Apstraktno delo: „Ruska umetnost u 19. veku. Slikarstvo prve polovine 19. veka Ruski umetnici prve polovine 19. veka

Ruska umjetnička kultura, čije je porijeklo počelo s klasicizmom, koji je dobio snažan narodni zvuk, poput visokog klasicizma, koji se odrazio u slikarstvu 19. stoljeća, postupno je prešla od romantizma do realizma na ruskom likovne umjetnosti. Savremenici toga vremena posebno su cijenili smjer ruskih umjetnika, u kojem je prevladao povijesni žanr s naglaskom na nacionalne teme.

Ali u isto vrijeme, nije bilo posebnih promjena u umjetnosti istorijskog pravca u odnosu na majstore druge polovine 18. stoljeća i od samog početka povijesti ruskog portreta. Često su u svojim radovima mnogi majstori posvećeni istinskim herojima drevne Rusije, čiji su podvizi inspirisali da pišu istorijska platna. Ruski slikari tog vremena odobrili su vlastiti princip opisivanja portreta, slika, razvijajući vlastite smjernice u prikazivanju osobe, prirode, ukazujući na potpuno nezavisan figurativni koncept.

Ruski umjetnici u svojim slikama odražavali su različite ideale nacionalnog uspona, postupno napuštajući stroga načela klasicizma nametnuta akademskim principima. 19. vijek obilježen je visokim procvatom ruskog slikarstva, u kojem su ruski slikari ostavili neizbrisiv trag u istoriji ruske likovne umjetnosti za potomke, prožeti duhom sveobuhvatnog odraza života naroda.

Najveći istraživači ruskog slikarstva 19. stoljeća u cjelini primjećuju izuzetnu ulogu u visokom procvatu rada velikih ruskih majstora i likovne umjetnosti. Jedinstvena djela domaćih majstora uvijek su obogaćivala rusku kulturu.

Poznati umjetnici 19. vijeka

(1782-1836) Vrhunski i suptilno slikani portreti Kiprenskog doneli su mu slavu i pravo priznanje među savremenicima. Njegovi radovi Autoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Portret dečaka Čeliščov, Golitsina A. M. 1809 Portret Denisa Davydova, 1819 Devojka sa vencem od maka, najuspešnija portra 1827 S. Puitsa. odražavaju ljepotu uzbuđenja, sofisticirani unutrašnji svet slike i stanja uma. Savremenici su njegovo stvaralaštvo upoređivali sa žanrovima lirske poezije, poetskom posvećenošću prijateljima. (1791-1830) Majstor ruskog pejzažnog romantizma i lirskog poimanja prirode. Na više od četrdeset svojih slika, Ščedrin je prikazao pogled na Sorento. Među njima su i slike kvarta Sorento. Veče, Novi Rim "Dvorac Svetog Anđela", nasip Mergellina u Napulju, Velika luka na ostrvu Kapri itd.

Potpuno se predajući romantici krajolika i prirodnom okruženju percepcije, Ščedrin, takoreći, svojim slikama dopunjuje palo interesovanje tadašnjih suplemenika za pejzaž. Ščedrin je poznavao zoru svoje kreativnosti i priznanja.

(1776-1857) Izvanredan ruski slikar portreta, rodom iz kmetova. Njegovi poznati slikarski radovi: Čipkarica, takođe Portret Puškina A.S., graver E.O. Skotnikova, Starac - prosjak, karakteriziran svijetlom bojom Portret sina, 1826 Spinner, Goldsmith, ova djela su posebno privukla pažnju savremenika. 1846. Tropinin je razvio vlastiti figurativni stil portretiranja, karakterizirajući specifičan moskovski žanr slikarstva. U to vrijeme, Tropinin je postao centralna ličnost moskovskog beaumonda.

(1780-1847) Predak seljaka kućni žanr, Njegov čuveni portret Kosca, slika > Kosačice, Devojka u marami, Na oranici Proleće, Seljanka sa kukuruzom, Zaharka i dr. Posebno se može istaći slika Gumno, koja je privukla pažnju cara Aleksandra 1, bila je dirnuta živopisnim slikama seljaka, koje je autor istinito prenio. On je voleo obični ljudi Pronalazeći u tome određenu liriku, to se odrazilo na njegove slike koje prikazuju težak seljački život. njegova najbolja djela nastala su 20-ih godina. (1799-1852) Majstor istorijskih slika, Poslednji dan Pompeja u naletu osuđenih stanovnika koji bježe od bijesa Vezuva. Slika je ostavila zapanjujući utisak na njegove savremenike. Majstorski piše svjetovne slike, koristeći Jahačicu i portrete u svijetlim kolorističkim trenucima u kompoziciji slike, grofice Yu. P. Samoilove. Njegove slike i portreti sastavljeni su od kontrasta svjetla i sjene. . Pod uticajem tradicionalnog akademskog klasicizma, Karl Brjulov je svojim slikama dao istorijsku autentičnost, romantični duh i psihološku istinu. (1806-1858) Veličanstveni majstor istorijskog žanra. Oko dvije decenije Ivanov je radio na svojoj glavnoj slici Javljanje Hrista narodu, naglašavajući svoju strastvenu želju da prikaže dolazak Isusa Hrista na zemlju. U početnoj fazi to su slike Apolona, ​​zumbula i čempresa 1831-1833, Javljanje Hrista Mariji Magdaleni nakon vaskrsenja 1835. Tokom svog kratkog života, Ivanov je stvorio mnoga dela, za svaku sliku naslikao je mnogo skica pejzaži, portreti. Ivanov, čovjek izuzetne inteligencije, uvijek je nastojao da u svojim djelima pokaže elemente narodnih pokreta. (1815-1852) Majstor satiričnog pravca, koji je postavio temelje kritičkom realizmu u svakodnevnom žanru. The Fresh Cavalier 1847 i The Picky Bride 1847,

Glavni pokret je bio prema realizmu, ali se on afirmirao u borbi protiv autoritativnog klasicizma koji je predstavljala Akademija i stoga se uspio učvrstiti mnogo kasnije nego u književnosti. Dok je Puškin već sa 25-26 godina postao "pesnik stvarnosti", rusko slikarstvo teško je savladavalo inertni uticaj prethodne ere. U početku se novo rusko slikarstvo povezivalo s romantizmom.
Orest Adamovič Kiprenski (1782 - 1836)
Ovaj umjetnik je stajao na početku ruskog slikarstva 19. vijeka. Njegovu umjetnost odlikuje strast i impuls, želja da se prenese kretanje unutrašnjeg života. Tražio je uzvišeno u osobi, prikazivao heroje u najboljim trenucima, prenosio sposobnost osjećanja, želju za duhovnim životom. Najbolji dio njegovog rada su portreti kasnih 1800-1810-ih. Kiprenski je tražio odraz ideala na licima ljudi. Zanima ga osoba koja nema veze sa javnom službom, koja živi u sferi privatnih interesa, u svijetu osjećaja.
Portreti: portret Evgrafa Davidova (1809), portret dečaka Čeliščova (1808 - 1809), portret pesnika V. A. Žukovskog (1816). Glavne tehnike slikanja su sljedeće:
oštar kontrast svjetla i sjene, ponekad bliska gradacija susjednih boja. Pretežno crvena, plava i bijela čine glavni akord boja. Svako lice Kiprenskog je jedinstveno, za takvog se heroja može reći da je on jedini. Ovo je odlika romantizma.
Većina poznati portret Kiprenskog stvorena je 1827. to portret A. S. Puškina, za koju su svi rođaci rekli da je bliži od drugih originalu.

Silvestar Ščedrin (1791. - 1830.)
Pejzaž romantizma. Nakon putovanja u Italiju, Ščedrin se oslobađa akademske racije i stječe slobodu. Tamo provodi 10 godina, doživljava procvat kreativnosti i umire prije nego što se može vratiti u domovinu. Piše italijanske stavove. Priroda na njegovim platnima djeluje blistavo, radosno, opojno. Boje blistaju. Čovjek i priroda čine osnovu njegovog pogleda na svijet. Ščedrin je išao istim putem kao Constable u Engleskoj, kao Corot u Francuskoj. Zadatak je otvoriti unutrašnji život da bude u skladu sa prirodom. Ščedrin je postao prvi ruski umjetnik koji je radio na otvorenom - na otvorenom. "Novi Rim", "Obala u Sorentu sa pogledom na ostrvo Kapri".
Ščedrin je tražio istinu svjetlosti i zraka, njihovu interakciju, savladao zakone otvorenog zraka. Protjerao je muzejske "smeđe" tonove. Volio je hladnu srebrnu, sivu. Na kraju svog života, umjetnik se vratio vrućim bojama. "Terasa uz more".

Rodonačelnik kućnog žanra. Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780 - 1847).
Jednostavan službenik, zemljomjer, počeo se slikati početkom 19. stoljeća. Preselio se iz Moskve u Sankt Peterburg, pohađao lekcije kod Borovikovskog. Venetsianov je bio blizak naprednim društvenim krugovima. Ovo kaže njegov bakropis. "plemić". Na prelazu 10-40-ih. Venetsianov je otkrio žanr svakodnevnog života, stekao malo imanje u Tverskoj provinciji i preuzeo sliku seljačkog svijeta.
Bio je suočen sa zadatkom da prikaže svjetlost koja lije iz raznih izvora, prikazujući seljake u različitim položajima. Poeziju je video u najobičnijem, u životu sela. Po tome je blizak Puškinu. Na slikama Venecijanova se ne dešava ništa posebno. Radnja je obično jednosložna. Umjetnik ne prikazuje sukobe. Čovjek na njegovim platnima prikazan je okružen prirodom. Venetsianov je prvi otkrio ljepotu svoje rodne prirode. Najbolje kreacije Venetsianova “Na oranicama. Proljeće”, „U žetvi, ljeto”.

Karl Pavlovič Brjulov (1799 - 1852)
Ista godina kao i Puškin, Brjulov se često ukršta sa velikim pesnikom u svom delu. Ali ako se Puškin brzo kretao od romantizma ka realističkom maniru, ka "poeziji stvarnosti", onda je Brjulov mogao da kombinuje samo akademsku hladnu veštinu sa romantičnim dometom, posebno u svojoj najpoznatijoj slici. Tražio je ideal, vedar i radostan, ali nije išao teškim putevima u umetnosti. Nakon Akademije, Brjulov je, kao i uvijek sa najboljim maturantima, završio u Italiji. Na slikama 20-ih na teme antike, iz italijanske renesanse, iz Biblije, dekorativni elementi, vanjski sjaj. U 30-im godinama pojavljuje se tragična percepcija života. U ovom trenutku sazrijeva centralni plan Brjulova.
"Posljednji dan Pompeja" (1830-1833)
30-ih godina. Brjulov stvara niz ceremonijalnih portreta. Postao je neobično moderan umjetnik, preplavljen narudžbama. Brjulov nastoji da uhvati neki uzvišeni trenutak. Takova "Jahač"- Učenica grofice Samoilove - Jovanina.
U 40-im godinama. umjetnik je tražio psihološku ekspresivnost. divno "Auto portret" 1848. naslikao umjetnik nakon teške bolesti. Pred nama je umorna, razočarana, životom umorna osoba. Ovaj portret je daleko od hladnog akademizma. Pisana je slobodno, potez je širok, nelizan, što govori o budućnosti ruske umetnosti.

Aleksandar Ivanov (1806 - 1858)
Bio je to čovek izuzetne snage misli, karaktera, „zlatne duše“, koji je znao da brine o najmilijima, a pritom veoma strog u kućnom životu. Bio je pravi pesnik i prezirao je sve spoljašnje efekte, koristi. Odlikovala ga je ogromna, bezgranična ljubav prema domovini, san o njenoj uzvišenosti. Bezgranična žeđ za samousavršavanjem, stalni samorazvoj, nezadovoljstvo sobom - sve ga je to učinilo izuzetno svijetlom ličnošću. Aleksandra Ivanova su cijenili Hercen i Ogarev, Černiševski, prijatelj mu je bio N.V. Gogol.
Ivanov je rođen u Sankt Peterburgu u porodici umjetnika. Završio je Akademiju i 1830. došao u Italiju, u Rim. Vratiće se samo mesec i po dana pre smrti i doneće ljudima „Pojavljivanje Hrista“. Zadaci koje je Ivanov sebi postavljao postajali su sve komplikovaniji. Prvo je želeo da razume italijansku školu i njen duh, a zatim da poveže religiju i mitologiju sa problemima dobra i zla.
"Pojavljivanje Hrista Magdaleni"- prvi pristup novom zadatku, još uvijek uglavnom akademski.
„Pojavljivanje Hrista narodu“.
Od 1836. do 1848. Ivanov je napisao svoje drugo i glavno djelo. U stvari, nastavio je da radi na tome sve do svoje smrti. Ovo platno je prepuno nevjerovatnih vrlina: slika prirode i ljudi, likova, duhovnih manifestacija, pokreta srca, sama ideja je briljantna - da se prikaže istina otkrivena ljudima i nada u spasenje. Ivanov nije unosio ljudske figure ili žanrovske motive u svoje skice. Njegovi pejzaži su filozofski i istorijski. Na "Apijev put" prikazuje put na kojem su postojali križevi sa razapetim robovima nakon Spartakovog ustanka. Na jednoj grani, blistavoj na suncu, Ivanov je mogao da oseti Univerzum. Nakon 1848. godine, nakon revolucija u Evropi, novac iz Rusije je prestao da dolazi. Otac je umro. Ivanov sada nije mogao da dovrši sliku onako kako je želeo. A njegove nove ideje bile su još veće: ciklus biblijskih slika na zidu posebne zgrade. Skice postaju slobodnije. Oslobođen ostataka akademizma. Ali, poput Mikelanđela, Baženov, Rodin, Ivanov nisu uspeli da realizuju sve svoje zamisli. Ivanov nije dobio priznanje u Rusiji, ali je njegov rad odigrao ogromnu ulogu u razvoju cjelokupne ruske umjetnosti 19. stoljeća.
Pavel Andrejevič Fedotov. (1815 - 1852)
Njegov procvat i smrt nastupili su 40-ih godina. 19. vijek je vrijeme trijumfa Nikolajevske reakcije. Tragična je sudbina umjetnika, koji je platio visoku cijenu što je prvi hrabro zavirio u odlike ruskog života. Završio je moskovski kadetski korpus, završio u Sankt Peterburgu u finskom gardijskom puku, veći dio života bio je vezan za rusku vojsku. Da nije bilo ovog poznavanja vojnog okruženja, ne bi mogao tako precizno nacrtati sliku svog majora na čuvenoj slici. U vojsci se Fedotov zainteresovao za crtanje, karikaturu, skiciranje, često crtanje svojih prijatelja, svakodnevne vojne scene, putovanja u letnje vojne kampove itd. Sam je učio slikarstvo, počeo da pohađa časove na Akademiji. Poznat po svojim divnim crtežima "Posljedica smrti Fidelke", "Muž prevarene žene", Djevojka zavedena od oficira uz krevet bolesne majke", sami nazivi ovih djela podsjećaju na prirodnu školu u književnosti, čije je značenje bilo direktan prikaz najtipičnijih aspekata ruskog života. Ali Fedotov nije bio uključen u krug pisaca povezanih s ideologom prirodne škole - Belinskim. Otišao je svojim putem. U 40-im godinama. Fedotov se počinje okušati u slikanju ulja. On zadire u suštinu života, njegov rad postaje sve tragičniji.
Fedotov je stvorio najznačajnija platna od 1846. do 1852. godine. Svaka njegova slika bila je prekretnica na tom putu novi sistem umjetničko razumijevanje stvarnosti.
« svježi kavalir» 1846. Predstavljena je intrigantna ideja.

"Majorovo provodadžisanje" 1848
Ovo je vrhunac Fedotovljeve kreativnosti. Suština čuvenog platna je slika svijeta prevare, laži, braka, koji se, naravno, pojavljuje kao običan posao. Svijet na umjetnikovim platnima postaje sve strašniji. Objekti su izobličeni, pojavljuje se jak izraz. Nestaje satira na slici "udovica", gde se Fedotov predstavio na portretu ženinog preminulog muža.
"Igrači" 1852. Scena je skoro nestvarna, fantastična. Ubrzo se Fedotov razbolio od psihičke bolesti i završio dane u ludnici.Sahranjen je na groblju Aleksandro-Nevske lavre u Sankt Peterburgu. I sam Fedotov, kako je pisao kritičar Stasov, verovatno bi se iznenadio kada bi znao da njegova potraga ide u istom pravcu kao i potraga za najboljim francuskim umetnicima 19. veka, koji su utrli put realističkom pravcu. Za hrabrost sa kojom je zavirio u Nikolajevsku stvarnost platio je visoku cenu, ali su njegova dostignuća, čiju ozbiljnost akademici nisu odmah shvatili, pripremila put ruskim realističkim umetnicima - Lutalicama.

Kriza kmetstva koči razvoj kapitalističkog sistema. Slobodoljubive ideje rađaju se u sekularnim krugovima, Domovinski rat 1812. je u toku, a ruske trupe učestvuju u oslobađanju evropskih država od Napoleona, ustanak decebrista 1825. protiv carizma, sve to ima utjecaja na slikarstvo.

Koja je razlika između slikarstva u eri genija A.S. Puškin?

Vjerovatno, oličenje svijetlih i humanih ideala slobodoljubivih ljudi...

Zajedno s klasicizmom razvija se romantični trend i formira se realizam.

Romantični pravac ruskog slikarstva bio je početak razvoja u narednim decenijama - realizma. Ovako dolazi do konvergencije ruski umetnici, romantičari sa stvarnim životom, što je bila suština kretanja umetnika ovog vremena. Široka distribucija izložbi u isto vrijeme govori o zbližavanju ruskog naroda sa svijetom umjetnosti, ljudi svih klasa imaju tendenciju da posjećuju izložbe. Smatra se da je slika K.P. Bryulova "Posljednji dan Pompeja" poslužio je kao takvo zbližavanje. Ljudi iz Sankt Peterburga svih klasa su tražili da je vide.

Rusko slikarstvo postaje multinacionalno, slike poprimaju nacionalne nijanse, na Akademiju se odvode studenti različitih nacionalnosti. Ovdje studiraju starosjedioci Ukrajine, Bjelorusije, baltičkih država, Zakavkazja i Srednje Azije.

U prvoj polovini 19. veka slikarstvo je zastupljeno svim žanrovima: portret, pejzaž, mrtva priroda, istorijsko slikarstvo.

Poznati ruski umjetnici u prvoj polovini 19. stoljeća:

Remek dela ruskog slikarstva

• Slikarstvo Bryullov K.P. "Posljednji dan Pompeja"

• Slika Aivazovsky I.K. "Deveti talas"

• Slika Brunija F.A. "Bakarna zmija"

• Slikarstvo Venetsianov A.G. "humno"

• Slika Tropinin V.A. "čipkarica"

Prvo slikanje polovina XIX veka

Početak 19. stoljeća tradicionalno se naziva zlatnim dobom ruske kulture. To je vrijeme kada je blistao genije A. Puškina, A. Gribojedova i N. Gogolja, a ruska slikarska škola u liku K. Brjulova dobila je evropsko priznanje. Majstori ovog istorijskog perioda, uprkos dramatičnim okolnostima života, u umetnosti su težili ka spokojnoj harmoniji i svetlom snu, izbegavali su prikazivanje zemaljskih strasti. To je uglavnom bilo zbog preovlađujućeg zapadna evropa i Rusija opšte raspoloženje razočaranje u aktivnu borbu nakon sloma ideja Velike Francuske revolucije. Ljudi se počinju "povlačiti u sebe", prepuštati se usamljeničkim snovima. Dolazi doba romantizma, koje se u Rusiji poklopilo s početkom vladavine novog cara Aleksandra I i ratom s Napoleonom.

AT portret početkom 19. vijeka, ogleda se skriveni svijet emocionalnih iskustava, melanholije i razočaranja. Orest Adamovič Kiprenski (1782–1836) postao je glavni predstavnik romantičnog trenda u ruskoj portretnoj umjetnosti. Diplomirao na Akademiji umjetnosti u Sankt Peterburgu, Kiprenski je živio burnim životom, u kojem je bilo svega: ludih romantičnih poriva, strastvene ljubavi, uspona do slave i smrti u siromaštvu u tuđini. Od prvog, peterburškog perioda njegovog života, ostala je dragocena zaostavština - dela briljantna u slikarstvu u žanru portreta („Portret A. K. Schwalbea”, „Portret E. V. Davydova”, „Portret grofice E. P. Rostopčine”, „Portret D. N. Khvostovoy" i drugi). Junaci portreta Kiprenskog su naglašeno suzdržani, ne pokazuju svoje emocije, ali na licu svakog od njih leži pečat "pripreme" karakterističan za romantizam za iskušenja sudbine, značaj ljudska ličnost bez obzira na klasu, pol i godine.

U prvim godinama 19. vijeka, stil Empire dolazi u Rusiju iz napoleonske Francuske - novi povratak klasicizma. Racionalna jasnoća, harmonična ravnoteža, veličanstvena strogost, prevladavanje zemaljskih strasti zarad ideala patriotske hrabrosti - sve ove karakteristike klasičnog stila pokazale su se traženim vremenom. Otadžbinski rat sa Napoleonom. Najupečatljiviji eksponent klasicizma u ruskom slikarstvu bio je Fjodor Petrovič Tolstoj (1783–1873), izvanredan vajar, slikar i crtač. U njegovim zadivljujućim mrtvim prirodama, voće i cvijeće pojavljuju se kao „biser stvaranja“, kao drevni ideal harmoničnog savršenstva, očišćen od svega „zemaljskog“ i slučajnog.

Vatra Moskve, partizanski pokret, pobjednički kraj rata s Napoleonom - sve je to po prvi put natjeralo plemstvo da iznova pogleda na ljude, shvati svoj položaj i prepozna ga. ljudsko dostojanstvo. U delu Alekseja Gavriloviča Venecijanova (1780–1847) prvi put se pojavljuje svet kmetova. Ovaj umjetnik se suprotstavio ustaljenoj akademskoj rutini - počeo je slikati ne po akademskim shemama, već “a la nature”, što je u to vrijeme bila velika hrabrost. Njegovi kmetovi pozirali su Venecijanovu - stanovnicima sela Safonkovo, provincija Tver. Seljački svijet na slikama Venetsianova vidi se kao s prozora romantičnog plemićkog imanja: nema mjesta za kritiku društvene nepravde, prezaposlenosti. Svet Venetsianova je pun harmoničnog savršenstva, tišine, čistog mira, jedinstva ljudi i prirode. Skromni, tihi šarm tihe severnoruske prirode, koji čini poseban šarm njegovih slika, prvi put prodire u poetski uslovni seljački žanr Venecijanova. O svom trošku, na svom imanju, Venecijanov je osnovao školu za umetnike, koje je regrutovao uglavnom od kmetova. Neki od njegovih učenika su dostojanstveno nastavili njegovu liniju u umjetnosti. Dakle, poetski enterijeri Kapitona Aleksejeviča Zelencova (1790–1845), pejzaži Grigorija Vasiljeviča Soroke (1823–1864) i Evgrafa Fedoroviča Krendovskog (1810–posle 1853) zaslužuju pažnju. Prema A. Benoa, "Venetsianov je sam odgojio cijelu školu, cijelu teoriju, posijao prvo sjeme ruskog narodnog slikarstva."

Najbolji diplomci Akademije umjetnosti dobili su pravo na praksu u Italiji - zemlji "žive" antike i prekrasnih remek-djela renesanse. Mnogi umjetnici, odlazeći u Italiju, ostali su u ovoj zemlji dugi niz godina, ne želeći da se vrate u Rusiju, gdje je vladao duh državne regulacije umjetnosti, slikari su ovisili o naredbama carskog dvora.

U Italiji je talentovani umjetnik Mihail Ivanovič Lebedev (1811–1837), koji je rano umro, naslikao svoje najbolje romantične pejzaže. Zadivljujuća italijanska priroda i velikodušno južno sunce inspirisali su najdarovitijeg pejzažista ove generacije, Silvestra Feodosijeviča Ščedrina (1791–1830). Ščedrin je otišao na penzionersko putovanje u Italiju 1818. i tamo je živio zbog bolesti do svoje smrti 1837. godine. Više puta je ponavljao iste motive - veličanstvene panorame Rima, spokojni pogledi na stijene i more na južnoj obali Italije u blizini Napulja i Sorenta. Ščedrin je prvi počeo da slika pejzaž na otvorenom (open air), oslobađajući ga tradicionalne akademske konvencionalnosti boja. U njegovim pejzažima nećemo sresti romantične oluje i kišno loše vrijeme, u njegovim pejzažima vladaju blistavo sunce i spokojan mir, ljudi žive samac sa okolnom prirodom, a priroda ljudima daje blaženstvo, opuštanje, „pomaže“ u svakodnevnom radu.

Karl Pavlovič Brjulov (1799-1852) bio je najpoznatiji slikar među svim ruskim majstorima ranog 19. veka. Njegovo grandiozno platno "Posljednji dan Pompeja", nastalo u Italiji, doživjelo je veliki uspjeh u Evropi i Rusiji. U svojoj domovini Brjulov je dočekan kao nacionalni heroj. Virtuozni crtač, zaljubljen u spoljašnju lepotu sveta, Brjulov je uspeo da "ubrizga novu krv" u umirući akademizam, ispunivši ga živopisnim romantičnim iskustvima. I unutra plot slike, a na portretima Brjulov predstavlja život u oblicima pozorišta. Njegovi veliki svečani portreti, na kojima je osoba prikazana kao da je uhvaćena u trenutku „uloge“ radnje („Jahačica“, „Portret N.V. Kukolnika“ itd.), uživali su veliki uspjeh kod kupaca. Umjetnik nije sebi postavio zadatak da prenese jedinstvenu individualnost pojedinca, on je prvenstveno okupiran vanjskom zadivljujućom ljepotom žene, veličanstvenošću skupa odeća, luksuzno uređenje enterijera. AT poslednjih godina Bryullovljev rad odstupa od ideala "smirene" vanjske blistavosti, njegovi portreti postaju intimniji i psihološki dublji ("Portret A. N. Strugovshchikova", "Autoportret" iz 1848.)

Iznad svih umetnika prve polovine 19. veka stoji lik briljantnog majstora Aleksandra Andrejeviča Ivanova (1806–1858). Prema A. Benois, "u njemu je živjela djetinjasta, anđeoska, radoznala duša, prava duša proroka, žedna istine i ne bojeći se mučeništva." U Italiji, gdje je Ivanov nakon diplomiranja na Akademiji umjetnosti poslan u mirovinu, dvadesetak je godina radio na grandioznom platnu „Pojava Krista narodu“ i vratio se u domovinu tek nedugo prije smrti. Ruska javnost nije cijenila sliku, a njen autor je ubrzo umro od kolere u Sankt Peterburgu, ne stigavši ​​novac za glavnu sliku svog života, koju je kupio car.

Ivanovljeve pripremne pejzažne skice za Pojavljivanje Hrista narodu postale su prava remek-dela. Radeći na otvorenom u okolini Rima, umjetnik je, u potrazi za istinom boja, došao do zadivljujućih otkrića u boji, predviđajući dostignuća francuskih impresionista. Ivanov je bio pravi umetnik-mudrac religioznog osećanja, koji je uspeo da u ciklusu akvarela „Biblijske skice“ izgovori novu reč u istoriji religioznog slikarstva, da predstavi najgrandioznije i najnerazumljivije „zaista uskršnjom svečanošću“ (A. Benois ).

Vasilij Andrejevič Tropinin (1776 (?) - 1857) postao je prvi profesionalni moskovski portretista, osnivač moskovske slikarske škole. Za umetnika kmeta imao je srećnu sudbinu: njegov gospodar grof Morkov platio mu je studije na Akademiji umetnosti, podsticao njegov rad i 1823. dao mu slobodu. Odmah nakon toga, Tropinin, već popularan među Moskovljanima, dobio je titulu "imenovanog u akademike". Umjetnik nam je ostavio čitavu galeriju lica poslijepožarne Moskve, u kojoj je vladala posebna atmosfera slobode, gostoljubivosti stanovnika, sposobnosti da se prepuste životnim radostima. Tropinjinovi portreti zadivljuju svojom vitalnošću i istovremeno ljubaznim, ljubaznim pogledom na osobu.

Pavel Andrejevič Fedotov (1815–1852) bio je gardijski oficir u finskom puku, ali je sa 29 godina 1844. otišao vojna služba i potpuno se posvetio umjetnosti. Sudbina mu je dozvolila da radi oko osam godina - Fedotov je umro u 37. godini u psihijatrijskoj bolnici, uspjevši da naslika ne toliko slika, ali svaka od njih je dragocjeni biser koji je ušao u riznicu ruske umjetnosti. Umjetnik je radio na polju svakodnevnog žanra, dajući mu novu visinu i oštrinu. Prizore iz života trgovaca i plemstva ispunjava blagim humorom, zafrkavajući se sa modernim moralom („Majorovo šibicarenje“, „Izabrana nevesta“ itd.). Fedotov prikazuje svijet ljudi i njihovu objektivnu okolinu sa zadivljujućim likovnim savršenstvom, ljubavnom prodornošću, nježnošću i istinitošću. zadnja slika teško bolesni umjetnik "Sidro, još sidro!", očajnički tih i tmuran, podsjeća na blatnjave snove groznice. U njemu nestaju divljenje svijetu i blistavi spokoj - na istorijsku pozornicu stupa nova, trezvena i duboko kritička slika stvarnosti - realizam.

Sylvester Shchedrin. Novi Rim. Dvorac Svetog Anđela.1824. Država Tretjakovska galerija, Moskva

U Ščedrinovom pejzažu, slika Večnog grada je istovremeno veličanstvena i intimna. Teška kamena masa zamka Svetog anđela uravnotežena je zgradama i čamcima na lijevoj obali Tibra. Veličanstveni, glatki tok rijeke "dovodi" oko gledatelja na drevni lučni most i siluetu katedrale Svetog Petra - simbola veličine Rima. U prvom planu svakodnevica građana teče mirno i bez žurbe: izvlače čamac na obalu, spremaju se za plovidbu, žure svojim poslom... Svi detalji krajolika su živi, ​​viđeni u prirodi, lišeni akademske konvencionalnosti . Sama slika je veoma lepa: sve je obavijeno vazduhom, prožeto jutarnjom mekom, difuznom svetlošću.

Sylvester Shchedrin. Grotto of Matromanio na ostrvu Capri.

Zasjenjena špilja pećine pruža zadivljujući pogled na vode i stijene morskog zaljeva koje kao da se kupaju u blistavim jarkim zracima sunca. Luk špilje čini svojevrsne scene koje efektno ograđuju daleki prostor morskog zaljeva od svijeta bliskog gledaocu Svakodnevni život ljudi.

Sylvester Shchedrin. Mala luka u Sorentu s pogledom na ostrva Ischia i Procido.1826. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Od svih mnogih Ščedrinovih pogleda na Sorento, ovaj krajolik je najhelenskog duha. Sunčeve zrake "opipljivo" silaze s neba, odražavaju se u mirnoj srebrnastoj površini zaljeva, nježno obasjavaju priobalne kolibe i čamce, naglašavaju sporost i pravilnost kretanja u malim figurama ribara zauzetih svakodnevnim poslovima. Boje pejzaža su blistave, sjene su prozirne, sve je ispunjeno zrakom.

Sylvester Shchedrin. Veranda prekrivena grožđem.

Jedan od najboljih pejzaža umetnika, napisan u okolini Napulja, prožet je helenskim duhom čistog mira i svetlosnog sklada. Priroda se u Ščedrinu pojavljuje kao slika raja na zemlji. Diše svježim i vlažnim dahom mora, aromom zagrijanog lišća grožđa. Skrivajući se na verandi od užarenog sunca, ljudi se prepuštaju blaženom odmoru. Zlatni zraci sunca prodiru kroz isprepletene grane vinove loze, leže kao odsjaj na kamenim nosačima verande, reflektuju se blistavim odsjajima na izgoreloj travi... Ščedrin majstorski prenosi najsloženiji svetlosni efekat, postižući jedinstvo svjetla, boja i zraka koje nikada prije nije viđeno u pejzažu.

MAXIM VOROBYEV. Jesenska noć u Sankt Peterburgu (Pristan sa egipatskim sfingama na Nevi noću).1835. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U jednom od svojih najboljih peterburških pogleda, Vorobjov prenosi puninu romantičnog užitka pred prekrasnim gradom i njegovom arhitekturom. Sjaj punog mjeseca pravi kutak Sankt Peterburga pretvara u divnu viziju. Čuveni kameni divovi sfinge uokviruju granitni nasip tamnim siluetama, mjesečinom obasjana staza na Nevi odvodi pogled u daljinu i poziva ga da se divi besprijekornim proporcijama palača na suprotnoj obali. Savremenici u Vorobjovljevim pejzažima divili su se "prozirnosti boja", njihovoj zasićenosti svjetlošću i toplinom, "svježini i postupnosti u sjenama".

MAXIM VOROBYEV. Hrast razbijen munjom.1842. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj pejzaž nastao je kao alegorija za neočekivanu smrt umjetnikove supruge, Kleopatre Loginovne Vorobieve, rođene Šustove. Zasljepljujući bljesak munje rascijepio je deblo moćnog drveta. U sve dubljem plavom sumraku zemlja se spaja sa nebom, u podnožju hrasta dižu se bijesni morski valovi u koje juri usamljeni lik, gotovo neprimjetan u vrtlogu stihije. Ovdje umjetnik utjelovljuje omiljeni motiv romantizma: tragičnu bespomoćnost osobe pred udarom veličanstvenih, ali nemilosrdnih elemenata.

MIKHAIL LEBEDEV. U parku Chigi.1837. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Nakon što je diplomirao na Akademiji umjetnosti, Lebedev je otišao na penzionerski put u Italiju kako bi nastavio studije, odakle je napisao: „Čini mi se da je u Italiji (i svuda) grijeh raditi bez prirode. U jednom od svojih najboljih djela umjetnik hrabro odstupa od kanona klasicističkog pejzaža, tradicionalnog za ovo vrijeme. Kompozicija je građena dijagonalno i puna je pokreta. Uzbuđeno i živo se prenosi atmosfera vrelog dana, bujna snaga južne vegetacije; kamenito tlo širokog puta, naslikano slobodnim potezima, kao da je upijalo sunčevu toplotu.

Zajedno sa Silvom. Ščedrin, Lebedev, koji je rano umro, postao je pionir ruskog slikarstva živog, direktnog osjećaja prirode.

GRIGORY CHERNETSOV. Parada povodom otvaranja spomenika Aleksandru I u Sankt Peterburgu 30. avgusta 1834. godine.1834. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Černjecov je bio dvorski slikar cara Nikolaja I, koji je sebe smatrao velikim poznavaocem umetnosti. Radovi Černjecova tačno odražavaju careve ukuse - sklon vojnim poslovima, Nikolaj I je zahtevao da umetnici "protokolom" poprave prirodu u prikazivanju parada, uniformi, oružja itd. Panorama Dvorskog trga kao da je nacrtana duž lenjira, ogromnog Sjeverno nebo sa kišnim oblacima spektakularno "zasjenjuje" paradu trupa ispred Aleksandrovog stupa, izgrađenog po projektu francuskog arhitekte Montferrana.

OREST KIPRENSKY. Portret A. K. Schwalbea.1804. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret prikazuje oca umjetnika Adama Karloviča Schwalbea, kmeta veleposjednika A. S. Dyakonova. Kiprenski je volio pričati kako je ovaj portret, prikazan na izložbama u Napulju i Rimu, pogrešno zamijenjen za rad Rembrandta ili Rubensa. Umjetnik je uspio prenijeti karakter portretirane osobe - energičan i čvrst. Lice sa dubokim borama i voljnom bradom je vrhunski izvajano, ruka koja samouvereno drži štap je istaknuta svetlošću. Ovo rano djelo pripada bezuvjetnim remek-djelima kista Kiprenskog, što svjedoči o njegovoj dubokoj asimilaciji slikarskih tehnika starih majstora.

OREST KIPRENSKY. Portret grofa F. V. Rostopčina.

Gradonačelnik Moskve Fjodor Vasiljevič Rostopčin (1765–1826) imao je rijedak smisao za humor, književna aktivnost. Sva boja tadašnje Moskve odlazila je u čuveni salon Rostopčinovih. Tokom Napoleonove invazije, glasine su pripisivale Rostopčinu naredbu da spali Moskvu.

U ovom radu, odličnom u crtežu i koloritu, nećemo vidjeti nikakve posebne karakteristike karaktera modela: portret je jednostavan, pa čak i skroman. U poređenju sa majstorima prethodne ere, Kiprenski manje obraća pažnju na dodatke i detalje odeće. Crni kaput i sklopljene ruke doživljavaju se gotovo kao jedno mjesto. Evo kako je sam Rostopčin prokomentarisao ovaj rad: "Sjedim besposlen i bez dosade prekriženih ruku."

OREST KIPRENSKY. Portret grofice E. P. Rostopčine.1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret je izveo Kiprenski u paru sa portretom supružnika grofice F. V. Rostopčin. Ekaterina Petrovna Rostopčina (1775–1859) bila je dama Katarine II. Potajno je prešla na katoličanstvo i posljednjih godina živjela je vrlo povučeno. Kiprenski stvara meku, dobronamjernu, iskrenu sliku osobe koja se portretira. Čitav njen izgled odiše tišinom i zaokupljenošću sobom. Šema boja je bogata suptilnim i delikatnim prijelazima srebrnih i maslinastih tonova, što odgovara raspoloženju portreta.

OREST KIPRENSKY. Portret lajf-husarskog pukovnika E. V. Davidova.1809. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret prikazuje rođaka poznatog pjesnika i heroja rata 1812. Denisa Davidova - Evgrafa Vladimiroviča Davidova (1775-1823). U vreme kada je portret naslikan, bio je pukovnik lajb garde Husara, učestvovao u bici sa Napoleonom kod Austerlica. Figura je okružena misterioznim romantičnim sumrakom, u kojem možete vidjeti lišće maslinovog drveta na pozadini crno-plavog neba. Kiprenski pronalazi divnu harmoniju boja: crvena boja uniforme, zlatne pletenice, bijele tajice... U Davidovom licu više je vanjskog šarma nego dubokog psihologizma. Hrabri, neustrašivi heroj pokazuje svoje hrabro držanje i veselu hrabrost mladosti.

OREST KIPRENSKY. Portret A. A. Čeliščova.1808 - početak 1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Aleksandar Aleksandrovič Čeliščov (1797-1881) odgajan je u Paževskom korpusu od 1808, kasnije je učestvovao u ratu 1812 - odnosno pripadao je generaciji koja je odredila sudbinu Rusije u početkom XIX veka. U maski 11-godišnjeg dječaka, Kiprenski primjećuje poseban, djetinjast izraz na njegovom licu. Tamne perle oči zamišljeno i pažljivo gledaju u gledatelja, u njima se očitava ozbiljnost, "priprema" za teške životne testove. Rješenje u boji Portret je baziran na Kiprenskom omiljenoj kontrastnoj kombinaciji crne, bijele, crvene i svijetlog zlata.

OREST KIPRENSKY. Portret D. N. Khvostove.1814. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Jedan od najzanimljivijih ženske slike Kiprenski je ispunjen raspoloženjem tihe, zamišljene kontemplacije. Darija Nikolajevna Hvostova (1783–?) bila je nećakinja bake M. Ljermontova.

Za razliku od portretista iz prethodnog doba, umjetnica ne zaustavlja pažnju gledatelja na dodacima svoje odjeće: oni su dati delikatno, sa zajedničkim velikim mrljama. Oči žive na portretu - neverovatne tamne oči, koje kao da su prekrivene maglom razočaranja, tužnih uspomena i plahih nada.

OREST KIPRENSKY. Portret E. S. Avduline.1822 (1823?). Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Ekaterina Sergejevna Avdulina (1788–1832) supruga je general-majora A. N. Avdulina, velikog poznavaoca umjetnosti i aktivnog člana Društva za podsticanje umjetnika, gospodarica vile na Dvorskom nasipu i kućnog pozorišta u Kamennoostrovsky dacha. Odjevena je u modernu kapu koja grli glavu, a u rukama drži lepezu - neizostavan atribut dame ovog vremena van kućnog okruženja. Njene sklopljene ruke su citat iz La Gioconde Leonarda da Vincija, koju je Kiprenski nesumnjivo vidio u Luvru. Jedan od njegovih savremenika je tvrdio da je na ovom portretu „maestralno izvedena okruglost tijela i svjetlost. I kako je simbolična levka koja gubi latice, stojeći u čaši vode! .. ”Pred nama je romantična, kontemplativna priroda, uronjena u svoje skrivene misli. Grana nježnog bijelog cvijeća u krhkom staklu na prozoru kao da je upoređena sa slikom prikazane žene.

OREST KIPRENSKY. Auto portret.1828. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj autoportret je naslikan prije nego što je umjetnik otišao u Italiju. Pred nama poznati majstor, koji je dobio pohvalne kritike svojih savremenika, a ujedno i umorna i razočarana osoba. Prema memoarima njegovih savremenika, "Kiprenski je bio zgodan, sa prelepim izražajnim očima i prirodno valovitim uvojcima." Lagano škiljeći očima gleda u gledaoca tražeći, kao da se o nečemu pita. Portret je dizajniran u toploj, bogatoj boji. Boje na licu odjekuju bojama kućnog ogrtača. Pozadina, kao i u drugim majstorovim radovima, čini se zgusnutim sumrakom, iz kojeg se nježno ističe lik prikazane osobe.

OREST KIPRENSKY. Portret A. S. Puškina.1827. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret je naslikan u Sankt Peterburgu po narudžbi A. Delviga odmah po povratku pjesnika iz progonstva Mihajlovskog. Savremenici koji su blisko poznavali Puškina tvrdili su da sličniji portret pjesnika ne postoji. Slika Puškina je lišena svakodnevnog života, karakteristične "arapske" karakteristike izgleda su omekšane. Njegov pogled klizi pored posmatrača - pesnika kao da ga umetnik uhvati u trenutku kreativnog uvida. Posvijetljena pozadina oko glave podsjeća na neku vrstu oreola - znak izabranosti. Sa engleskim kockastim ogrtačem prebačenim preko ramena, Puškin se poredi sa velikim engleskim romantičarskim pesnikom Bajronom. Svoj stav prema portretu izrazio je u poetskoj poruci Kiprenskom "Omiljenik lakokrilne mode..." - "Vidim se kao u ogledalu, / Ali ovo ogledalo mi laska."

Vasilij Tropinin. Portret A. V. Tropinina, umjetnikovog sina.UREDU. 1818. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret prikazuje Arsenija Tropinina (1809–1885), sina jedinca umjetnika. Ovaj portret se među ostalim majstorovim radovima izdvaja posebnom unutrašnjom toplinom i srdačnošću. Tropinin rješava najteži zadatak - pronalazi slikovna sredstva koja izražavaju poseban svijet dječje duše. Portret je lišen statičnog poziranja: dječak je prikazan u laganom zaokretu, njegov Zlatna kosa razbacan, osmeh mu igra na licu, kragna košulje je nemarno raširena. Dugim pokretnim potezima umjetnik oblikuje formu, a ovaj dinamični potez ispada u skladu s djetinjastim temperamentom, romantičnim iščekivanjem otkrića.

Vasilij Tropinin. Portret P. A. Bulahova.

Šarm ovog lika je u živosti i duševnom miru, u harmoniji jednostavnih i jasnih odnosa sa svijetom. Njegovo rumeno, sjajno lice isklesano je pokretnim potezima, srebrni krzneni prsluk, plavi rukav košulje naslikani su široko i slobodno, marama je „vezana” sa nekoliko poteza kista... Ovakav način slikanja savršeno odgovara dobroćudna i vesela, veoma moskovska slika Bulahova, koja, prema A. Benoa, na portretu podseća na "mačku koja je lizala pavlaku".

Vasilij Tropinin. Portret K. G. Ravicha.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret Konstantina Georgijeviča Raviča, službenika moskovskog geodetskog ureda, veoma je moskovski po duhu, daleko od zvanične strogosti i dubokoumne zatvorenosti. Činilo se da je Ravič bio iznenađen umjetnikom: on je u kućnom ogrtaču, kosa mu je u rasulu, kravata mu je opuštena. Na njegovom uglađenom i dobroćudnom licu „bljesnu“ odsjaj jarkocrvenog ogrtača. Ravič izražava uobičajeni tip moskovskog plemstva - bio je ljubitelj vrtenja, kartanja. Nakon toga je optužen za smrt jednog od igrača koji je zadobio udarac nakon velikog poraza, proveo je sedam godina u zatvoru i poslat u Sibir "pod sumnjom".

Vasilij Tropinin. Portret A. S. Puškina.1827. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Portret je naslikan u prvim mesecima 1827. godine, ubrzo nakon pesnikovog povratka iz Mihailovskog izgnanstva. Puškinov prijatelj, S. Sobolevski, prisećao se da je „sam Puškin tajno naručio portret Tropinjinu i doneo mi ga kao iznenađenje raznim farsama (koštao ga je 350 rubalja).“ Prema drugoj verziji, portret je naručio sam Sobolevski, koji je želio da pjesnika ne vidi "zaglađenog" i "pomadiranog", već "razbarušenog, s dragim mističnim prstenom na palcu jedne ruke". Kao rezultat toga, na portretu intimnost slike koegzistira s romantičnom "uzvišenošću", savršeno prenesenom životom duha velikog pjesnika.

Vasilij Tropinin. Portret K. P. Brjulova.

Tropinin je upoznao Karla Brjulova 1836. godine u Moskvi, gdje se autor Posljednjeg dana Pompeja zaustavio na putu iz Italije za Sankt Peterburg. Maestro je prikazan sa olovkom i albumom na pozadini erupcije Vezuva. “Da, on sam je pravi Vezuv!” - pričali su o Brjulovu, diveći se elementarnoj snazi ​​njegovog talenta. Portret izražava javni patos percepcije Brjulova kao briljantnog majstora, čiji je izgled podsjećao na "zlatnokosog" Apolona. Bryullov je visoko cijenio Tropinina, priznao je u jednom od svojih pisama umjetniku: "Ljubim tvoju dušu, koja je po svojoj čistoći najsposobnija da u potpunosti razumije užitak i radost koja ispunjava moje srce ..."

Vasilij Tropinin. Čipkarica.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Pred nama nije portret određene djevojke, već kolektivna poetska slika zanatlije, kakva se Tropinin mogla sresti u domovima plemenitih Moskovljana. Umjetnik ne prikazuje ono teško što je bilo u njenom složenom i mukotrpnom radu, on se divi i divi šarmu i ljepoti mladosti. P. Svinin je o ovoj slici napisao da ona „otkriva čistu, nevinu dušu lepote i pogled radoznalosti koji baca na nekoga ko je u tom trenutku ušao: njene ruke, ogoljene do lakta, zastale su zajedno sa pogledom, a uzdah joj je izletio iz nevinih grudi prekrivenih maramicom od muslina.

Umjetnik je često bio zamjeran zbog nepromjenjivog osmijeha njegovih likova. „Pa, ​​ja ne izmišljam, ja ne komponujem ove osmehe, ja ih pišem iz života“, odgovorio je Tropinin.

Vasilij Tropinin. Autoportret ispred prozora koji gleda na Kremlj.1846. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Na svom autoportretu Tropinin sebe prikazuje kao vrijednog umjetnika koji je uz pomoć zanata, truda i talenta uspio "otići u svijet". Odjeven je u radni ogrtač, naslonjen na štap, u lijevoj ruci drži paletu i kistove. Široka panorama Kremlja iza njega oličenje je umjetnikovih misli o njegovom rodnom gradu. „Smir koji je disalo Tropinjinovo dobroćudno staro lice nije mu bilo lako. Neprestano boreći se sa preprekama i ugnjetavanjem, on je tu smirenost stekao pod sjenom vjere i umjetnosti”, napisao je N. Ramazanov, koji je poznavao umjetnika. Ovaj autoportret, koji se čuvao u njegovoj kući nakon Tropinjinove smrti, Moskovljani su kupili od umjetnikovog sina pretplatom i poklonili ga Rumjancevskom muzeju u znak posebnog poštovanja i priznanja majstorovih usluga drevnim kapital.

KARL BRYULLOV. Italijansko podne (Talijanka bere grožđe).1827. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Ova slika je nastala kao parna soba za "Italijansko jutro" (1823, Kunsthalle, Kiel) i poslata je u Rusiju kao izveštaj za vreme umetnikovog boravka u Italiji. Bryullov je iskoristio priliku u Italiji da proučava ženski model (na Akademiji u Sankt Peterburgu žene nisu pozirale umjetnicima). Bio je zaokupljen prikazivanjem ženske figure u različitim svetlosnim efektima - u rano jutro ili u jarkom svetlu italijanskog popodneva. Žanrovska scena ispunjena je duhom slatke senzualnosti. Zrela ljepota Italijana odzvanja zrelošću grožđa ispunjenog slatkim sokom, svjetlucavim na suncu.

KARL BRYULLOV. Prekinuti datum („Voda već teče...“).Akvarel. 1827–1830 Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U Italiji je Bryullov bio jedan od osnivača "italijanskog" žanra, koji je bio veoma popularan među kolekcionarima i putnicima. Umjetnikove slike o svakodnevnom životu Italijana spajaju klasičnu ljepotu i romantičan pogled na svijet stvarnosti. U jednom od najboljih akvarela "italijanskog" žanra, šarmantna žanrovska scena ispunjena dobrodušnim humorom odvija se u pozadini slatko prekrasne italijanske prirode. Brjulov je maestralno savladao klasičnu tehniku ​​akvarela, majstorski prenevši na list papira blistavo vazdušno okruženje vrelog italijanskog dana, košulje heroja koje svetlucaju belinom i kameni zid kuće zagrejan suncem.

KARL BRYULLOV. Bathsheba.

Radnja je zasnovana na legendi o mladoj lepotici koja se kupa, koju je ugledao kralj David kako šeta krovom svoje palate.

Brjulov oduševljeno pjeva o ženskoj ljepoti, kojom se "svemir mogao samo okruniti". Nježnost prekrasnog „drevnog“ tijela Bat-Šave, obasjanog kosim zracima zalazećeg sunca, naglašena je bujnim naborima draperija, koje je umjetnik pretvorio u pijedestal ljepote. Prozirni mlaz vode koji teče u bazen blista odsjajem sunca. Čitavo platno je prožeto senzualnim šarmom i radošću postojanja.

KARL BRYULLOV. Rider.1832. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj svečani portret Italijana Giovannine (jahačice) i Amazilia Paccini naručila je od Brjulova grofica Julija Samoilova, prijateljica umjetnika, koja se brinula o ovim djevojčicama siročadima. Umjetnik spaja tradicionalni konjički portret sa radnjom radnje. Uoči početka grmljavine, prelijepa jahačica se žurno vraća iz šetnje. Šarmantna Amazilia je istrčala u susret sa sestrom na lođi. Giovannino lice, uprkos brzom skoku, ostaje nepokolebljivo lijepo. Pred nama je omiljena tehnika ere romantizma: sukob moćnih prirodnih elemenata i otpornosti ljudskog duha. Umjetnik se divi rascvjetaloj ljepoti mladosti, divi se ljepoti djeteta, gracioznosti rasnog konja, sjaju svile i sjaju uvojaka kose... Portret se pretvara u elegantan očaravajući spektakl, u himnu lepota života.

KARL BRYULLOV. Poslednji dan Pompeja.1833. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Radnja slike došla je od Brjulova nakon posete iskopinama Pompeja, drevnog rimskog grada u blizini Napulja, koji je umro u 1. veku od erupcije Vezuva. Prilikom rada na slici, umjetnik je koristio opise istoričara Plinija Mlađeg, svjedoka smrti grada. glavna tema slike - "narod obuzet strahom" pred snagom svepobedničke sudbine. Kretanje ljudi je usmjereno od dubine slike ka gledaocu dijagonalno.

Hladna svjetlost munje ističe odvojene grupe ljudi ujedinjene jednim duhovnim impulsom. Na lijevoj strani, u masi, umjetnik je sebe prikazao sa kutijom boja na glavi. N. Gogol je pisao da prelepe figure Brjulova lepotom ugušuju užas njegovog položaja. Umjetnik je spojio žar romantičnog pogleda na svijet s tradicionalnim tehnikama klasicizma. Slika je postigla veliki uspeh u Evropi, au Rusiji je Brjulov dočekan kao trijumfalni: „Doneo si mirne trofeje / Sa sobom u očev baldahin. - / I to je bio posljednji dan Pompeja / Za rusku četku, prvi dan ”(E. Baratynsky).

KARL BRYULLOV. Portret I. A. Krilova.1839. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Portret Ivana Andrejeviča Krilova (1768/1769–1844) umjetnik je naslikao u jednoj sesiji i nije dovršen. Krilovljevu ruku dovršio je student F. Goretsky od gipsa već preminulog fabulista. Krilov na portretu ima oko 70 godina, njegov izgled obilježava stroga plemenitost i živa, aktivna energija. Fascinira živopisno majstorstvo portreta, romantično zvuče kombinacija crne, vatreno crvene i zlatno žute boje, koju voli Bryullov.

KARL BRYULLOV. Portret N. V. Kukolnika.1836. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

U Sankt Peterburgu, Brjulov je bio redovan učesnik večeri na kojima se okupljala tadašnja književna boema. Nestor Vasiljevič Kukolnik (1809–1868), poznati dramski pisac, novinar i urednik časopisa Khudožestvennaja gazeta, bio je njihov neizostavni učesnik. Prema savremenicima, Lutkar je imao nespretan izgled - veoma visok, uskih ramena, dugačko lice nepravilnih crta, ogromne uši, male oči. Na portretu Brjulov estetizira svoj izgled, dajući mu tajanstvenost romantičnog lutalice. Uši skrivene ispod šešira duga kosa, na bledom licu igra lukav osmeh. Romantičnu atmosferu upotpunjuje sve dublji sumrak prolaznog dana, trošni zid koji podsjeća na neumoljiv protok vremena i morska prostranstva u daljini.

KARL BRYULLOV. Portret A. N. Strugovshchikova.1840. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Aleksandar Nikolajevič Strugovščikov (1808–1878) bio je prijatelj Brjulova, prevodioca iz njemački jezik, izdavač Art novina. Portret je naslikan u Sankt Peterburgu, u Brjulovoj radionici na Dvorskom trgu. Strugovshchikov pozira u stolici presvučenoj crvenom kožom (u istoj stolici vidimo Brjulova u čuvenom Autoportretu iz 1848.). Pod maskom pomalo umornog Strugovshchikova, umjetnik je naglasio određenu nervozu i odvojenost. Nihilizam i melanholija bili su omiljena maska ​​generacije tog vremena, kada je, prema Strugovshchikovu, „pogrom od 14. decembra oduzeo ... želju progresivnih ljudi društva da se miješaju u unutrašnju politiku našeg života, i sami putevi do ovoga bili su blokirani."

KARL BRYULLOV. Portret grofice Yu. P. Samoilove, koja ostavlja bal sa svojom usvojenom kćerkom Amaziliom Pacini.Ne kasnije od 1842. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Portret je naslikan u Sankt Peterburgu, gde je ekscentrična i nezavisna grofica došla da dobije ogromno nasledstvo. Na slici je prikazana zajedno sa svojom usvojenom kćerkom, koja svojom krhkošću zadire i upotpunjuje luksuznu, zrelu ljepotu Samoilove. Kretanje figure grofice uravnoteženo je snažnim okretom teške baršunaste zavjese, koja kao da se nastavlja u njenoj blistavo luksuznoj haljini. U ovom najboljem formalnom portretu majstora osjeća se neobična entuzijastična vatra - posljedica umjetnikovog posebnog odnosa prema modelu.

KARL BRYULLOV. Auto portret.1848. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Prema memoarima Brjulovljevog učenika, ovaj autoportret majstor je naslikao tokom teške bolesti za samo dva sata. Rad impresionira genijalnom virtuoznošću izvođenja: kosa je „češljana” u nekoliko pokreta četkom, nadahnuto, malim potezima, ispisano je iscrpljeno, blijedo, iznureno lice prozirnim sjenama, mlohavo viseća ruka. .. Istovremeno, slika nije lišena narcizma i elegantne umjetnosti. Teško fizičko stanje majstora samo naglašava stvaralačku vatru, koja, unatoč teškoj bolesti, nije izumrla u Bryullovu do kraja života.

KARL BRYULLOV. Portret arheologa M. Lanchija.1851. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovaj portret Brjulovljevog starog prijatelja, italijanskog arheologa Michelangela Lancija (1779–1867), upečatljiv je svojim živopisnim prikazom individualnosti osobe, najavljujući realističnu metodu u umjetnosti portretiranja. Arheolog kao da je bio uhvaćen u trenutku živog razgovora: skinuo je pense i uputio pažljiv i inteligentan pogled na sagovornika. Svijetla, zvučna boja, izgrađena na kombinaciji svijetlo grimizne haljine i srebrnog krzna, naglašava ljubav modela prema životu.

Ova "energetska" zvučnost portreta je tim značajnija, jer je fizička snaga samog Brjulova već bila na izmaku. Portret je bio posljednje značajno djelo teško bolesnog umjetnika.

ALEXANDER BRYULLOV. Portret N. N. Puškine.1831–1832 Papir, akvarel. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Portreti Aleksandra Brjulova, brata Karla Brjulova, bili su izuzetno popularni među njegovim savremenicima. Među najboljima i najdragocjenijim za potomstvo je portret Natalije Nikolajevne Puškine, supruge velikog pjesnika. Umjetnik ne samo da hvata njene individualne crte, on izdiže prikazanu ljepotu iznad „proze života“, afirmirajući ženski ideal „čiste ljepote“ koji srećemo u Puškinovim pjesmama: „Moje želje su se ostvarile. Stvoritelj / te mi je poslao, ti, moja Madona, / najčistija ljepota najčistijeg primjera.

ALEXANDER BRYULLOV. Portret E. P. Bakunine.Najkasnije 1832. Akvarel na kartonu. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ekaterina Pavlovna Bakunjina (1795–1869) bila je sestra Aleksandra Bakunjina, Puškinovog prijatelja iz liceja. Pesnik je mogao sresti mladu Bakuninu na licejskim balovima, gde su se okupljali pozvani rođaci licejasta i poznanici. „Kako je bila slatka! Kako crna haljina zalepio se za dragu Bakuninu! Ali nisam je video osamnaest sati - ah! Kakav položaj i kakva muka... Ali bio sam sretan 5 minuta” (iz Puškinovog dnevnika iz 1815.). U komornom, minijaturnom portretu, vidimo Bakunjina već u odraslom dobu, ali muzikalnost linija, delikatne prozirne boje akvarela u skladu su sa oduševljenim osećanjem mladog pesnika.

PETER SOKOLOV. Portret A. S. Puškina.1836. Akvarel na papiru. Sveruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg

Sokolov je bio izvrstan majstor intimnog akvarelnog portreta Puškinove ere. Umjetnikovi kistovi pripadaju tri životna portreta Puškina, portretima njegovih savremenika, prijatelja i neprijatelja. Ovaj portret predstavlja pjesnika na kraju svog života - pomalo umornog, koji je doživio mnoga razočaranja i strepnje. Sokolov sin, akvarelista akademik A. Sokolov, govorio je o Sokolovljevom načinu rada:

„Sa izuzetnom hrabrošću, istinoljubivi ton lica, haljine, čipkastog dodatka ili pozadine odmah je legao, gotovo u punoj snazi ​​i bio detaljan u mješovitim, uglavnom sivkastim tonovima, sa izuzetnim šarmom i ukusom, tako da je potez kista, njeni potezi, spuštanje boje u ništa, ostali su u umu, ne ometajući potpunost svih dijelova. Zbog toga u njegovim djelima nikada nije bilo primjetnog mučenja i rada; sve je ispalo svježe, lagano i istovremeno odvažnih i spektakularnih boja.

ALEXEY VENETSIANOV. Auto portret.1811. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Na autoportretu, Venetsianov ima 31 godinu, ali izgleda kao umoran, mudar čovjek. U to vrijeme već je bio poznati majstor portretista, koji je svojim radom i upornošću postigao uspjeh. Autoportret odiše ozbiljnošću, istinitošću i jednostavnošću. Umjetnik, držeći paletu i kist u rukama, pažljivo promatra rad. Živa, topla svjetlost nežno oblikuje oblik. Venetsianov je poklonio ovaj portret Akademiji umetnosti i za njega dobio titulu "imenovanog za akademika".

ALEXEY VENETSIANOV. Spavački pastir.Između 1823. i 1826. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Pejzaž ruskog sela, neverovatan u svom prodornom šarmu, ispunjen je tihim, blistavim mirom: glatka površina reke, i zeleni povrtnjaci, i daleke oranice, i šumovita brda... Boje pejzaža su svetao, pun zvuka, kao da je prožet svetlošću. Spavački pastir je jedan od njih najbolje slike Venecijanova o lirsko-srdačnom raspoloženju, o prenošenju najdublje veze između čoveka i prirode. Venetsianov se ovdje pojavljuje kao otkrivač suptilnog šarma skromne ruske prirode.

ALEXEY VENETSIANOV. Na oranicama. Proljeće.Prva polovina 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Slika prikazuje alegoriju proljeća. Seljanka u elegantnom sarafanu, upoređena sa boginjom cvetanja i proleća Flore, veličanstveno korača po oranicama. Na lijevoj strani u pozadini, druga seljanka s konjima kao da nastavlja kružno kretanje. glavni lik, koji se zatvara desno na liniji horizonta drugog ženska figura nalik providnom fantomu. Pored zrele ljepote Flore, vidimo alegoriju početka života - bebu Kupidona okruženog vijencima različka. Na desnoj strani slike, pored suvog panja, tanka mlada stabla posežu za suncem.

Slika prikazuje večni ciklus života: smenu godišnjih doba, rađanje i venuće... Istraživači su primetili da je ova Venecijanovova slika svojim idiličnim raspoloženjem i alegorijskom jasnoćom, u kombinaciji sa ruskim motivima, zadovoljila ukuse cara Aleksandra I.

ALEXEY VENETSIANOV. Na žetvi. Ljeto.Sredinom 1820-ih? Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Ovu sliku Venetsianov je zamislio kao par za rad „Na oranicama. Proljeće“ i bio je dio svojevrsnog ciklusa o godišnjim dobima. Svijet seljačkog života ovdje je lišen prozaičnih muka seoskog rada. Ovo je idila koju umjetnik vidi sa prozora "romantičnog" plemićkog imanja. Ali u srcu ove idile je umetnikova pametna i iskrena misao o lepoti i uzvišenom značaju svakodnevnih seljačkih briga, o posebnom šarmu ruske prirode. “Ko je u cjelokupnom ruskom slikarstvu uspio prenijeti tako istinski ljetno raspoloženje kakvo je uloženo u njegovu sliku “Ljeto”, gdje je iza pomalo uglato usađene žene, blago ispravljenog profila, čisto ruska, više ne ispravljena priroda širi se: udaljeno, žuto polje kukuruza koje sazrijeva u vrelom, suncem zasićenom zraku!” uzviknuo je A. Benois.

ALEXEY VENETSIANOV. Djevojka u šalu.

Mladu prelepu seljanku Venetsianov je napisao sa izuzetnom toplinom i iskrenošću. Uprla je svoje krupne oči u posmatrača živahnim pogledom, blagi osmeh igra na njenim punim usnama. Plavi prugasti šal i tamna, sjajna, zalizana kosa isticali su nježnost njenog djevojačkog lica. Prostor slike ispunjen je mekim svjetlom, boja je zasnovana na plemenitoj kombinaciji blijedozelenih, plavih i svijetlo bež tonova.

ALEXEY VENETSIANOV. Žetelice.Kasne 1820-te. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Na ovoj slici vidimo seljačkog dečaka Zaharku, junaka nekoliko slika Venecijanova, i njegovu majku Anu Stepanovu. Zajapuren od teškog rada i podnevne vrućine, dječak se naslonio na majčino rame, očaran blistavim leptirima koji su sjedili na njenoj ruci. Forma je oblikovana u debeloj boji punog zvuka. Glatke, zaobljene linije ispunjavaju kompoziciju ravnotežom i mirom. Nepretenciozan svakodnevni zaplet iz života seljaka Venetsianova pretvara se u poetski narativ o očaravajućoj ljepoti svijeta i radosti jedinstva s prirodom.

ALEXEY VENETSIANOV. Seljanka sa kukurijem.1830-ih Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Mlada seljanka je lišena romantičnog ushićenja, njena slika je jednostavna i ispunjena tihom, iskrenom poezijom. Uronjena u svoje misli, tužno i odvojeno dodiruje jarko plave različke. Kolorit slike izgrađen je na suptilnim sazvučjima hladnih dimno bijelih, srebrnih, svijetlih oker tonova, koji odražavaju promišljeno-molno raspoloženje djevojke.

GRIGORY SOROKA. Pogled na imanje Spaskoye u Tambovskoj guberniji.1840-ih Regionalna umjetnička galerija, Tver

Kmet P. I. Milyukova, Grigorij Soroka, povremeno je učio kod Venecijanova na njegovom imanju Safonkovo. Umjetnik A. Mokritsky napisao je da je Venetsianov poučavao svoje učenike: „Svi ovi predmeti, koje slikar mora osjetiti i prenijeti materijalnu razliku... Za ovo... izuzetnu budnost oka, koncentraciju pažnje, analizu, potpunu potrebno je poverenje u prirodu i stalna težnja za njenim promenama na različitim stepenima i položajima svetlosti; Potrebna je jasnoća razumijevanja i ljubav prema cilju.”

Svraka je talentovano oživjela upute mentora. Savršeno rješava složene slikovne probleme, ispunjavajući pejzaž klasičnim mirom i laganom iskrenošću. Prateći Venecijanova, otkriva ljepotu u tihim motivima svoje rodne prirode.

1840-ih Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Na slici vlada mirna vodena površina jezera Moldinsky, koja određuje njegovo idilično-svjetlo raspoloženje. U svemu se osjeća sporost i tišina: dječak peca na obali, njegov prijatelj tiho klizi u čamcu uz obalu. Zgrade imanja na suprotnoj obali zatrpane su u veličanstvenim šikarama "vječno lijepe" prirode. Prenos posebne poetske ljepote ruske prirode i raspoloženje zadivljujućeg, prosvijetljenog mira ispunjenog milošću čine ovaj krajolik srodnim najbolji radovi A. Venetsianova.

GRIGORY SOROKA. Ribari. Pogled na imanje Spaskoye, Tambovska oblast.Fragment

KAPITON ZELENTSOV. U sobama.Kasne 1820-te. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Krajem 20-ih godina XIX veka, žanr enterijera postao je popularan među umetnicima, što je odražavalo interesovanje kupaca iz plemenitog društva na "poeziju kućnog života". Zelencovljeva slika je duhom bliska najbolji radovi njegov mentor A. Venetsianov. Pred posmatračem se otvara apartman od tri prostrane, ukusno uređene sobe, preplavljene svetlošću. Na zidovima su slike i medaljoni F. Tolstoja, statua Venere u uglu pored prozora, elegantan namještaj od mahagonija postavljen je duž zidova. Sobe "animiraju" dva mladića koji dresiraju psa. Gledajući ovaj enterijer, zahvata se osećaj čistog mira i svetlosnog sklada, koji je odgovarao idejama ideala privatnog života.

FEDOR SLAVYANSKY. Ured A. G. Venetsianova.1839–1840 Državni ruski muzej, Sankt Peterburg

Slavjanski je nastavio liniju svog učitelja A. Venetsianova kako u portretu tako iu žanru enterijera. Lagano, skladno raspoloženje prožima njegov najbolji interijer, oslikavajući sobe u kući mentora. Vrhunski oslikana enfilada soba podsjeća na briljantan napredak u proučavanju perspektive. U stražnjem dijelu sobe, u blagom raspršenom svjetlu, na sofu je legao mladić - možda sam umjetnik ili neko od učenika vlasnika kuće. Sve u ovom prostoru podsjeća na služenje umjetničkim i umjetničkim interesima: kopije sa antičkih kipova, maneken seljanke u kokošniku kraj prozora, kao oživjele od jarke sunčeve svjetlosti, slike na zidovima, obloge peći rađene u „antičkom ” stil.

Iz knjige autora

Slikarstvo druge polovine 19. veka * * *U drugoj polovini 19. veka u ruskoj likovnoj umetnosti su dominirale društvene i političke ideje. Ni u jednoj drugoj evropskoj zemlji nije postojalo toliko dugo slikarstvo kritičkog realizma – istorijskog

Rusku likovnu umjetnost karakterizirali su romantizam i realizam. Međutim, službeno priznata metoda bila je klasicizam. Akademija umjetnosti postala je konzervativna i inertna institucija koja je kočila svaki pokušaj kreativne slobode. Zahtijevala je da se striktno pridržavaju kanona klasicizma, poticala je pisanje slika na biblijske i mitološke teme. Mladi talentirani ruski umjetnici nisu bili zadovoljni okvirom akademizma. Stoga su se često okretali žanru portreta.
U slikarstvu su oličeni romantični ideali ere nacionalnog uspona. Odbacujući stroge principe klasicizma koji nisu dopuštali odstupanja, umjetnici su otkrili raznolikost i originalnost svijeta oko sebe. To se nije odrazilo samo na već poznate žanrove - portret i pejzaž - već je dalo poticaj rađanju svakodnevnog slikarstva, koje je bilo u centru pažnje majstora druge polovine stoljeća. U međuvremenu, primat je ostao istorijskom žanru. Bilo je to posljednje utočište klasicizma, međutim, i ovdje su se romantične ideje i teme skrivale iza formalno klasicističke „fasade“.
Romantizam - (francuski romantisme), ideološki i umjetnički pravac u evropskoj i američkoj duhovnoj kulturi s kraja 18. - 1. pol. 19. vijeka Odražavajući razočaranje u ishode Francuska revolucija krajem 18. vijeka, u ideologiji prosvjetiteljstva i društvenog napretka. Romantizam je suprotstavio utilitarizam i nivelaciju pojedinca težnji za neograničenom slobodom i "beskonačnim", žeđom za savršenstvom i obnovom, patosom lične i građanske nezavisnosti. Bolni nesklad između idealne i društvene stvarnosti osnova je romantičnog pogleda na svijet i umjetnosti. Tvrdnja o inherentnoj vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, slika jakih strasti, slika jakih strasti, produhovljene i iscjeljujuće prirode, za mnoge romantičare - heroji protesta ili borbe bliski su motivima "svijeta". tuga", "svetsko zlo", "noćna" strana duše, odevena u forme ironije, groteskne poetike dvaju svetova. U ideologija i praksa romantizma.
U likovnoj umjetnosti romantizam se najjasnije manifestirao u slikarstvu i grafici, manje jasno u skulpturi i arhitekturi (na primjer, lažna gotika). Većina nacionalnih škola romantizma u likovnoj umjetnosti razvila se u borbi protiv zvaničnog akademskog klasicizma.
U utrobi službeno-državne kulture uočljiv je sloj „elitističke“ kulture, koja služi vladajućoj klasi (aristokratiji i kraljevskom dvoru) i koja je posebno podložna stranim inovacijama. Dovoljno je prisjetiti se romantične slike O. Kiprenskog, V. Tropinina, K. Bryullova, A. Ivanova i drugih velikih umjetnika 19. stoljeća.
Kiprenski Orest Adamovič, ruski umetnik. Izvanredan majstor ruske likovne umjetnosti romantizma, poznat kao divan slikar portreta. Na slici "Dmitrij Donskoj na Kulikovom polju" (1805, Ruski muzej) pokazao je pouzdano poznavanje kanona akademske istorijske slike. Ali rano, područje u kojem se njegov talenat najprirodnije i najprirodnije otkriva je portret. Njegov prvi slikovni portret (“A. K. Schwalbe”, 1804., ibid.), napisan u “rembrantovskom” maniru, ističe se ekspresivnim i dramatičnim sistemom svjetla i sjenila. S godinama, njegova vještina - koja se očitovala u sposobnosti stvaranja, prije svega, jedinstvenih individualno karakterističnih slika, odabirom posebnih plastičnih sredstava za isticanje ove osobine - postaje sve jača. Pun impresivne vitalnosti: portret dečaka A. A. Čeliščova (oko 1810-11), uparene slike supružnika F. V. i E. P. Rostopčina (1809) i V. S. i D. N. Hvostova (1814, sve - Tretjakovska galerija). Umjetnik se sve više poigrava mogućnostima kontrasta boja i svjetla i nijansi, pejzažne pozadine, simboličkih detalja („E. S. Avdulina“, oko 1822, ibid.). Umjetnik zna i velike svečane portrete napraviti lirski, gotovo intimno opušteno („Portret lajf-husarskog pukovnika Jevgrafa Davidova“, 1809, Ruski muzej). Njegov portret mladog A.S. Puškin je jedan od najboljih u stvaranju romantične slike. Puškin Kiprenskog izgleda svečano i romantično, u oreolu poetske slave. „Laskaš mi, Oreste“, uzdahnuo je Puškin, gledajući gotovo platno. Kiprenski je bio i virtuozni crtač, koji je stvarao (uglavnom u tehnici italijanske olovke i pastela) primjere grafičkog umijeća, često nadmašujući njegove slikovne portrete otvorenom, uzbudljivo laganom emocionalnošću. To su svakodnevni tipovi („Slepi muzičar“, 1809, Ruski muzej; „Kalmička bajausta“, 1813, Tretjakovska galerija), i čuvena serija portreta olovkom učesnika Otadžbinskog rata 1812 (crteži E. I. Čaplica, A. R. Tomilove , P. A. Olenina, isti crtež sa pesnikom Batjuškovim i drugima, 1813-15, Tretjakovska galerija i druge zbirke); herojski početak ovdje dobija iskrenu konotaciju. Veliki broj skica i tekstualnih dokaza pokazuje da je umetnik tokom svog zrelog perioda težio stvaranju velike (po sopstvenim rečima iz pisma A. N. Olenjinu 1834.), „spektakularne, ili, na ruskom, upečatljive i magične slike “, gdje bi rezultati evropske istorije, kao i sudbina Rusije, bili prikazani u alegorijskom obliku. „Čitaoci novina u Napulju“ (1831, Tretjakovska galerija) – naizgled samo grupni portret – zapravo, postoji tajno simboličan odgovor na revolucionarne događaje u Evropi.
Međutim, najambicioznije od slikovitih alegorija Kiprenskog ostale su neispunjene ili nestale (poput "Anakreonove grobnice", završene 1821.). Ova romantična traženja, međutim, dobila su veliki nastavak u radu K. P. Bryullova i A. A. Ivanova.
Realistički način se ogledao u radovima V.A. Tropinin. Tropinjinovi rani portreti, naslikani suzdržanim bojama (porodični portreti grofova Morkova iz 1813. i 1815., oba u Tretjakovskoj galeriji), još uvijek u potpunosti pripadaju tradiciji doba prosvjetiteljstva: model je bezuslovno i postojano središte slike u njima. Kasnije kolorit Tropinjinove slike postaje sve intenzivniji, volumeni su obično oblikovani jasnije i skulpturalnije, ali što je najvažnije, insinuirano raste čisto romantičan osjećaj pokretnih elemenata života, čiji samo dio junak portreta kao da biti fragment ("Bulahov", 1823; "K. G. Ravič", 1823; autoportret, oko 1824; sva tri - ibid.). Takav je A. S. Puškin na poznatom portretu iz 1827. (Sveruski muzej A. S. Puškina, Puškin): pjesnik, stavljajući ruku na hrpu papira, kao da "sluša muzu", sluša stvaralački san koji okružuje slika sa nevidljivim oreolom. Naslikao je i portret A.S. Pushkin. Pred gledaocem se pojavljuje mudar životnim iskustvom, a ne baš srećna osoba. Na portretu Tropinjina pesnik je šarmantan na domaći način. Neka posebna staromoskovska toplina i udobnost zrači iz Tropininovih radova. Do svoje 47. godine bio je u ropstvu. Stoga su, vjerovatno, lica običnih ljudi tako svježa, tako nadahnuta na njegovim platnima. A mladost i šarm njegove "Čipkarice" su beskrajni. Najčešće, V.A. Tropinin se okrenuo slici ljudi iz naroda ("Čipkarica", "Portret sina" itd.).
Umjetnička i ideološka traganja ruske društvene misli, očekivanja promjena, ogledala su se u slikama K.P. Brjulov "Posljednji dan Pompeja" i A.A. Ivanov "Pojavljivanje Hrista narodu".
Veliko umjetničko djelo je slika "Posljednji dan Pompeja" Karla Pavloviča Brjulova (1799-1852). 1830. godine ruski umjetnik Karl Pavlovič Brjulov posjetio je iskopine drevnog grada Pompeje. Šetao je drevnim trotoarima, divio se freskama, a ta tragična noć avgusta 79. godine nove ere mu se uzdizala u mašti. e., kada je grad bio prekriven usijanim pepelom i plovcem probuđenog Vezuva. Tri godine kasnije, slika "Posljednji dan Pompeja" trijumfalno je putovala od Italije do Rusije. Umjetnik je pronašao nevjerovatne boje kako bi oslikao tragediju drevnog grada, koji umire pod lavom i pepelom erupcije Vezuva. Slika je prožeta visokim humanističkim idealima. Pokazuje hrabrost ljudi, njihovu nesebičnost, iskazanu tokom strašne katastrofe. Brjulov je bio u Italiji na poslovnom putu sa Akademije umjetnosti. U ovoj obrazovnoj ustanovi dobro je uspostavljena obuka u tehnici slikanja i crtanja. Međutim, Akademija se nedvosmisleno fokusirala na antičko naslijeđe i herojske teme. Akademsko slikarstvo odlikovala je dekorativnost pejzaža, teatralnost cjelokupne kompozicije. Scene iz savremeni život, obični ruski pejzaž smatrani su nedostojnim umjetnikovog kista. Klasicizam u slikarstvu dobio je ime akademizma. Bryullov je cijelim svojim radom bio povezan s Akademijom.
Posjedovao je snažnu maštu, oštro oko i vjernu ruku - i stvarao je žive kreacije, u skladu sa kanonima akademizma. Zaista, uz Puškinovu milost, mogao je na platnu uhvatiti ljepotu nagog ljudskog tijela i podrhtavanje sunčeve zrake na zelenom listu. Njegova platna „Jahačica“, „Viršaba“, „Italijansko jutro“, „Italijansko podne“, brojni svečani i intimni portreti zauvek će ostati neuvenljiva remek-dela ruskog slikarstva. Međutim, umjetnik je oduvijek težio velikim istorijskim temama, prikazu značajnih događaja u ljudskoj istoriji. Mnogi od njegovih planova u tom pogledu nisu realizovani. Bryullov nikada nije napustio ideju stvaranja epskog platna zasnovanog na zapletu iz ruske istorije. Započinje sliku "Opsada Pskova od strane trupa kralja Stefana Batorija". Oslikava vrhunac opsade 1581. godine, kada su pskovski ratnici i. građani su napali Poljake koji su provalili u grad i bacili ih iza zidina. Ali slika je ostala nedovršena, a zadatak stvaranja istinski nacionalnih povijesnih slika nije izvršio Bryullov, već sljedeća generacija ruskih umjetnika. Istih godina kao i Puškin, Brjulov ga je nadživeo za 15 godina. Posljednjih godina je bio bolestan. Sa tada naslikanog autoportreta gleda nas crvenokosi muškarac nježnih crta lica i smirenog, zamišljenog pogleda.
U prvoj polovini XIX veka. živio je i radio umjetnik Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806-1858). Cijeli svoj stvaralački život posvetio je ideji duhovnog buđenja naroda, oličivši je u slici „Pojava Krista narodu“. Više od 20 godina radio je na slici "Pojava Hrista narodu", u koju je uložio svu snagu i sjaj svog talenta. U prvom planu njegovog grandioznog platna upada u oči hrabri lik Jovana Krstitelja koji upućuje narod na Hrista koji se približava. Njegov lik je dat u daljini. Još nije došao, dolazi, sigurno će doći, kaže umetnik. I lica i duše onih koji čekaju Spasitelja razvedri se, očiste. Na ovoj slici je prikazao, kako je kasnije rekao I. E. Repin, "potlačeni narod, žedan riječi slobode".
U prvoj polovini XIX veka. Rusko slikarstvo uključuje svakodnevni zaplet.
Jedan od prvih koji mu se obratio bio je Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780-1847). Svoj rad je posvetio prikazivanju života seljaka. Ovaj život prikazuje u idealiziranom, uljepšanom obliku, odajući počast tadašnjem modernom sentimentalizmu. Međutim, slike Venetsianova „Gmno“, „Na žetvi. Ljeto”, “Na oranicama. Proljeće“, „Seljačka žena s kukurijem“, „Zaharka“, „Jutro zemljoposjednika“, koji odražavaju ljepotu i plemenitost običnih ruskih ljudi, služili su za afirmaciju dostojanstva osobe, bez obzira na njegovu društveni status.
Njegovu tradiciju nastavio je Pavel Andrejevič Fedotov (1815-1852). Njegova su platna realistična, ispunjena satiričnim sadržajem, razotkrivaju trgovački moral, život i običaje elite društva (“Majorov provod”, “Svježi kavalir” itd.). Karijeru je započeo kao satiričar kao gardijski oficir. Zatim je pravio smiješne, nestašne skice vojnog života. Godine 1848. njegova slika "Svježi kavalir" predstavljena je na akademskoj izložbi. Bilo je to drsko izrugivanje ne samo glupoj, samozadovoljnoj birokratiji, već i akademskoj tradiciji. Prljav ogrtač u koji se obukao glavni lik slike, koje veoma podsjećaju na antičku togu. Brjulov je dugo stajao ispred platna, a onda je polu u šali poluozbiljno rekao autoru: „Čestitam, pobedio si me“. Druge slike Fedotova ("Doručak aristokrate", "Majorova provodadžisanje") takođe su komične i satirične prirode. Njegove posljednje slike su veoma tužne („Sidro, još sidro!“, „Udovica“). Savremenici su s pravom upoređivali P.A. Fedotov u slikarstvu sa N.V. Gogolj u književnosti. Razotkrivanje pošasti feudalne Rusije glavna je tema djela Pavla Andrejeviča Fedotova.

Rusko slikarstvo druge polovine 19. veka

Druga polovina 19. veka obeležen je procvatom ruske likovne umetnosti. Postala je zaista velika umjetnost, prožeta patosom oslobodilačke borbe naroda, odgovarajući na zahtjeve života i aktivno upadajući u život. Realizam je konačno uspostavljen u likovnoj umjetnosti - istinit i sveobuhvatan odraz života naroda, želja da se ovaj život ponovo izgradi na bazi jednakosti i pravde.
Svjesni zaokret novog ruskog slikarstva ka demokratskom realizmu, nacionalnosti, modernosti obilježen je krajem 50-ih, zajedno s revolucionarnom situacijom u zemlji, sa društvenom zrelošću raznočinske inteligencije, s revolucionarnim prosvjetljenjem Černiševskog, Dobroljubova. , Saltikov-Ščedrin, sa narodoljubivom poezijom Nekrasova. U "Esejima o Gogoljevom periodu" (1856.) Černiševski je napisao: "Ako je slikarstvo danas općenito u prilično jadnom položaju, glavni razlog za to se mora smatrati otuđenjem ove umjetnosti od modernih težnji." Ista ideja je citirana u mnogim člancima časopisa Sovremennik.
Centralna tema umetnosti bio je narod, ne samo potlačeni i stradalnici, već i narod - tvorac istorije, narodoborac, tvorac svega najboljeg što je u životu.
Afirmacija realizma u umetnosti odvijala se u tvrdoglavoj borbi sa zvaničnim pravcem, koji je predstavljalo rukovodstvo Akademije umetnosti. Radnici akademije inspirisali su svoje studente idejom da je umjetnost viša od života, iznijeli samo biblijske i mitološke teme za rad umjetnika.
Ali slikarstvo se već počelo pridruživati ​​modernim težnjama - prije svega u Moskvi. Moskovska škola nije uživala ni desetinu privilegija Petrogradske akademije umetnosti, ali je manje zavisila od njenih ukorenjenih dogmi, atmosfera u njoj je bila življa. Iako su nastavnici u Školi uglavnom akademici, ali su akademci sporedni i kolebljivi, nisu potisnuli svoj autoritet kao na Akademiji F. Bruni, stub stare škole, koji se svojevremeno nadmetao sa Brjulovim sa slikom. “Bakarna zmija”.
Godine 1862. Vijeće Akademije umjetnosti u Sankt Peterburgu odlučilo je da izjednači prava svih žanrova, ukinuvši primat istorijskog slikarstva. Zlatna medalja se sada dodjeljivala bez obzira na temu slike, uzimajući u obzir samo njene zasluge. Međutim, "slobode" unutar zidina akademije nisu dugo trajale.
Godine 1863. mladi umjetnici koji su učestvovali na akademskom konkursu podnijeli su peticiju "za dozvolu slobodnog izbora predmeta za one koji to žele, pored zadate teme". Vijeće Akademije je odbilo. Ono što se potom dogodilo se u istoriji ruske umetnosti naziva „pobunom četrnaestorice”. Četrnaest učenika istorijskog razreda nije htelo da napiše slike na predloženu temu iz skandinavske mitologije - "Gozba u Valgaalu" i prkosno je podnelo peticiju - da napusti akademiju. Našavši se bez radionica i novca, pobunjenici su se ujedinili u svojevrsnu komunu - nalik komunama koje je opisao Černiševski u romanu Šta da se radi? - Artel umetnika, na čijem je čelu bio slikar Ivan Nikolajevič Kramskoy. Radnici Artela su primali naredbe za izvođenje raznih umetničko delo, živio u istoj kući, okupljao se u zajedničkoj prostoriji za razgovore, diskusiju o slikama, čitanje knjiga.
Artel se raspao sedam godina kasnije. U to vrijeme, 70-ih godina, na inicijativu umjetnika Grigorija Grigorijeviča Myasoedova, nastalo je udruženje - Udruženje umjetničkih mobilnih umetaka, profesionalno i komercijalno udruženje umjetnika koji su stajali na bliskim ideološkim pozicijama.
Udruženje lutalica je, za razliku od mnogih kasnijih udruženja, prošlo bez ikakvih deklaracija i manifesta. U njenom je statutu samo stajalo da članovi Partnerstva sami vode svoje materijalne poslove, ne zaviseći ni od koga u tom pogledu, kao i da sami priređuju izložbe i odvoze ih u različite gradove („premeštaju“ ih po Rusiji) kako bi upoznali zemlja sa ruskom umetnošću. Obje ove tačke bile su od izuzetnog značaja, potvrđujući nezavisnost umjetnosti od vlasti i volju umjetnika da široko komuniciraju sa ljudima ne samo u glavnom gradu. Glavna uloga u stvaranju Partnerstva i razvoju njegove povelje pripadala je, pored Kramskog, Mjasoedovu, Ge - iz Peterburga, a od Moskovljana - Perovu, Prjanišnikovu, Savrasovu.
"Lutači" su bili ujedinjeni u odbijanju "akademizma" sa njegovom mitologijom, dekorativnim pejzažima i pompeznom teatralnošću. Želeli su da oslikaju živi život. Vodeće mjesto u njihovom radu zauzele su žanrovske (svakodnevne) scene. Seljaštvo je uživalo posebne simpatije prema Lutalicama. Pokazali su njegovu potrebu, patnju, potlačeni položaj. U to vreme - 60-70-ih godina. XIX vijek - ideološka strana umjetnosti bila je cijenjena više od estetske. Umjetnici su tek s vremenom zapamtili inherentnu vrijednost slikarstva.
Možda je najveće priznanje ideologiji dao Vasilij Grigorijevič Perov (1834-1882). Dovoljno je prisjetiti se njegovih slika kao što su "Dolazak policajca na istragu", "Ispijanje čaja u Mytishchi". Neka od Perovljevih djela prožeta su istinskom tragedijom ("Trojka", "Stari roditelji na sinovom grobu"). Perov je naslikao niz portreta svojih poznatih savremenika (Ostrovskog, Turgenjeva, Dostojevskog).
Neka platna "Lutača", slikana iz života ili pod utiskom stvarnih scena, obogatila su naše predstave o seljačkom životu. Slika S. A. Korovina "O svijetu" prikazuje okršaj na seoskom sastanku između bogataša i siromaha. V. M. Maksimov je uhvatio bijes, suze i tugu porodične podjele. Svečana svečanost seljačkog rada ogleda se u slici G. G. Myasoedova „Kosilice“.
U radu Kramskog, glavno mjesto su zauzeli portretno slikarstvo. Slikao je Gončarova, Saltikova-Ščedrina, Nekrasova. Posjeduje jedan od najboljih portreta Lava Tolstoja. Pogled pisca ne napušta gledaoca, s koje god tačke da gleda na platno. Jedno od najmoćnijih djela Kramskoga je slika "Hristos u pustinji".
Prva izložba Lutalica, otvorena 1871. godine, uvjerljivo je pokazala postojanje novog pravca koji se formirao tijekom 60-ih godina. Imala je samo 46 eksponata (za razliku od glomaznih izložbi Akademije), ali pažljivo odabranih, i iako izložba nije bila namjerno programska, cjelokupni nenapisani program nazirao se sasvim jasno. Predstavljeni su svi žanrovi - istorijski, svakodnevni, pejzažni portreti - a publika je mogla da proceni šta su im "Lutalice" donele. Samo skulptura nije imala sreće (postojala je jedna, pa čak i tada malo izvanredna skulptura F. Kamenskog), ali ova vrsta umjetnosti je dugo bila „nesreća“, zapravo, čitavu drugu polovinu stoljeća.
Do početka 90-ih, među mladim umjetnicima moskovske škole, bilo je, međutim, onih koji su dostojno i ozbiljno nastavili građansku putujuću tradiciju: S. Ivanov sa svojom serijom slika o imigrantima, S. Korovin - autor slika "Na svijetu", gdje je zanimljivo i promišljeno razotkrivene dramatične (zaista dramatične!) kolizije predreformskog sela. Ali nisu oni davali ton: Svet umetnosti, koji je bio podjednako udaljen od Lutalica i Akademije, približavao se. Kako je Akademija izgledala u to vrijeme? Njeni nekadašnji umetnički rigoristički stavovi su nestali, više nije insistirala na strogim zahtevima neoklasicizma, na ozloglašenoj hijerarhiji žanrova, bila je prilično tolerantna prema svakodnevnom žanru, samo je više volela da bude „lepo“, a ne „mužik“ ( primjer “lijepih” neakademskih djela – prizora iz antičkog života tada popularnog S. Bakaloviča). Uglavnom je neakademska produkcija, kao i u drugim zemljama, bila buržoasko-salonska, njena "ljepota" - vulgarna ljepota. Ali ne može se reći da nije istakla talente: G. Semiradsky, gore pomenuti, bio je veoma talentovan, V. Smirnov, koji je rano umro (koji je uspeo da stvori impresivnu veliku sliku „Smrt Nerona“); ne može se poreći sigurno umjetničke zasluge slika A. Svedomskog i V. Kotarbinskog. O ovim umetnicima, smatrajući ih nosiocima "helenskog duha", Repin je u poznim godinama govorio sa odobravanjem, impresionirali su Vrubela, baš kao i Aivazovskog, takođe "akademskog" umetnika. S druge strane, niko drugi do Semiradski je u periodu reorganizacije Akademije odlučno istupio u korist svakodnevnog žanra, ukazujući kao pozitivan primer na Perova, Repina i V. Majakovskog. Dakle, bilo je dovoljno tačaka nestajanja između "Lutalica" i Akademije, a tadašnji potpredsjednik Akademije I.I. Tolstoja, na čiju inicijativu su vodeći "Lutači" pozvani da predaju.
Ali glavna stvar koja nam ne dozvoljava da potpuno odbacimo ulogu Akademije umjetnosti, prvenstveno kao obrazovne ustanove, u drugoj polovini veka, jednostavna je činjenica da su iz njegovih zidova izašli mnogi istaknuti umetnici. Ovo su Repin, i Surikov, i Polenov, i Vasnjecov, a kasnije - Serov i Vrubel. Štaviše, nisu ponovili "pobunu četrnaestorice" i, očigledno, imali su koristi od svog šegrtovanja.
Poštovanje prema crtežu, prema konstruisanoj konstruktivnoj formi, ukorenjeno je u ruskoj umetnosti. Opća orijentacija ruske kulture prema realizmu postala je razlogom popularnosti metode Čistjakova - na ovaj ili onaj način, ruski slikari do Serova, Nesterova i Vrubela, uključujući i Serov, poštovali su "nepokolebljive vječne zakone forme" i bili su oprezni prema "dematerijalizaciji". " ili podjarmljivanje šarenog amorfnog elementa, ma koliko voljeli boju.
Među lutalicama pozvanim na Akademiju bila su dva slikara pejzaža - Šiškin i Kuindži. Upravo u to vrijeme u umjetnosti počinje hegemonija pejzaža i kao samostalnog žanra, gdje je vladao Levitan, i kao ravnopravnog elementa svakodnevnog, istorijskog, a dijelom i portretnog slikarstva. Suprotno predviđanjima Stasova, koji smatra da će se uloga krajolika smanjiti, 90-ih je porasla kao nikada do sada. Prevladao je lirski "pejzaž raspoloženja", koji vodi svoju lozu od Savrasova i Polenova.
Putnici su došli do istinskih otkrića u pejzažnom slikarstvu. Aleksej Kondratijevič Savrasov (1830-1897) uspeo je da pokaže lepotu i suptilnu liriku jednostavnog ruskog pejzaža. Njegova slika „Stigli lopovi“ (1871) naterala je mnoge savremenike da iznova pogledaju svoju zavičajnu prirodu.
Fjodor Aleksandrovič Vasiljev (1850-1873) živio je kratak život. Njegov rad, prekinut na samom početku, obogatio je domaće slikarstvo nizom dinamičnih, uzbudljivih pejzaža. Umjetnik je bio posebno uspješan u prijelaznim stanjima u prirodi: od sunca do kiše, od zatišja do oluje.
Ivan Ivanovič Šiškin (1832-1898) postao je pjevač ruske šume, epske širine ruske prirode. Arhipa Ivanoviča Kuindžija (1841-1910) privukla je slikovita igra svjetlosti i zraka. Tajanstvena svjetlost mjeseca u rijetkim oblacima, crveni odsjaji zore na bijelim zidovima ukrajinskih koliba, kosi jutarnji zraci koji se probijaju kroz maglu i igraju se u lokvama na blatnjavom putu - ova i mnoga druga slikovita otkrića zabilježena su na njegova platna.
Ruski vrh pejzažno slikarstvo XIX vijeka dosegnuo je u radu Savrasovljevog učenika Isaka Iljiča Levitana (1860-1900). Levitan je majstor mirnih, tihih pejzaža, veoma plašljiva, stidljiva i ranjiva osoba, mogao je samo da se opusti sam sa prirodom, prožet raspoloženjem pejzaža koji je voleo.
Jednom je došao na Volgu da slika sunce, vazduh i rečna prostranstva. Ali nije bilo sunca, beskrajni oblaci su puzali po nebu, a dosadne kiše su prestale. Umjetnik je bio nervozan dok nije bio uvučen u ovo vrijeme i otkrio poseban šarm lila boja ruskog lošeg vremena. Od tada je Gornja Volga, provincijski grad Ples, čvrsto ušla u njegovo djelo. U tim krajevima stvara svoja „kišna“ dela: „Posle kiše“, „Turan dan“, „Iznad večnog mira“. Tu su naslikani i mirni večernji pejzaži: „Veče na Volgi“, „Veče. Zlatni domet“, „Večernji zvon“, „Tiho prebivalište“.
Posljednjih godina svog života, Levitan je skrenuo pažnju na rad francuskih umjetnika impresionista (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Shvatio je da s njima ima mnogo toga zajedničkog, da njihova kreativna traganja idu u istom pravcu. Kao i oni, više je volio raditi ne u studiju, već u zraku (na otvorenom, kako umjetnici kažu). Kao i oni, on je osvijetlio paletu, odagnavši tamne, zemljane boje. Poput njih, nastojao je da uhvati prolaznost bića, da prenese kretanje svjetlosti i zraka. U tome su otišli dalje od njega, ali su skoro rastvorili trodimenzionalne forme (kuće, drveće) u strujanjima svetlosti vazduha. Izbjegavao je to.
„Levitanove slike zahtevaju polagano ispitivanje“, napisao je veliki poznavalac njegovog dela, K. G. Paustovsky, „one ne zapanjuju oko. Skromne su i tačne, poput Čehovljevih priča, ali što ih duže gledate, tišina provincijskih naselja, poznatih rijeka i seoskih puteva postaje slađa.
U drugoj polovini XIX veka. objašnjavaju kreativni procvat I. E. Repina, V. I. Surikova i V. A. Serova.
Ilja Efimovič Repin (1844-1930) rođen je u gradu Čugujev, u porodici vojnog doseljenika. Uspio je da uđe na Akademiju umjetnosti, gdje mu je učitelj postao P. P. Čistjakov, koji je odgojio čitavu plejadu poznatih umjetnika(V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, M.A. Vrubel, V.A. Serova). Repin je takođe mnogo naučio od Kramskog. Godine 1870. mladi umjetnik je putovao Volgom. Brojne skice koje je doneo sa putovanja koristio je za sliku "Teglenice na Volgi" (1872). Ostavila je snažan utisak na javnost. Autor je odmah prešao u red najpoznatijih majstora.
Repin je bio vrlo svestran umjetnik. Njegovom kistu pripada niz monumentalnih žanrovskih slika. Možda ništa manje impresivno od "teglenica" čini "Vjerska procesija u Kurskoj guberniji". Jarko plavo nebo, oblaci drumske prašine probijeni suncem, zlatni sjaj krstova i odeždi, policija, obični ljudi i sakati - sve je stalo na ovom platnu: veličina, snaga, slabost i bol Rusije.
Na mnogim Repinovim slikama dotaknute su revolucionarne teme ("Odbijanje priznanja", "Nisu čekali", "Hapšenje propagandiste"). Revolucionari na njegovim slikama zadržani su jednostavno i prirodno, izbjegavajući teatralne poze i gestove. Na slici “Odbijanje priznanja” osuđenik je, kao namjerno, sakrio ruke u rukave. Umjetnik je očito simpatizirao junake svojih slika.
Napisano je nekoliko Repinovih slika istorijske teme(„Ivan Grozni i njegov sin Ivan“, „Kozaci pišu pismo turskom sultanu“ itd.). Repin je stvorio čitavu galeriju portreta. Slikao je portrete - naučnika (Pirogova i Sečenova), - pisaca Tolstoja, Turgenjeva i Garšina, - kompozitora Glinke i Musorgskog, - umetnika Kramskog i Surikova. Početkom XX veka. dobio je narudžbu za sliku "Svečana sjednica Državnog vijeća". Umjetnik je uspio ne samo da na platnu smjesti tako veliki broj prisutnih, već i da psihološki opiše mnoge od njih. Među njima su bile poznate ličnosti poput S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tyan-Shansky. Na slici se to jedva primjećuje, ali je Nikola II vrlo suptilno ispisan.
Vasilij Ivanovič Surikov (1848-1916) rođen je u Krasnojarsku, u kozačkoj porodici. Procvat njegovog stvaralaštva pada na 80-te godine, kada je stvorio tri svoje najpoznatije istorijske slike: "Jutro pogubljenja u Strelcima", "Menšikov u Berezovu" i "Bojar Morozova".
Surikov je dobro poznavao život i običaje prošlih vremena, znao je dati živopisne psihološke karakteristike. Osim toga, bio je odličan kolorista (majstor boja). Dovoljno je prisjetiti se blistavog svježeg, svjetlucavog snijega na slici "Boyar Morozova". Ako se, međutim, približi platnu, snijeg se, takoreći, „mrvi“ u plave, plave, ružičaste poteze. Ovu slikarsku tehniku, kada se dva ili tri različita poteza spajaju na daljinu i daju željenu boju, naširoko su koristili francuski impresionisti.
Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911), sin kompozitora, slikao je pejzaže, platna na istorijske teme, radio je kao pozorišni umetnik. Ali slavu su mu doneli, pre svega, portreti.
Godine 1887, 22-godišnji Serov je bio na odmoru u Abramcevu, dači u blizini Moskve filantropa S. I. Mamontova. Među svojom mnogobrojnom decom, mladi umetnik je bio njegov čovek, učesnik u njihovim lutanjima. Jednom su se, nakon večere, dvije osobe slučajno zadržale u trpezariji - Serov i 12-godišnja Veruša Mamontova. Sedeli su za stolom na kojem su ostavljene breskve, a tokom razgovora Veruša nije primetila kako je umetnica počela da skicira njen portret. Posao se otezao mesec dana, a Veruša je bila ljuta što ju je Anton (kako su kod kuće zvali Serov) terao da satima sedi u trpezariji.
Početkom septembra, Djevojka sa breskvama je završena. Unatoč maloj veličini, slika, obojena u ružičaste zlatne tonove, djelovala je veoma "prostrano". U njemu je bilo puno svjetlosti i zraka. Devojčica, koja je kao na minut sela za sto i uperila pogled u posmatrača, očarana je jasnoćom i duhovnošću. Da, i cijelo je platno bilo prekriveno čisto djetinjastim poimanjem svakodnevnog života, kada sreća nije svjesna same sebe, a cijeli život je pred nama.
Stanovnici kuće "Abramcevo", naravno, shvatili su da se pred njihovim očima dogodilo čudo. Ali samo vrijeme daje konačne procjene. Stavila je "Devojku sa breskvama" među najbolje portretne radove u ruskoj i svetskoj umetnosti.
Sledeće godine, Serov je uspeo skoro da ponovi svoju magiju. Naslikao je portret svoje sestre Marije Simonovič („Djevojka obasjana suncem“). Ime je ostalo malo netačno: djevojka sjedi u hladu, a proplanak u pozadini obasjan je zracima jutarnjeg sunca. Ali na slici je sve tako sjedinjeno, tako sjedinjeno - jutro, sunce, ljeto, mladost i ljepota - da je teško smisliti bolje ime.
Serov je postao moderan slikar portreta. Pozirao ispred njega poznatih pisaca, umjetnici, umjetnici, poduzetnici, aristokrati, čak i kraljevi. Očigledno, ne svima koje je napisao, njegova duša je ležala. Neki portreti visokog društva, filigranskom tehnikom, ispali su hladni.
Serov je nekoliko godina predavao na Moskovskoj školi za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu. Bio je zahtjevan učitelj. Protivnik zamrznutih oblika slikarstva, Serov, istovremeno je smatrao da kreativna traganja treba da se zasnivaju na čvrstom vladanju tehnikom crtanja i slikovnog pisanja. Mnogi istaknuti majstori sebe su smatrali učenicima Serova. Ovo je M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznjecov, K. S. Petrov-Vodkin.
Mnoge slike Repina, Surikova, Levitana, Serova, "Lutaoci" završile su u kolekciji Tretjakova. Pavel Mihajlovič Tretjakov (1832-1898), predstavnik stare moskovske trgovačke porodice, bio je neobična osoba. Mršav i visok, čupave brade i tihog glasa, više je ličio na sveca nego na trgovca. Počeo je da sakuplja slike ruskih umetnika 1856. Hobi je prerastao u glavni posao njegovog života. Početkom 90-ih. zbirka je dostigla nivo muzeja, apsorbujući gotovo čitavo bogatstvo kolekcionara. Kasnije je postao vlasništvo Moskve. Tretjakovska galerija je postala svet poznati muzej Rusko slikarstvo, grafika i skulptura.
1898. godine, u Sankt Peterburgu, u palati Mihailovski (kreacija K. Rossija), otvoren je Ruski muzej. Dobila je radove ruskih umjetnika iz Ermitaža, Akademije umjetnosti i nekih carskih palata. Otvaranje ova dva muzeja, takoreći, krunisalo je dostignuća ruskog slikarstva 19. veka.