pronalazi slikovna sredstva koja izražavaju poseban svijet dječje duše. Portret je lišen statičnog poziranja: dječak je prikazan u laganom zaokretu, njegov Zlatna kosa razbacan okolo, osmeh mu je igrao na licu, ovratnik košulje nehajno otvoren. Umjetnik oblikuje formu dugim pokretnim potezima, a ovaj dinamizam poteza ispada u skladu s djetinjastim temperamentom i romantičnim očekivanjem otkrića.

VASILY TROPININ. Portret P. A. Bulahova.

Šarm ovog lika je u njegovoj živosti i mentalnoj ravnoteži, u harmoniji jednostavnih i jasnih odnosa sa svijetom. Njegovo rumeno, sjajno lice isklesano je pokretnim potezima, srebrni krzneni prsluk, rukav plave košulje je široko i slobodno ofarban, marama mu je „vezana” sa nekoliko poteza kista... Ovaj način slikanja savršeno odgovara na samozadovoljnu i veselu, vrlo moskovsku sliku Bulahova, koji nas, prema A. Benoit-u, na portretu podsjeća na „mačku koja je lizala pavlaku“.

VASILY TROPININ. Portret K. G. Ravicha.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret službenika moskovske granične kancelarije, Konstantina Georgijeviča Raviča, veoma je moskovski po duhu, daleko od službene strogosti i samozadovoljne izolacije. Čini se da je Ravič bio iznenađen umjetnikom: on je u kućnom ogrtaču, kosa mu je u rasulu, kravata mu je opuštena. Odsjaji jarko crvenog ogrtača „plamte“ s rumenom na njegovom uglađenom i dobrodušnom licu. Ravič izražava uobičajen tip moskovskog plemstva - bio je ljubitelj vrtenja i kartanja. Nakon toga je optužen za smrt jednog od igrača koji je nakon velikog poraza doživio moždani udar, proveo sedam godina u zatvoru i protjeran u Sibir "pod sumnjom".

VASILY TROPININ. Portret A. S. Puškina.1827. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Portret je naslikan u prvim mesecima 1827. godine, ubrzo nakon što se pesnik vratio iz Mihailovskog izgnanstva. Puškinov prijatelj, S. Sobolevski, prisjetio se da je „sam Puškin tajno naručio portret Tropinjinu i predstavio mi ga kao iznenađenje raznim farsama (koštao ga je 350 rubalja).“ Prema drugoj verziji, portret je naručio sam Sobolevski, koji je želio da pjesnika ne vidi "zaglađenog" i "uglađenog", već "razbarušenog, sa dragocenim mističnim prstenom na palcu jedne ruke". Kao rezultat toga, na portretu intimnost slike koegzistira s romantičnim „ushićenjem“, savršeno prenesenim životom duha velikog pjesnika.

VASILY TROPININ. Portret K. P. Brjulova.

Tropinin je upoznao Karla Brjulova 1836. godine u Moskvi, gdje se autor “Posljednjeg dana Pompeja” zaustavio na putu iz Italije za Sankt Peterburg. Maestro je prikazan sa olovkom i albumom na pozadini Vezuva koji eruptira. "Da, on je sam pravi Vezuv!" - pričali su o Brjulovu, diveći se elementarnoj snazi ​​njegovog talenta. Portret izražava javni patos percepcije Brjulova kao briljantnog majstora, čiji je izgled podsjećao na "zlatnokosog" Apolona. Brjulov je visoko cijenio Tropinina, priznao je u jednom od svojih pisama umjetniku: "Ljubim tvoju dušu, koja je u svojoj čistoći sposobnija od bilo koga drugog da u potpunosti shvati užitak i radost koji ispunjavaju moje srce..."

VASILY TROPININ. Čipkarica.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ono što ovdje vidimo nije portret određene djevojke, već skupna poetska slika zanatlije, kakvu je Tropinin mogao sresti u kućama plemenitih Moskovljana. Umjetnik ne oslikava tvrdoću koja je bila u njenom složenom i mukotrpnom radu, on se divi i divi šarmu i ljepoti mladosti. P. Svinin je o ovoj slici napisao da „otkriva čistu, nevinu dušu lepote i onaj pogled radoznalosti koji je bacila na nekoga ko je u tom trenutku ušao: njene ruke, ogoljene do laktova, zastale su zajedno sa pogledom, a uzdah je izletio iz djevičanskih grudi, prekrivenih maramicom od muslina."

Umjetnik je često bio zamjeran zbog stalnog osmeha njegovih likova. „Ali ja ne izmišljam, ne komponujem ove osmehe, ja ih slikam iz života“, odgovorio je Tropinin.

VASILY TROPININ. Autoportret na pozadini prozora koji gleda na Kremlj.1846. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Na autoportretu Tropinin sebe prikazuje kao vrijednog umjetnika koji je uz pomoć umijeća, truda i talenta uspio „ući u oči javnosti“. Odjeven je u radni kaput, naslanja se na štap, au lijevoj ruci drži paletu i kistove. Široka panorama Kremlja iza njega oličenje je umjetnikovih misli o njegovom rodnom gradu. „Smirenost koja je disala iz Tropinjinovog samozadovoljnog starog lica nije mu pala lako. Neprestano boreći se sa preprekama i ugnjetavanjem, ovaj mir je stekao pod sjenom vjere i umjetnosti”, napisao je N. Ramazanov, koji je poznavao umjetnika. Ovaj autoportret, koji se čuvao u njegovoj kući nakon Tropinjinove smrti, Moskovljani su kupili od umetnikovog sina pretplatom i poklonili ga Rumjancevskom muzeju u znak posebnog poštovanja i priznanja zasluga majstora drevnoj prestonici.

KARL BRYULLOV. Italijansko popodne (Talijanka bere grožđe).1827. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Ova slika je nastala kao par za „Italijansko jutro” (1823, Kunsthalle, Kiel) i poslata je u Rusiju kao izveštaj za vreme umetnikovog boravka u Italiji. Bryullov je iskoristio priliku u Italiji da studira ženske modele (na Akademiji u Sankt Peterburgu žene nisu pozirale umjetnicima). Zanimalo ga je prikazivanje ženske figure u različitim svjetlosnim efektima - rano ujutro ili u jarkom svjetlu italijanskog popodneva. Žanrovska scena ispunjena je duhom slatke senzualnosti. Zrela ljepota Italijana odjekuje zrelošću grožđa ispunjenog slatkim sokom, svjetlucavim na suncu.

KARL BRYULLOV. Prekinuti datum („Voda već teče...“).Akvarel. 1827–1830. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U Italiji je Bryullov bio jedan od osnivača „italijanskog“ žanra, koji je uživao veliki uspjeh među kolekcionarima i putnicima. Umjetnikove slike o svakodnevnom životu Italijana spajaju klasičnu ljepotu i romantičan pogled na svijet stvarnosti. U jednom od najboljih akvarela „italijanskog“ žanra, šarmantna žanrovska scena, ispunjena dobrodušnim humorom, odvija se u pozadini slatko prelepe italijanske prirode. Brjulov je maestralno savladao klasičnu tehniku ​​akvarela, majstorski prenevši na list papira blistav vazduh vrelog italijanskog dana, svetlucave bele košulje likova i kameni zid kuće zagrejan od sunca.

KARL BRYULLOV. Bathsheba.

Radnja je zasnovana na legendi o mladoj ljepoti koja se kupa, koju je ugledao kralj David dok je šetao krovom svoje palate.

Brjulov s entuzijazmom pjeva o ženskoj ljepoti, koja je „samo mogla okruniti svemir“. Nežnost prelepog „starinskog” tela Bat-Šave, obasjanog kosim zracima zalazećeg sunca, naglašena je bujnim naborima draperija, koje je umetnik pretvorio u postolje lepote. Proziran mlaz vode koji teče u bazen blista sunčevom svjetlošću. Čitavo platno je prožeto senzualnim šarmom i radošću postojanja.

KARL BRYULLOV. Rider.1832. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj svečani portret Italijana Giovannine (jahačice) i Amatsilia Paccini naručila je od Brjulova grofica Julija Samoilova, prijateljica umjetnika, koja je primila ove djevojčice siročad. Umjetnik spaja tradicionalni konjički portret sa radnjom radnje. Uoči grmljavine, lijepa jahačica žuri da se vrati s jahanja. Šarmantna Amazilia je istrčala u susret sa sestrom na lođi. Giovannino lice, uprkos brzom skoku, ostaje mirno lijepo. Pred nama je omiljena tehnika ere romantizma: sudar moćnih prirodnih elemenata i otpornosti ljudskog duha. Umjetnik se divi rascvjetaloj ljepoti mladosti, divi se ljupkosti djeteta, gracioznosti rasnog konja, sjaju svile i sjaju uvojaka kose... Portret se pretvara u elegantan očaravajući spektakl, himnu lepota života.

KARL BRYULLOV. Poslednji dan Pompeja.1833. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Bryullov je smislio radnju slike nakon što je posjetio iskopine Pompeja, drevnog rimskog grada u blizini Napulja koji je umro u 1. vijeku od erupcije Vezuva. Prilikom rada na slici, umjetnik je koristio opise istoričara Plinija Mlađeg, svjedoka smrti grada. glavna tema slike su „narod obuzet strahom“ od moći svepobedničke sudbine. Kretanje ljudi je usmjereno iz dubine slike prema gledaocu dijagonalno.

Hladna svjetlost munje ističe odvojene grupe ljudi ujedinjene jednim duhovnim impulsom. Na lijevoj strani, u masi, umjetnik je sebe prikazao sa kutijom boja na glavi. N. Gogol je pisao da prelepe Brjulovljeve figure ljepotom prigušuju užas svoje situacije. Umjetnik je spojio žar romantičnog pogleda na svijet s tradicionalnim tehnikama klasicizma. Slika je doživjela veliki uspjeh u Evropi, a u Rusiji je Brjulov dočekan kao trijumfalni: „Donio si plijen mira / Sa sobom u očev baldahin. – / I bio je posljednji dan Pompeja / Za rusku četku, prvi dan” (E. Baratynsky).

KARL BRYULLOV. Portret I. A. Krilova.1839. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret Ivana Andrejeviča Krilova (1768/1769–1844) umjetnik je naslikao u jednoj sesiji i nije dovršen. Krilovljevu ruku završio je student F. Goretsky od gipsa sada pokojnog fabulista. Krilov na portretu ima oko 70 godina, njegov izgled obilježava stroga plemenitost i živa, aktivna energija. Zadivljujuća je slikovita maestričnost portreta, omiljena Brjulovljeva romantična i zvučna kombinacija crne, vatrenocrvene i zlatno žute boje.

KARL BRYULLOV. Portret N.V. Kukolnika.1836. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U Sankt Peterburgu, Brjulov je bio redovan učesnik večeri na kojima se okupljala tadašnja književna boema. Njihov neizostavni učesnik bio je Nestor Vasiljevič Kukolnik (1809–1868), poznati dramski pisac, novinar, urednik časopisa Hudožestvennaja gazeta. Prema savremenicima, lutkar je imao nespretan izgled - veoma visok, uskih ramena, dugačko lice nepravilnih crta, ogromne uši, male oči. Na portretu Brjulov estetizira svoj izgled, dajući mu misteriju romantičnog lutalice. Uši skrivene ispod šešira duga kosa, lukavi osmeh igra na njegovom bledom licu. Romantičnu atmosferu upotpunjuje sve dublji mrak prolaznog dana, trošni zid koji podsjeća na neumoljiv protok vremena i prostranstvo mora u daljini.

KARL BRYULLOV. Portret A. N. Strugovshchikova.1840. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Aleksandar Nikolajevič Strugovščikov (1808–1878) bio je prijatelj Brjulova, prevodilac sa njemački jezik, izdavač Khudozhestvennaya Gazeta. Portret je naslikan u Sankt Peterburgu, u ateljeu Brjulova na Dvorskom trgu. Strugovshchikov pozira u stolici presvučenoj crvenom kožom (u istoj stolici vidimo Brjulova u čuvenom "Autoportretu" iz 1848.). U izgledu pomalo umornog Strugovshchikova, umjetnik je naglasio određenu nervozu i odvojenost. Nihilizam i melanholija bili su omiljena maska ​​generacije ovog vremena, kada je, prema rečima Strugovščikova, „pogrom od 14. decembra oduzeo... želju progresivnih ljudi društva da se mešaju u unutrašnju politiku našeg života i veoma su putevi do ovoga bili blokirani.”

KARL BRYULLOV. Portret grofice Yu. P. Samoilove napušta bal sa svojom usvojenom kćerkom Amaziliom Pacini.Najkasnije 1842. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret je naslikan u Sankt Peterburgu, gde je ekscentrična i nezavisna grofica došla da dobije ogromno nasledstvo. Na slici je prikazana zajedno sa svojom usvojenom kćerkom, koja svojom krhkošću kreće i dopunjuje luksuznu, zrelu ljepotu Samoilove. Kretanje groficine figure uravnoteženo je snažnim širenjem teške baršunaste zavjese, koja kao da se nastavlja u njenoj blistavo luksuznoj haljini. U ovom najboljem ceremonijalnom portretu majstora osjeća se izuzetna oduševljena vatra - posljedica posebnog stava umjetnika prema modelu.

KARL BRYULLOV. Auto portret.1848. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Prema sećanjima učenika Brjulova, ovaj autoportret majstor je naslikao tokom teške bolesti za samo dva sata. Rad oduševljava genijalnom virtuoznošću izvođenja: kosa se "češlja" u nekoliko pokreta četkom, iscrpljeno, blijedo, iznureno lice sa prozirnim sjenama, mlitavo obješena ruka iscrtana nadahnuto, malim potezima.. U isto vrijeme, slika nije lišena narcizma i elegantne umjetnosti. Teško fizičko stanje majstora samo naglašava kreativnu vatru, koja, unatoč teškoj bolesti, nije izblijedila u Bryullovu do kraja života.

KARL BRYULLOV. Portret arheologa M. Lancija.1851. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj portret Brjulovljevog starog prijatelja, italijanskog arheologa Michelangela Lancija (1779–1867), zadivljuje svojim živopisnim prikazom individualnosti pojedinca, nagovještavajući realističku metodu u umjetnosti portreta. Činilo se da je arheolog uhvaćen usred živog razgovora: skinuo je pense i uperio pažljiv i inteligentan pogled u sagovornika. Svijetla, zvučna boja, zasnovana na kombinaciji svijetle grimizne haljine i srebrnog krzna, naglašava ljubav modela prema životu.

Ova "energetska" zvučnost portreta je utoliko značajnija jer je Brjulovljeva fizička snaga već bila na izmaku. Portret je postao posljednje značajno djelo teško bolesnog umjetnika.

ALEXANDER BRYULLOV. Portret N. N. Puškine.1831–1832. Papir, akvarel. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Portreti Aleksandra Brjulova, brata Karla Brjulova, bili su izuzetno popularni među njegovim savremenicima. Među najboljima i najdragocjenijim za potomstvo je portret Natalije Nikolajevne Puškine, supruge velikog pjesnika. Umjetnik ne samo da hvata njene individualne crte, on izdiže prikazanu ljepotu iznad „proze života“, afirmirajući ženski ideal „čiste ljepote“ koji nalazimo u Puškinovim pjesmama: „Moje želje su se ostvarile. Stvoritelj / te mi je spustio, ti, moja Madona, / najčistiji primjer najčistije ljepote.”

ALEXANDER BRYULLOV. Portret E. P. Bakunine.Najkasnije 1832. Karton, akvarel. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ekaterina Pavlovna Bakunjina (1795–1869) bila je sestra Aleksandra Bakunjina, Puškinovog prijatelja iz liceja. Pjesnik je mogao sresti mladu Bakunjinu na balovima u liceju, kojima su prisustvovali pozvani rođaci gimnazijalaca i poznanici. „Kako je bila slatka! Kako crna haljina zalepio se za dragu Bakuninu! Ali nisam je video osamnaest sati — ah! Kakva situacija i kakva muka... Ali bio sam sretan 5 minuta” (iz Puškinovog dnevnika iz 1815.). Na intimnom, minijaturnom portretu vidimo Bakunjinu već u odrasloj dobi, međutim, muzikalnost linija i nježne prozirne boje akvarela u skladu su s oduševljenim osjećajem mladog pjesnika.

PETER SOKOLOV. Portret A. S. Puškina.1836. Papir, akvarel. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Sokolov je bio izvrstan majstor intimnih akvarelnih portreta Puškinove ere. Umjetnički kistovi uključuju tri životna portreta Puškina, portrete njegovih savremenika, prijatelja i neprijatelja. Ovaj portret predstavlja pjesnika na kraju svog života - pomalo umornog, koji je doživio mnoga razočaranja i strepnje. Njegov sin, akvarelista akademik A. Sokolov, govorio je o Sokolovljevom načinu rada:

„Sa izuzetnom smjelošću, istinoljubivi ton lica, haljine, čipkastog dodatka ili pozadine odmah je legao, gotovo u punoj snazi ​​i bio detaljan u miješanim, uglavnom sivkastim tonovima, sa izuzetnim šarmom i ukusom, tako da potez kista, njegovi potezi, spuštanje boje u ništa, ostali su na vidiku, ne ometajući potpuni završetak svih dijelova. Zbog toga u njegovim radovima nikada nije bilo primjetno mučenje ili rad; sve je ispalo svježe, jednostavno, au isto vrijeme odvažno i impresivnih boja.”

ALEXEY VENETSIANOV. Auto portret.1811. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Na autoportretu Venetsianov ima 31 godinu, ali izgleda kao umoran, svetski mudar čovek. U to vrijeme već je bio poznati majstor portretista, koji je svojim radom i upornošću postigao uspjeh. Autoportret zadivljuje svojom ozbiljnošću, istinitošću i jednostavnošću. Umjetnik, držeći paletu i kist u rukama, pažljivo promatra rad. Živa, topla svjetlost nežno modelira oblik. Venetsianov je poklonio ovaj portret Akademiji umjetnosti i za njega dobio titulu „imenovanog akademika“.

ALEXEY VENETSIANOV. Spava pastirica.Između 1823. i 1826. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Pejzaž ruskog sela, zadivljujući u svom duševnom šarmu, ispunjen je tihim, blistavim mirom: glatka površina reke, i zeleni povrtnjaci, i daleke oranice, i šumovita brda... Boje pejzaža su svetao, pun, kao da je prožet svetlošću. “Uspavani pastir” je jedan od njih najbolje slike Venecijanov u svom lirskom i iskrenom raspoloženju, u prenošenju intimne veze čoveka i prirode. Venetsianov se ovdje pojavljuje kao pionir suptilnog šarma skromne ruske prirode.

ALEXEY VENETSIANOV. Na oranicama. Proljeće.Prva polovina 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Slika predstavlja alegoriju proljeća. Seljanka u elegantnom sarafanu, upoređena sa boginjom cvetanja i proleća, Florom, veličanstveno korača oranicama. Na lijevoj strani u pozadini, druga seljanka s konjima kao da nastavlja kružno kretanje glavni lik, koji se zatvara desno na liniji horizonta s drugom ženska figura, nalik prozirnom fantomu. Pored zrela lepotica Flora vidimo alegoriju početka života - bebe Kupidona okruženog vijencima različka. Na desnoj strani slike, pored suvog panja, prema suncu se pružaju tanka mlada stabla.

Na slici je prikazan večni ciklus života: smena godišnjih doba, rađanje i venuće... Istraživači su primetili da je ova Venecijanovova slika svojim idiličnim raspoloženjem i alegorijskim prosvetljenjem, u kombinaciji sa ruskim motivima, zadovoljila ukuse cara Aleksandra I.

ALEXEY VENETSIANOV. Na žetvi. Ljeto.Sredinom 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovu sliku Venetsianov je zamislio kao uparivanje za rad „Na oranicama. Proljeće“ i bio je dio svojevrsnog ciklusa o godišnjim dobima. Svijet seljačkog života ovdje je lišen prozaičnih muka seoskog rada. Ovo je idila koju umjetnik vidi sa prozora “romantičnog” plemićkog imanja. Ali u srcu ove idile je umetnikova pametna i iskrena misao o lepoti i uzvišenom značaju svakodnevnih seljačkih briga, o posebnom šarmu ruske prirode. „Ko je u čitavom ruskom slikarstvu uspio prenijeti tako istinski ljetno raspoloženje kakvo je uneseno u njegovu sliku „Ljeto“, gdje iza pomalo uglato usađene žene, blago ispravljenog profila, čisto ruske prirode, više uopće nije ispravljena, prostire se: daleko, žuto polje koje sazrijeva u vrelom, suncem zasićenom zraku!” - uzviknuo je A. Benois.

ALEXEY VENETSIANOV. Djevojka sa maramom.

Mladu lijepu seljanku Venetsianov je naslikao sa izuzetnom toplinom i iskrenošću. Uprla je svoje velike oči u posmatrača živahnim pogledom, a blagi osmeh je igrao na njenim punim usnama. Plavi prugasti šal i tamna, sjajna, glatko začešljana kosa naglašavaju nježnost njenog djevojačkog lica. Prostor slike ispunjen je mekim svjetlom, boja je zasnovana na plemenitoj kombinaciji nježno zelenih, plavih i svijetlo bež tonova.

ALEXEY VENETSIANOV. Žetelice.Kasne 1820-te. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Na ovoj slici vidimo seljačkog dečaka Zaharku, junaka nekoliko slika Venecijanova, i njegovu majku Anu Stepanovu. Dječak, zajapuren od teškog rada i podnevne vrućine, naslonio se na majčino rame, očaran blistavim leptirima na njenoj ruci. Forma je izvajana gustom, punoglasnom bojom. Glatke, zaobljene linije ispunjavaju kompoziciju ravnotežom i mirom. Venetsianov pretvara nepretencioznu svakodnevnu priču iz života seljaka u poetski narativ o očaravajućoj ljepoti svijeta i radosti jedinstva s prirodom.

ALEXEY VENETSIANOV. Seljanka sa kukurijem.1830-ih Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Mlada seljanka je lišena romantičnog ushićenja, njena slika je jednostavna i ispunjena tihom, iskrenom poezijom. Izgubljena u svojim mislima, tužno i odvojeno prebira po jarko plavim različkama. Kolorjenje slike zasnovano je na suptilnim harmonijama hladnih dimno bijelih, srebrnih, svijetlih oker tonova, koji odražavaju djevojčino zamišljeno minorno raspoloženje.

GREGORY SOROKA. Pogled na imanje Spaskoye, Tambovska oblast.1840-ih Regionalna umjetnička galerija, Tver

Kmet P. I. Milyukova, Grigorij Soroka je s prekidima studirao kod Venetsianova na njegovom imanju Safonkovo. Umjetnik A. Mokritsky je napisao da je Venetsianov poučavao svoje učenike: „Svi ovi predmeti, čiju materijalnu razliku slikar mora opipljivo osjetiti i prenijeti... Za ovo... potrebna vam je izuzetna budnost oka, koncentracija, analiza, potpuna poverenje u prirodu i stalna težnja za njenim promenama na različitim stepenima i položajima svetlosti; potrebna nam je jasnoća razumijevanja i ljubav prema poslu.”

Soroka je talentovano oživotvorio namjere svog mentora. Savršeno rješava složene slikovne probleme, ispunjavajući pejzaž klasičnim mirom i svijetlom iskrenošću. Prateći Venecijanova, otkriva ljepotu u tihim motivima zavičajne prirode.

1840-ih Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Na slici vlada mirna vodena površina jezera Moldinskoye, određujući njegovo idilično, vedro raspoloženje. U svemu se osjeća sporost i tišina: dječak peca na obali, njegov prijatelj tiho klizi u čamcu uz obalu. Zgrade imanja na suprotnoj obali zatrpane su u veličanstvenim šikarama „vječno lijepe“ prirode. Prenošenje posebne poetske ljepote ruske prirode i raspoloženje zadivljujućeg, prosvijetljenog mira ispunjenog ljupkošću čine ovaj krajolik sličnim najbolji radovi A. Venetsianova.

GREGORY SOROKA. Ribari. Pogled na imanje Spaskoye, Tambovska oblast.Fragment

KAPITON ZELENTSOV. U sobama.Kasne 1820-te. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Krajem 20-ih godina 19. stoljeća žanr enterijera postaje popularan među umjetnicima, što je odražavalo interesovanje kupaca iz plemenitog društva na "poeziju domaćeg života". Zelencovljeva slika je duhom bliska najbolji radovi njegov mentor A. Venetsianov. Pred posmatračem se otvara apartman od tri prostrane, ukusno uređene sobe, preplavljene svetlošću. Na zidovima su slike i medaljoni F. Tolstoja, statua Venere u uglu pored prozora, uz zidove je postavljen elegantan namještaj od mahagonija. Sobe oživljavaju dva mladića koji treniraju psa. Gledajući ovaj enterijer, obuzima vas osjećaj čistog mira i svijetle harmonije, što je odgovaralo idejama o idealu privatnog života.

FEDOR SLAVYANSKY. Kancelarija A. G. Venetsianova.1839–1840. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Slavjanski je nastavio liniju svog učitelja A. Venetsianova kako u portretnom slikarstvu tako iu žanru enterijera. Njegov najbolji enterijer, koji prikazuje sobe u kući mentora, prožet je vedrim, skladnim raspoloženjem. Vrhunski napisan skup soba podsjeća na briljantan napredak u proučavanju perspektive. U stražnjem dijelu sobe, u blagom raspršenom svjetlu, na sofu je legao mladić - možda sam umjetnik ili neko od učenika vlasnika kuće. Sve u ovom prostoru podsjeća na služenje umjetničkim i umjetničkim interesima: kopije antičkih kipova, maneken seljanke u kokošniku kraj prozora, kao da je oživjela jarkim zracima sunca, slike na zidovima, obloga peći izrađena u "starinskom" stilu.

Iz knjige autora

Slikarstvo druge polovine 19. veka * * *U drugoj polovini 19. veka ruska likovna umetnost našla se u nemilosti društveno-političkih ideja. Nijedna druga evropska država nije imala tako dugu istoriju kritičkog realizma – istorijskog slikarstva.

Rusku likovnu umjetnost karakterizirali su romantizam i realizam. Međutim, službeno priznata metoda bila je klasicizam. Akademija umjetnosti postala je konzervativna i inertna institucija koja je kočila svaki pokušaj kreativne slobode. Zahtijevala je strogo pridržavanje kanona klasicizma i podsticala slikanje na biblijske i mitološke teme. Mladi talentovani ruski umjetnici nisu bili zadovoljni akademskim okvirom. Stoga su se češće okretali žanru portreta.
Slika je utjelovila romantične ideale ere nacionalnog uspona. Odbacivši stroga načela klasicizma bez odstupanja, umjetnici su otkrili raznolikost i jedinstvenost okolnog svijeta. To se nije samo odrazilo u već poznatim žanrovima - portretu i pejzažu - već je dalo poticaj rađanju svakodnevnog slikarstva, koje je postalo fokus pažnje majstora druge polovine stoljeća. Za sada je primat ostao istorijskom žanru. Bilo je to posljednje utočište klasicizma, međutim, i ovdje su se iza formalno klasične „fasade“ krile romantične ideje i teme.
Romantizam - (francuski romantisme), ideološki i umjetnički pokret u evropskoj i američkoj duhovnoj kulturi s kraja 18. - 1. pol. 19. vijeka Odražavajući razočarenje u rezultatima Francuska revolucija krajem 18. vijeka, u ideologiji prosvjetiteljstva i društvenog napretka. Romantizam je suprotstavio utilitarizam i ujednačavanje pojedinca sa težnjama za bezgraničnom slobodom i „beskonačnim“, žeđom za savršenstvom i obnovom i patosom lične i građanske nezavisnosti. Bolni nesklad između idealne i društvene stvarnosti osnova je romantičnog pogleda na svijet i umjetnosti. Afirmacija intrinzične vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, prikaz jakih strasti, prikaz jakih strasti, produhovljene i iscjeljujuće prirode, za mnoge romantičare - herojstvo protesta ili borbe koegzistiraju s motivima „svjetske tuge “, “svjetsko zlo”, “noćna” strana duše, odjevena u forme ironije, groteske, poetike dvaju svjetova. Interes za nacionalnu prošlost (često njena idealizacija), tradiciju folklora i kulture svojih i drugih naroda, želja za stvaranjem univerzalne slike svijeta (prvenstveno historiju i književnost), ideju sinteze umjetnosti našla izraz u ideologiji i praksi romantizma.
U likovnoj umjetnosti romantizam se najjasnije očitovao u slikarstvu i grafici, manje jasno u skulpturi i arhitekturi (na primjer, lažna gotika). Većina nacionalnih škola romantizma u likovnoj umjetnosti nastala je u borbi protiv zvaničnog akademskog klasicizma.
U dubinama zvanične državne kulture uočljiv je sloj „elitne“ kulture, koja služi vladajućoj klasi (aristokratiji i kraljevskom dvoru) i ima posebnu prijemčivost za strane inovacije. Dovoljno je prisjetiti se romantičnih slika O. Kiprenskog, V. Tropinjina, K. Brjulova, A. Ivanova i drugih velikih umjetnika 19. stoljeća.
Kiprenski Orest Adamovič, ruski umetnik. Izvanredan majstor ruske likovne umjetnosti romantizma, poznat kao divan slikar portreta. Na slici „Dmitrij Donskoj na Kulikovom polju“ (1805, Ruski muzej) pokazao je pouzdano poznavanje kanona akademskog istorijskog slikarstva. Ali rano, područje u kojem se njegov talenat najprirodnije i najlakše otkrio bio je portret. Njegov prvi slikovni portret (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), pisan u “Rembrandtovom” maniru, ističe se ekspresivnom i dramatičnom chiaroscuro strukturom. S godinama, njegova vještina – koja se očituje u sposobnosti stvaranja, prije svega, jedinstvenih, individualno karakterističnih slika, odabirom posebnih plastičnih sredstava za isticanje ove karakteristike – postaje sve jača. Pun impresivne vitalnosti: portret dečaka A. A. Čeliščova (oko 1810-11), uparene slike supružnika F. V. i E. P. Rostopčina (1809) i V. S. i D. N. Hvostova (1814, sve - Tretjakovska galerija). Umjetnik se sve više poigrava mogućnostima kontrasta boja i svjetla i sjene, pejzažnih pozadina i simboličkih detalja („E. S. Avdulina“, oko 1822., ibid.). Umjetnik zna i velike svečane portrete napraviti lirski, gotovo intimno opušteno („Portret životnog husarskog pukovnika Evgrafa Davidova“, 1809, Ruski muzej). Njegov portret mladog A.S., prekriven poetskom slavom. Puškin je jedan od najboljih u stvaranju romantične slike. U Kiprenskom Puškin izgleda svečano i romantično, u auri poetske slave. „Laskaš mi, Oreste“, uzdahnuo je Puškin, gledajući gotovo platno. Kiprenski je bio i virtuozni crtač koji je stvarao (uglavnom tehnikom italijanske olovke i pastela) primjere grafičke vještine, često nadmašujući njegove naslikane portrete svojom otvorenom, uzbudljivo laganom emocionalnošću. To su svakodnevni tipovi („Slepi muzičar“, 1809, Ruski muzej; „Kalmička Bajausta“, 1813, Tretjakovska galerija), i čuvena serija portreta olovkom učesnika Otadžbinskog rata 1812 (crteži E.I. Čaplica, A.R.Tomilove , P. A. Olenina, isti crtež sa pjesnikom Batjuškovim i drugima; 1813-15, Tretjakovska galerija i druge zbirke); herojski početak ovdje dobija iskrenu konotaciju. Veliki broj skica i tekstualnih dokaza pokazuje da je umetnik tokom svog zrelog perioda težio stvaranju velike (po sopstvenim rečima iz pisma A.N. Olenjinu 1834.), „spektakularne, ili, na ruskom, upečatljive i magične slike“, gde bi rezultati evropske istorije, kao i sudbina Rusije, bili prikazani u alegorijskom obliku. “Čitaoci novina u Napulju” (1831, Tretjakovska galerija) – naizgled samo grupni portret – zapravo je tajno simboličan odgovor na revolucionarne događaje u Evropi.
Međutim, najambicioznije od slikovitih alegorija Kiprenskog ostale su neostvarene ili nestale (poput "Anakreonove grobnice", završene 1821.). Ova romantična traženja, međutim, dobila su veliki nastavak u djelima K. P. Bryullova i A. A. Ivanova.
Realistički stil se ogledao u djelima V.A. Tropinina. Tropinjinovi rani portreti, naslikani suzdržanim bojama (porodični portreti grofova Morkova, 1813. i 1815., oba u Tretjakovskoj galeriji), još uvijek u potpunosti pripadaju tradiciji doba prosvjetiteljstva: model je bezuslovno i postojano središte slike u njima. Kasnije, kolorit Tropinjinove slike postaje intenzivniji, volumeni se obično izvajaju jasnije i skulpturalnije, ali što je najvažnije, insinuirajuće raste čisto romantični osjećaj pokretnog elementa života, od kojih je junak portreta kao da je samo dio, fragment (“Bulahov”, 1823; “K. G. Ravič”, 1823; autoportret, oko 1824; sva tri - na istom mjestu). Takav je A. S. Puškin na poznatom portretu iz 1827. (Sveruski muzej A. S. Puškina, Puškin): pjesnik, stavljajući ruku na hrpu papira, kao da "sluša muzu", sluša stvaralački san koji okružuje slika sa nevidljivim oreolom. Naslikao je i portret A.S. Pushkin. Gledaocu se predstavlja čovjek koji je mudar iz životnog iskustva i nije baš sretan. Na portretu Tropinjina pesnik je šarmantan na domaći način. Neka posebna staromoskovska toplina i udobnost zrači iz Tropininovih radova. Do svoje 47. godine bio je u zatočeništvu. Vjerovatno su zato lica običnih ljudi na njegovim platnima tako svježa, tako nadahnuta. A mladost i šarm njegove "Čipkarice" su beskrajni. Najčešće, V.A. Tropinin se okrenuo prikazu ljudi iz naroda ("Čipkarica", "Portret sina" itd.).
Umjetnička i ideološka potraga ruske društvene misli i očekivanje promjene ogledaju se u slikama K.P. Brjulov “Posljednji dan Pompeja” i A.A. Ivanov "Pojavljivanje Hrista ljudima."
Veliko umetničko delo je slika „Poslednji dan Pompeja” Karla Pavloviča Brjulova (1799-1852). Godine 1830. ruski umjetnik Karl Pavlovič Brjulov posjetio je iskopine drevnog grada Pompeja. Šetao je drevnim trotoarima, divio se freskama i u njegovoj mašti je nastala ta tragična noć avgusta 79. godine. e., kada je grad bio prekriven vrelim pepelom i plovućcem probuđenog Vezuva. Tri godine kasnije, slika "Posljednji dan Pompeja" trijumfalno je putovala od Italije do Rusije. Umjetnik je pronašao nevjerovatne boje kako bi oslikao tragediju drevnog grada, koji umire pod lavom i pepelom Vezuva koji je eruptirao. Slika je prožeta visokim humanističkim idealima. Pokazuje hrabrost ljudi, njihovu posvećenost, iskazanu tokom strašne katastrofe. Brjulov je bio u Italiji na poslovnom putu na Akademiji umjetnosti. Ova obrazovna ustanova pružila je dobru obuku u tehnikama slikanja i crtanja. Međutim, Akademija se jasno fokusirala na antičko naslijeđe i herojske teme. Akademsko slikarstvo odlikovala je dekorativnost pejzaža i teatralnost cjelokupne kompozicije. Scene iz savremeni život, običan ruski pejzaž smatran je nedostojnim umjetnikovog kista. Klasicizam u slikarstvu dobio je naziv akademizam. Bryullov je bio povezan sa Akademijom svom svojom kreativnošću.
Imao je snažnu maštu, oštro oko i vjernu ruku - i iznjedrio je žive kreacije u skladu s kanonima akademizma. Zaista, uz Puškinovu milost, znao je da na platnu uhvati i lepotu nagog ljudskog tela i podrhtavanje sunčevog zraka na zelenom listu. Njegova platna „Jahačica“, „Viršaba“, „Italijansko jutro“, „Italijansko popodne“ i brojni svečani i intimni portreti zauvek će ostati neuvenljiva remek-dela ruskog slikarstva. Međutim, umjetnik je uvijek težio velikim istorijskim temama, prikazivanju značajnih događaja u ljudskoj istoriji. Mnogi njegovi planovi u tom pogledu nisu ostvareni. Brjulov nikada nije napustio ideju o stvaranju epskog platna zasnovanog na zapletu iz ruske istorije. Započinje sliku „Opsada Pskova od strane trupa kralja Stefana Batorija“. Oslikava vrhunac opsade 1581. godine, kada su pskovski ratnici i. Građani žure da napadnu Poljake koji su provalili u grad i bace ih iza zidina. Ali slika je ostala nedovršena, a zadatak stvaranja istinski nacionalnih povijesnih slika nije izvršio Bryullov, već sljedeća generacija ruskih umjetnika. Istih godina kao i Puškin, Brjulov ga je nadživeo za 15 godina. Posljednjih godina je bio bolestan. Sa autoportreta naslikanog u to vrijeme, gleda nas crvenkasti čovjek nježnih crta lica i smirenog, zamišljenog pogleda.
U prvoj polovini 19. vijeka. Živio je i radio umjetnik Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806-1858). Cijeli svoj stvaralački život posvetio je ideji duhovnog buđenja naroda, utjelovivši je u filmu „Pojava Krista narodu“. Više od 20 godina radio je na slici „Pojava Hrista narodu“, u koju je uložio svu snagu i sjaj svog talenta. U prvom planu njegovog grandioznog platna upada u oči hrabri lik Jovana Krstitelja koji upućuje narod na Hrista koji se približava. Njegov lik je prikazan u daljini. Još nije stigao, dolazi, sigurno će doći, kaže umetnik. I lica i duše onih koji čekaju Spasitelja razvedre se i postanu jasni. Na ovoj slici je prikazao, kako je kasnije rekao I. E. Repin, „potlačeni narod koji čezne za rečju slobode“.
U prvoj polovini 19. vijeka. Rusko slikarstvo uključuje svakodnevne predmete.
Jedan od prvih koji mu se obratio bio je Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780-1847). Svoj rad posvetio je prikazu života seljaka. Ovaj život prikazuje u idealiziranom, uljepšanom obliku, odajući počast tadašnjem modernom sentimentalizmu. Međutim, slike Venetsianova „Ambara“, „Na žetvi. Ljeto“, „Na oranicama. Proljeće“, „Seljanka s kukurijem“, „Zaharka“, „Jutro zemljoposjednika“, koji odražavaju ljepotu i plemenitost običnog ruskog naroda, služili su za afirmaciju dostojanstva osobe, bez obzira na njegovu društveni status.
Njegovu tradiciju nastavio je Pavel Andrejevič Fedotov (1815-1852). Njegova su platna realistična, ispunjena satiričnim sadržajem, razotkrivaju trgovački moral, život i običaje elite društva („Majorov provod“, „Svježi kavalir“ itd.). Svoj put kao satiričar započeo je kao gardijski oficir. Zatim je pravio smiješne, nestašne skice vojnog života. Godine 1848. njegova slika “Svježi kavalir” predstavljena je na akademskoj izložbi. Bilo je to smelo ruganje ne samo glupoj, samozadovoljnoj birokratiji, već i akademskoj tradiciji. Prljavi ogrtač koji sam nosio glavni lik slika je veoma ličila na antičku togu. Brjulov je dugo stajao ispred platna, a onda je, napola u šali, poluozbiljno, rekao autoru: "Čestitam, pobedio si me." Drugi filmovi Fedotova ("Doručak aristokrate", "Majorovo provodadžisanje") takođe imaju komični i satirični karakter. Njegove posljednje slike su veoma tužne („Sidro, još sidro!“, „Udovica“). Savremenici su s pravom upoređivali P.A. Fedotov u slikarstvu sa N.V. Gogolj u književnosti. Razotkrivanje bolesti feudalne Rusije glavna je tema djela Pavla Andrejeviča Fedotova.

Rusko slikarstvo druge polovine 19. veka

Druga polovina 19. veka. obeležen je procvatom ruske likovne umetnosti. Postala je zaista velika umjetnost, bila prožeta patosom narodnooslobodilačke borbe, odgovorila na zahtjeve života i aktivno upadala u život. U likovnoj umjetnosti konačno je uspostavljen realizam - istinit i sveobuhvatan odraz života naroda, želja da se ovaj život obnovi na principima jednakosti i pravde.
Svesni zaokret novog ruskog slikarstva ka demokratskom realizmu, nacionalnosti i modernosti javlja se kasnih 50-ih, zajedno sa revolucionarnom situacijom u zemlji, sa društvenim sazrevanjem inteligencije raznih klasa, sa revolucionarnim prosvetiteljstvom Černiševskog, Dobroljubova. , Saltikov-Ščedrin, sa narodoljubivom poezijom Nekrasova. U „Esejima o Gogoljevom periodu“ (1856.), Černiševski je napisao: „Ako je slikarstvo sada generalno u prilično jadnom položaju, Glavni razlogŠtaviše, treba razmotriti otuđenje ove umjetnosti od modernih težnji.” Ista ideja je predstavljena u mnogim člancima u časopisu Sovremennik.
Centralna tema umjetnosti postao je narod, ne samo potlačeni i patnici, već i narod – tvorac istorije, narodoborac, tvorac svega najboljeg što postoji u životu.
Uspostavljanje realizma u umetnosti odvijalo se u tvrdoglavoj borbi sa zvaničnim pravcem, čiji je predstavnik bilo rukovodstvo Akademije umetnosti. Čelnici akademije su svojim studentima usađivali ideju da je umjetnost viša od života, a za stvaralaštvo umjetnika iznijeli su samo biblijske i mitološke teme.
Ali slikarstvo se već počelo pridruživati ​​modernim težnjama - prije svega u Moskvi. Moskovska škola nije uživala ni desetinu privilegija Petrogradske akademije umetnosti, ali je manje zavisila od njenih ukorenjenih dogmi, a atmosfera u njoj bila je življa. Iako su nastavnici u Školi uglavnom akademici, akademici su sporedni i kolebljivi – nisu suzbili svojim autoritetom koliko na Akademiji F. Bruni, stub stare škole, koji se svojevremeno takmičio sa Brjulovljevom slikom “ Bakarna zmija”.
Godine 1862. Vijeće Akademije umjetnosti u Sankt Peterburgu odlučilo je da izjednači prava svih žanrova, ukinuvši primat istorijskog slikarstva. Zlatna medalja se sada dodjeljivala bez obzira na temu slike, uzimajući u obzir samo njene zasluge. Međutim, „slobode“ unutar zidina akademije nisu dugo trajale.
Godine 1863. mladi umjetnici koji su učestvovali na akademskom konkursu podnijeli su peticiju „za dozvolu da uz zadatu temu slobodno biraju predmete za teme koje žele“. Vijeće Akademije je odbilo. Ono što se potom dogodilo naziva se „pobunom četrnaestorice” u istoriji ruske umetnosti. Četrnaest učenika razreda istorije nije htelo da slika slike na predloženu temu iz skandinavske mitologije - „Gozba u Valgalu“ i naglašeno je podnelo peticiju da napusti akademiju. Našavši se bez radionica i novca, pobunjenici su se ujedinili u neku vrstu komune - nalik tipu komuna koji je opisao Černiševski u romanu "Šta da se radi?" - Artel umjetnika, na čijem je čelu bio slikar Ivan Nikolajevič Kramskoy . Radnici Artela primali su naređenja za izvođenje raznih umetničko delo, živio u istoj kući, okupljao se u zajedničkoj prostoriji za razgovore, diskusije o slikama, čitanje knjiga.
Sedam godina kasnije, Artel se raspao. U to vrijeme, 70-ih godina, na inicijativu umjetnika Grigorija Grigorijeviča Myasoedova, nastalo je udruženje - "Udruženje umjetničkih mobilnih umetaka", profesionalno i komercijalno udruženje umjetnika koji su stajali na sličnim ideološkim pozicijama.
Udruženje Putnika, za razliku od mnogih kasnijih udruženja, prošlo je bez ikakvih deklaracija ili manifesta. U statutu je samo navedeno da članovi Partnerstva treba da upravljaju svojim finansijskim poslovima, ne zaviseći ni od koga u tom pogledu, i da sami organizuju izložbe i da ih vode u različite gradove („sele“ po Rusiji) kako bi upoznali zemlju sa ruska umjetnost. Obje ove tačke bile su od značajnog značaja, potvrđujući nezavisnost umjetnosti od vlasti i volju umjetnika da široko komuniciraju sa ljudima ne samo u glavnom gradu. Glavnu ulogu u stvaranju Partnerstva i razvoju njegove povelje imali su, pored Kramskog, Mjasoedov, Ge - iz Sankt Peterburga, i od Moskovljana - Perov, Prjanišnjikov, Savrasov.
Peredvizhniki su bili ujedinjeni u odbijanju „akademizma“ sa njegovom mitologijom, dekorativnim pejzažima i pompeznom teatralnošću. Želeli su da oslikaju živi život. Žanrovske (svakodnevne) scene zauzimale su vodeće mjesto u njihovom stvaralaštvu. Seljaštvo je uživalo naročitu simpatiju prema „Itinerantima“. Pokazali su njegovu potrebu, patnju, potlačeni položaj. U to vreme - 60-70-ih godina. XIX vijek - ideološka strana umjetnosti bila je cijenjena više od estetske. Tek s vremenom umjetnici su zapamtili suštinsku vrijednost slikarstva.
Možda je najveću počast ideologiji odao Vasilij Grigorijevič Perov (1834-1882). Dovoljno je prisjetiti se njegovih slika kao što su "Dolazak šefa istrage", "Čajanka u Mitišči". Neka od Perovljevih djela prožeta su istinskom tragedijom („Trojka“, „Stari roditelji na grobu sina“). Perov je naslikao niz portreta svojih poznatih savremenika (Ostrovskog, Turgenjeva, Dostojevskog).
Neke od slika “Putnika”, naslikane iz života ili inspirisane stvarnim scenama, obogatile su naše predstave o seljačkom životu. Film S. A. Korovina “Na svijetu” prikazuje sukob na seoskom okupljanju između bogataša i siromaha. V. M. Maksimov je uhvatio bijes, suze i tugu porodične podjele. Svečana svečanost seljačkog rada ogleda se na slici G. G. Myasoedova „Kosilice“.
U Kramskoyjevom radu glavno mjesto zauzimao je portretno slikarstvo. Pisao je Gončarova, Saltikova-Ščedrina, Nekrasova. Posjeduje jedan od najboljih portreta Lava Tolstoja. Pogled pisca ne napušta gledaoca, bez obzira s koje tačke gleda na platno. Jedno od najmoćnijih djela Kramskoyja je slika "Hristos u pustinji".
Prva izložba “Itinerants”, otvorena 1871. godine, uvjerljivo je pokazala postojanje novog pravca koji se formirao tokom 60-ih godina. Bilo je samo 46 eksponata (za razliku od glomaznih izložbi Akademije), ali pažljivo odabranih, i iako izložba nije bila namjerno programska, cjelokupni nepisani program isplivao je sasvim jasno. Bili su zastupljeni svi žanrovi – istorijski, svakodnevni, pejzažni portreti – a publika je mogla da proceni šta su im „lutalice“ novo donele. Samo skulptura nije imala sreće (postojala je jedna, pa čak i tada malo izvanredna skulptura F. Kamenskog), ali ova vrsta umjetnosti je dugo bila „nesreća“, zapravo, čitavu drugu polovinu stoljeća.
Do početka 90-ih, među mladim umjetnicima moskovske škole, bilo je, međutim, onih koji su dostojno i ozbiljno nastavili građansku putujuću tradiciju: S. Ivanov sa svojim ciklusom slika o imigrantima, S. Korovin - autor slika “Na svijetu”, gdje je zanimljivo i promišljeno razotkriveni dramatični (zaista dramatični!) sukobi predreformskog sela. Ali nisu dali ton: približavao se ulazak u prvi plan „Svijeta umjetnosti“, podjednako udaljen od Lutalica i od Akademije. Kako je Akademija izgledala u to vrijeme? Njeni dosadašnji umjetnički rigoristički stavovi su izblijedjeli; više nije insistirala na strogim zahtjevima neoklasicizma, na ozloglašenoj hijerarhiji žanrova; bila je prilično tolerantna prema svakodnevnom žanru, samo je više voljela da bude "lijep" nego "seljački" ( primjer “lijepih” neakademskih djela – prizora iz antičkog života tada popularnog S. Bakaloviča). Uglavnom je neakademska produkcija, kao što je to bio slučaj u drugim zemljama, bila građanski salon, njena „ljepota“ je bila vulgarna ljepota. Ali ne može se reći da nije istakla talente: G. Semiradsky, gore spomenuti, i V. Smirnov, koji je rano umro (koji je uspio stvoriti impresivnu veliku sliku „Smrt Nerona“) bili su vrlo talentirani; određene stvari se ne mogu poreći umjetničke zasluge slike A. Svedomskog i V. Kotarbinskog. Rjepin je o ovim umetnicima govorio sa odobravanjem, smatrajući ih nosiocima „helenskog duha“ u poznim godinama, a Vrubel je bio impresioniran njima, baš kao i Aivazovski, takođe „akademski“ umetnik. S druge strane, niko drugi do Semiradski je prilikom reorganizacije Akademije odlučno istupio u korist svakodnevnog žanra, ukazujući kao pozitivne primere na Perova, Repina i V. Majakovskog. Dakle, bilo je dovoljno tačaka konvergencije između „Putnika“ i Akademije, a tadašnji potpredsjednik Akademije I.I. je to shvatio. Tolstoja, na čiju inicijativu su vodeći „Itineranti” pozvani da predaju.
Ali glavna stvar koja nam ne dozvoljava da potpuno odbacimo ulogu Akademije umjetnosti, prije svega, kao obrazovne ustanove, u drugoj polovini veka, jednostavna je činjenica da su iz njegovih zidina izašli mnogi istaknuti umetnici. To su Repin, i Surikov, i Polenov, i Vasnjecov, a kasnije - Serov i Vrubel. Štaviše, nisu ponovili „pobunu četrnaestorice” i, očigledno, imali su koristi od svog šegrtovanja.
Poštovanje prema crtežu, prema izgrađenoj konstruktivnoj formi, ukorenjeno je u ruskoj umetnosti. Opća orijentacija ruske kulture prema realizmu postala je razlog popularnosti metode Čistjakova - na ovaj ili onaj način, ruski slikari do Serova, Nesterova i Vrubela, uključujući i Serov, poštovali su "nepromjenjive vječne zakone forme" i bili su oprezni prema "dematerijalizaciji". ” ili podređivanje šarenog amorfnog elementa, ma koliko voljeli boju.
Među Peredvizhnikijima pozvanim na Akademiju bila su dva slikara pejzaža - Šiškin i Kuindži. Upravo u to vrijeme počinje hegemonija pejzaža u umjetnosti i kao samostalnog žanra, gdje je vladao Levitan, i kao ravnopravnog elementa svakodnevnog, istorijskog, a dijelom i portretnog slikarstva. Za razliku od predviđanja Stasova, koji smatra da će se uloga pejzaža smanjiti, 90-ih je porasla više nego ikad. Prevladao je lirski „pejzaž raspoloženja“, koji vodi svoje porijeklo od Savrasova i Polenova.
Grupa Peredvizhniki napravila je prava otkrića u pejzažnom slikarstvu. Aleksej Kondratijevič Savrasov (1830-1897) uspeo je da pokaže lepotu i suptilnu liriku jednostavnog ruskog pejzaža. Njegova slika „Topovi su stigli“ (1871) naterala je mnoge savremenike da iznova pogledaju svoju zavičajnu prirodu.
Živio je Fjodor Aleksandrovič Vasiljev (1850-1873). kratak život. Njegov rad, koji je prekinut na samom početku, obogatio je rusko slikarstvo nizom dinamičnih, uzbudljivih pejzaža. Umjetnik je bio posebno dobar u prijelaznim stanjima u prirodi: od sunca do kiše, od zatišja do oluje.
Pjevač ruske šume, epske širine ruske prirode, postao je Ivan Ivanovič Šiškin (1832-1898). Arhipa Ivanoviča Kuindžija (1841-1910) privukla je slikovita igra svjetlosti i zraka. Tajanstvena svjetlost mjeseca u rijetkim oblacima, crveni odsjaji zore na bijelim zidovima ukrajinskih koliba, kosi jutarnji zraci koji se probijaju kroz maglu i igraju se u lokvama na blatnjavom putu - ova i mnoga druga slikovita otkrića zabilježena su na njegovim platnima.
Ruski na vrhuncu pejzažno slikarstvo XIX vijeka dosegnuo je u radu Savrasovljevog učenika Isaka Iljiča Levitana (1860-1900). Levitan je majstor mirnih, tihih pejzaža, veoma plah, stidljiv i ranjiv čovek, znao je da se opusti samo sam sa prirodom, prožet raspoloženjem svog omiljenog pejzaža.
Jednog dana došao je na Volgu da slika sunce, vazduh i rečna prostranstva. Ali nije bilo sunca, beskrajni oblaci su puzali po nebu, a dosadne kiše su prestale. Umjetnik je bio nervozan dok se nije uključio u ovo vrijeme i otkrio poseban šarm lila boja ruskog lošeg vremena. Od tada su se Gornja Volga i provincijski grad Ples čvrsto učvrstili u njegovom radu. U tim krajevima stvara svoja „kišna“ dela: „Posle kiše“, „Turan dan“, „Iznad večnog mira“. Tu su naslikani i mirni večernji pejzaži: „Veče na Volgi“, „Veče. Zlatni domet“, „Večernji zvon“, „Tiho prebivalište“.
Posljednjih godina svog života, Levitan je skrenuo pažnju na rad francuskih umjetnika impresionista (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Shvatio je da s njima ima mnogo toga zajedničkog, da njihova kreativna traganja idu u istom pravcu. Kao i oni, više je volio raditi ne u studiju, već u zraku (na otvorenom, kako umjetnici kažu). Poput njih, posvijetlio je paletu, odagnavši tamne, zemljane boje. Poput njih, nastojao je da uhvati prolaznu prirodu postojanja, da prenese kretanje svjetlosti i zraka. U tome su otišli dalje od njega, ali su gotovo rastvorili volumetrijske oblike (kuće, drveće) u strujama laganog zraka. Izbjegao je to.
„Levitanove slike zahtevaju polagano gledanje“, napisao je K. G. Paustovsky, veliki poznavalac njegovog dela, „ne zapanjuju oko. Oni su skromni i precizni, poput Čehovljevih priča, ali što ih duže gledate, tišina provincijskih gradova, poznatih rijeka i seoskih puteva postaje slađa.”
U drugoj polovini 19. veka. obilježava kreativni procvat I. E. Repina, V. I. Surikova i V. A. Serova.
Ilja Efimovič Repin (1844-1930) rođen je u gradu Čugujev, u porodici vojnog doseljenika. Uspeo je da uđe na Akademiju umetnosti, gde je P. P. Čistjakov, koji je obrazovao čitavu plejadu poznati umetnici(V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, M.A. Vrubel, V.A. Serova). Repin je takođe mnogo naučio od Kramskog. Godine 1870. mladi umjetnik je putovao Volgom. Koristio je brojne skice donesene sa svojih putovanja za sliku „Teglenice na Volgi“ (1872). Ostavila je snažan utisak na javnost. Autor se odmah popeo u red najpoznatijih majstora.
Repin je bio vrlo svestran umjetnik. Njegovom kistu pripada niz monumentalnih žanrovskih slika. Možda ništa manje impresivna od “Barge Haulers” je “Religijska procesija u Kurskoj guberniji”. Jarko plavo nebo, oblaci cestovne prašine probijeni suncem, zlatni sjaj krstova i odeždi, policija, obični ljudi i bogalji - sve stane na ovo platno: veličina, snaga, slabost i bol Rusije.
Mnogi Repinovi filmovi bavili su se revolucionarnim temama ("Odbijanje priznanja", "Nisu očekivali", "Hapšenje propagandiste"). Revolucionari na njegovim slikama ponašaju se jednostavno i prirodno, izbjegavajući teatralne poze i gestove. Na slici “Odbijanje priznanja” činilo se da je osuđeni na smrt namjerno sakrio ruke u rukave. Umjetnik je jasno simpatizirao s likovima na svojim slikama.
Nekoliko Repinovih slika napisano je na povijesne teme („Ivan Grozni i njegov sin Ivan“, „Kozaci sastavljaju pismo turskom sultanu“ itd.). Repin je stvorio čitavu galeriju portreta. Slikao je portrete naučnika (Pirogova i Sečenova), pisaca Tolstoja, Turgenjeva i Garšina, kompozitora Glinke i Musorgskog, umetnika Kramskog i Surikova. Početkom 20. vijeka. dobio je narudžbu za sliku „Svečana sednica Državnog saveta“. Umjetnik je uspio ne samo kompoziciono smjestiti tako veliki broj prisutnih na platno, već i mnogima od njih dati psihološke karakteristike. Među njima su bile poznate ličnosti poput S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nikola II je jedva primjetan na slici, ali je prikazan vrlo suptilno.
Vasilij Ivanovič Surikov (1848-1916) rođen je u Krasnojarsku, u kozačkoj porodici. Vrhunac njegovog stvaralaštva dogodio se 80-ih godina, kada je stvorio tri svoja najpoznatija istorijske slike: „Jutro streljačkog pogubljenja“, „Menšikov u Berezovu“ i „Bojarina Morozova“.
Surikov je dobro poznavao život i običaje prošlih epoha i mogao je dati živopisne psihološke karakteristike. Osim toga, bio je odličan kolorista (majstor boja). Dovoljno je prisjetiti se blistavo svježeg, svjetlucavog snijega u filmu “Boyaryna Morozova”. Ako se približite platnu, snijeg kao da se „smrvi“ u plave, svijetloplave i ružičaste poteze. Ovu slikarsku tehniku, kada se dva ili tri različita poteza spajaju na daljinu i daju željenu boju, naširoko su koristili francuski impresionisti.
Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911), sin kompozitora, slikao je pejzaže, platna na istorijske teme, radio je kao pozorišni umetnik. Ali slavu su mu donijeli prvenstveno njegovi portreti.
Godine 1887, 22-godišnji Serov je bio na odmoru u Abramcevu, dači filantropa S. I. Mamontova u blizini Moskve. Među svojom mnogobrojnom djecom, mladi umjetnik je bio svoj čovjek, učesnik u njihovim bučnim igrama. Jednog dana posle ručka, dve osobe su se slučajno zadržale u trpezariji - Serov i 12-godišnja Veruša Mamontova. Sjeli su za sto na kojem su bile breskve, a tokom razgovora Verusha nije primijetila kako je umjetnica počela da skicira njen portret. Posao je trajao mesec dana, a Veruša je bila ljuta što ju je Anton (kako su kod kuće zvali Serov) terao da satima sedi u trpezariji.
Početkom septembra završena je "Devojka sa breskvama". Unatoč svojoj maloj veličini, slika, obojena u ružičasto-zlatnim tonovima, djelovala je vrlo „prostrano“. U njemu je bilo puno svjetlosti i zraka. Devojčica, koja je sedela za sto, činilo se kao jedan minut i uprla pogled u posmatrača, očarala je svojom jasnoćom i duhovnošću. I cijelo je platno bilo prekriveno čisto djetinjastim poimanjem svakodnevice, kada se sreća ne prepoznaje, a cijeli život je pred nama.
Stanovnici kuće Abramcevo, naravno, shvatili su da se pred njihovim očima dogodilo čudo. Ali samo vrijeme daje konačne procjene. Stavila je „Devojku sa breskvama“ među najbolje portretne radove u ruskom i svetskom slikarstvu.
Sledeće godine, Serov je uspeo skoro da ponovi svoju magiju. Naslikao je portret svoje sestre Marije Simonović („Djevojka obasjana suncem“). Ime je pomalo netačno: djevojka sjedi u hladu, a zraci jutarnjeg sunca obasjavaju čistinu u pozadini. Ali na slici je sve tako sjedinjeno, tako sjedinjeno - jutro, sunce, ljeto, mladost i ljepota - da je teško smisliti bolje ime.
Serov je postao moderan slikar portreta. Pozirali su ispred njega poznatih pisaca, umjetnici, umjetnici, poduzetnici, aristokrati, čak i kraljevi. Očigledno, nisu svi koje je napisao imao srce za to. Neki portreti visokog društva, uprkos filigranskoj tehnici izvođenja, ispali su hladni.
Serov je nekoliko godina predavao na Moskovskoj školi za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu. Bio je zahtjevan učitelj. Protivnik zamrznutih oblika slikarstva, Serov je istovremeno smatrao da kreativna traganja treba da se zasnivaju na čvrstom ovladavanju tehnikama crtanja i slikovnog pisanja. Mnogi istaknuti majstori sebe su smatrali učenicima Serova. Ovo je M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznjecov, K. S. Petrov-Vodkin.
Mnoge slike Repina, Surikova, Levitana, Serova i "Lutalaca" završile su u kolekciji Tretjakova. Pavel Mihajlovič Tretjakov (1832-1898), predstavnik stare moskovske trgovačke porodice, bio je neobična osoba. Mršav i visok, guste brade i tihog glasa, više je ličio na sveca nego na trgovca. Počeo je da sakuplja slike ruskih umetnika 1856. Njegov hobi je prerastao u glavni posao njegovog života. Početkom 90-ih. zbirka je dostigla nivo muzeja, apsorbujući gotovo čitavo bogatstvo kolekcionara. Kasnije je postao vlasništvo Moskve. Tretjakovska galerija je postala svetska poznati muzej Rusko slikarstvo, grafika i skulptura.
Godine 1898. otvoren je Ruski muzej u Sankt Peterburgu, u Mihailovskoj palati (kreacija K. Rossija). Dobila je radove ruskih umjetnika iz Ermitaža, Akademije umjetnosti i nekih carskih palata. Otvaranje ova dva muzeja kao da je krunisalo dostignuća ruskog slikarstva 19. veka.